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-Project Gutenberg's Le musée du Louvre, tome 1 (of 2), by Armand Dayot
-
-This eBook is for the use of anyone anywhere in the United States and most
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-whatsoever.  You may copy it, give it away or re-use it under the terms of
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-
-Title: Le musée du Louvre, tome 1 (of 2)
-
-Author: Armand Dayot
-
-Release Date: January 24, 2016 [EBook #51023]
-
-Language: French
-
-Character set encoding: UTF-8
-
-*** START OF THIS PROJECT GUTENBERG EBOOK LE MUSÉE DU LOUVRE, TOME 1 (OF 2) ***
-
-
-
-
-Produced by Claudine Corbasson, Hans Pieterse and the
-Online Distributed Proofreading Team at http://www.pgdp.net
-(This file was produced from images generously made
-available by The Internet Archive/Canadian Libraries)
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-    Au lecteur.
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-    Ce livre électronique reproduit intégralement le texte original,
-    et l’orthographe d’origine a été conservée, y compris dans les
-    noms propres. Seules quelques erreurs typographiques évidentes
-    ont été corrigées. La liste de ces corrections se trouve à la
-    fin du texte.
-
-    La ponctuation a également fait l’objet de quelques corrections
-    mineures.
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-
-
-
-  LES GRANDS MUSÉES DU MONDE
-  ILLUSTRÉS EN COULEURS
-
-  LE MUSÉE
-  DU LOUVRE
-
-  Publié sous la direction de M. ARMAND DAYOT,
-  Inspecteur général des Beaux-Arts
-
-  [Illustration]
-
-  OUVRAGE ILLUSTRÉ DE 90 PLANCHES HORS TEXTE EN COULEURS
-
-  PIERRE LAFITTE & Cie
-  ÉDITEURS :: 90, CHAMPS-ÉLYSÉES :: PARIS
-  1912
-
-
-
-
-  COPYRIGHT 1912
-  BY PIERRE LAFITTE & Cie
-
-
-
-
-PRÉFACE
-
-
-_Notre étonnement est toujours aussi grand, en parcourant notre
-admirable musée du Louvre, de le voir si peu fréquenté. Trop souvent
-le bruit des pas y résonne comme en un temple sans fidèles. Dans ce
-merveilleux sanctuaire d’art où, siècle par siècle, «l’idéal de tous
-les peuples» s’est, en quelque sorte, cristallisé en d’incomparables
-chefs-d’œuvre, bien rares sont les fervents qui viennent porter leur
-hommage et purifier leur goût. Parfois, sous la conduite d’un employé
-d’agence, des étrangers le parcourent et l’animent d’une rumeur
-passagère. Quant au Parisien, ne l’y cherchez pas: on l’y voit si peu!_
-
-_Par la facilité même qu’il a d’entrer au Louvre à tout instant
-il remet toujours au lendemain la visite projetée... De même du
-provincial, venu à Paris pour ses affaires ou ses plaisirs. Il aura
-la plupart du temps tout vu, les promenades, les cabarets, les
-hippodromes, les théâtres, tout, sauf notre grand musée national._
-
-_A quoi tient cette indifférence de nos compatriotes pour les musées?
-Serait-ce inaptitude à apprécier les œuvres d’art? Je ne le pense pas,
-le Français ayant d’instinct le goût du Beau, d’ailleurs certifié
-par les merveilles d’art de notre pays. Alors? J’accuserais plus
-volontiers l’insuffisance actuelle de l’enseignement artistique dans
-les écoles, insuffisance qui permet à un jeune homme, d’ailleurs pourvu
-de parchemins, d’ignorer l’existence d’un Velazquez ou d’un Rembrandt.
-Que ce bon élève, un jour, pénètre dans le Louvre, il sera dès l’abord
-ahuri, confondu par l’entassement de ces peintures auxquelles il ne
-comprend rien, dont il ignore tout, l’origine, l’époque et jusqu’au nom
-de l’auteur. Et ces notions élémentaires qui lui manquent, s’il lui
-prend fantaisie de les chercher, il ne les trouvera qu’en d’énormes
-volumes de critique, alourdis de considérations savantes et dont il ne
-pourra pas dégager la substance. Mais le guide précis, clair, facile à
-suivre, qui le renseignera brièvement sur la valeur d’une œuvre, la vie
-de son auteur, les traits essentiels de son talent, où se le procurer?
-Inutile de le chercher dans les bibliothèques, il n’y existe pas. Il
-est encore à faire._
-
-_Ou, plutôt, il était encore à faire car, si la vanité ne nous aveugle
-pas, nous croyons pouvoir affirmer qu’il est fait maintenant et c’est
-ce guide nécessaire que nous vous présentons._
-
-_La pensée directrice de cet ouvrage, c’est de propager le goût du
-Beau, de développer le sens artistique par la constante contemplation
-des plus admirables chefs-d’œuvre de la peinture. Posséder les musées
-chez soi, à portée de la main à toute heure, à tout instant, quelle
-heureuse fortune! Le musée chez soi, c’est-à-dire évoquer la fidèle
-image de la toile qu’on aime, faire revivre et prolonger à son gré
-l’émotion ressentie devant les œuvres admirées jadis et qu’on ne
-reverra peut-être plus! Quel précieux privilège de pouvoir contempler
-ainsi tous les tableaux célèbres, épars dans les musées les plus
-lointains, à Madrid, à Amsterdam, à Saint-Pétersbourg, à Rome!_
-
-_Et quel concours miraculeux nous fournit la science moderne!_
-
-_La photographie noire, sans lumière, uniforme de tons, a désormais
-vécu pour faire place à la photographie des couleurs. Ah! l’admirable
-découverte, en vérité! Grâce à elle, la peinture nous est restituée
-tout entière; c’est le tableau lui-même qui revit sous nos yeux.
-Regardez, tout s’y trouve, exactement rendu, le velouté des chairs, le
-chatoiement des étoffes, le scintillement des bijoux, la transparente
-légèreté des ciels, la profondeur lumineuse des ombres. Les nuances
-les plus fines, les frottis les moins appuyés y sont traduits avec
-la même précision que les plus forts empâtements. Cela n’est-il pas
-merveilleux, et n’est-il pas juste de dire que, possédant un tel
-ouvrage, on possède réellement le musée chez soi?_
-
-_Quelques lecteurs s’étonneront peut-être de rencontrer dans une sorte
-de désordre des œuvres très différentes d’époque, d’école et de genre.
-Mais cette apparente confusion n’est pas involontaire. Elle est le
-résultat de considérations faciles à justifier._
-
-_L’ouvrage que nous présentons au public n’est pas, en effet, purement
-didactique, au sens étroit du mot. Il est fait, certes, pour instruire,
-mais pour instruire sans ennui. Un volume d’enseignement, en matière
-d’art, implique généralement une classification soit par époques,
-soit par écoles, classification d’où se dégage toujours une certaine
-monotonie. Donner tout d’une traite l’école flamande, par exemple,
-c’est la redite obligatoire et continue des scènes d’intérieur et des
-scènes de cabaret, fatigantes à la longue, quelle que soit d’ailleurs
-la valeur intrinsèque de l’œuvre, de même que l’œil se fatiguerait
-aussi d’une suite ininterrompue de Madones italiennes ou de Descentes
-de Croix, fussent-elles signées des plus grands noms._
-
-_Ici, au contraire, la fantaisie seule nous a guidés comme seule,
-dans un musée, elle guide les pas du promeneur qui s’arrête à son gré
-devant la toile qui l’attire, portrait, allégorie, scène d’histoire ou
-peinture de genre._
-
-_Pareil à ce visiteur, nous n’avons prétendu faire qu’une libre
-promenade à travers le Louvre, promenade intéressante au plus haut
-point, toujours pleine d’imprévu, où chaque pas amène une surprise
-et une émotion nouvelles, fixant au passage les œuvres glorieuses
-qui rayonnent dans notre grand musée. N’est-ce point là la meilleure
-méthode et la plus attrayante? Nous l’avons pensé et c’est elle que
-nous avons adoptée dans la présentation de ce volume._
-
-_Au hasard de la course, les époques, les écoles, les nationalités
-vont se confondre. L’école flamande voisinera souvent avec l’école
-française, un Hollandais avec un Espagnol, un romantique avec un
-primitif comme les fleurs les plus diverses dans un merveilleux jardin.
-Sans plus d’égards pour les genres, portraits, allégories, sujets
-religieux, paysages, tableaux mythologiques alterneront au cours de
-ces pages, l’un nous reposant de l’autre et nous permettant de les
-mieux goûter tous. Ainsi conduite, la promenade est sans fatigue; elle
-s’égaie de rencontres inattendues; elle puise le meilleur de son charme
-dans son infinie variété._
-
-_Variété qui n’enlève rien, d’ailleurs, à la portée éducative de
-l’ouvrage, bien au contraire, chaque planche étant accompagnée d’une
-notice explicative. Cette notice, nous l’avons voulue claire, précise,
-documentaire, débarrassée de considérations générales et dégagée des
-querelles d’école, assez courte pour n’être pas fatigante, assez longue
-pour être complète. Sur chaque œuvre reproduite elle dira tout ce
-qu’on en peut dire sous une forme résumée: l’événement qui en amena
-l’exécution, les qualités qui la distinguent, les particularités de la
-composition, du dessin ou du coloris, le tout fortifié par l’opinion
-autorisée d’un critique éminent. Du peintre lui-même nous saurons, dès
-le premier contact, ce qu’il importe d’en savoir, son caractère, son
-histoire, les anecdotes intéressantes de sa vie, les traits essentiels
-de son talent. Et lorsque le lecteur rencontrera plus loin un autre
-tableau du même peintre, il le reconnaîtra de lui-même avant d’avoir
-lu le nom, sur la physionomie générale de l’œuvre, comme on reconnaît
-de loin un ami dans la rue avant même de distinguer les traits de son
-visage. Par la diversité des artistes et des œuvres, les similitudes
-et les différences de chacun d’eux se fixeront dans son esprit, et les
-classifications s’opéreront automatiquement, sans effort. Et, peu à
-peu, par une lente progression, sans même qu’il s’en aperçoive, il aura
-meublé son esprit et formé son goût._
-
-_Un tel résultat suffirait à justifier cet ouvrage, ou plutôt cette
-série d’ouvrages, puisque, au_ Louvre, _succéderont les_ Offices _et
-le_ Palais Pitti _de Florence, la_ National Gallery _de Londres,
-l’_Académie _de Venise, le_ Prado _de Madrid, les musées d’Allemagne et
-d’Autriche, etc._
-
-_Puissions-nous, par cette publication à la fois séduisante et
-éducative, avoir contribué à faire pénétrer dans le public français,
-d’une sensibilité artistique si grande, mais, cependant, il faut bien
-le reconnaître, trop souvent ignorant des merveilles qui peuplent nos
-musées nationaux et ceux de l’étranger, le goût de l’éternelle Beauté
-et le désir d’en pénétrer le mystère._
-
-  [Signature manuscrite: Armand Dayot]
-  _Inspecteur général des Beaux-Arts._
-
-
-
-
-FRANÇOIS BOUCHER
-
-VULCAIN PRÉSENTANT A VÉNUS
-LES ARMES FORGÉES POUR ÉNÉE
-
-SALLE DU XVIIIe SIÈCLE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Vulcain présentant à Vénus les Armes d’Énée_
-
-
-Boucher, affirme le Nécrologe de 1771, «possédait à un degré supérieur
-toutes les grandes parties de l’art de la peinture et il eût pu
-s’essayer et se distinguer dans tous les genres; mais né sensible,
-aimable et voluptueux, il se vit presque toujours entraîné vers les
-Grâces dont il fut généralement appelé le peintre.» Sensible, aimable
-et voluptueux: en ces trois termes se résume la physionomie du XVIIIe
-siècle tout entier, avec son élégance spirituelle et son dévergondage
-raffiné; dans ces trois mots également s’enferme tout l’art de
-Boucher, peintre des fêtes galantes et des mythologies gracieuses.
-Ses conceptions personnelles s’adaptaient merveilleusement au goût
-de l’époque. Il devait réussir dans une cour brillante et libertine
-dont Mme de Pompadour était la reine; il en devint bientôt le peintre
-officiel. Aussi bon courtisan qu’artiste habile, il employa le meilleur
-de son talent à célébrer Vénus, la déesse d’amour et de beauté,
-délicat hommage à la favorite royale, sa protectrice, souveraine
-toute-puissante dans le fastueux Olympe de Versailles. Par goût
-naturel, il aime d’ailleurs à faire jouer la lumière sur les chairs
-roses et nacrées des femmes; son œuvre entière est un hymne permanent à
-la jeunesse, à la beauté et à l’amour.
-
-Parmi ces toiles allégoriques, celle que nous donnons ici est l’une
-des plus belles. A droite du tableau, Vulcain, assis sur une peau de
-tigre, tend à la déesse les armes qu’il vient de forger. Portée sur un
-nuage et appuyée sur une de ses nymphes, Vénus à demi nue les examine
-négligemment. Son corps nonchalamment étendu est une merveille de grâce
-aisée et de beauté indolente. Au premier plan, on aperçoit le char de
-la divinité, attelé de colombes. Sur le devant de la toile, un Amour
-tresse des guirlandes de roses. Dans le ciel baigné d’une lumière
-diaphane, d’autres Amours se poursuivent en jouant.
-
-S’il obtint les suffrages unanimes de ses contemporains, l’art de
-Boucher éprouva les rigueurs de la postérité. De l’engouement exagéré
-on en vint sans transition à l’absolu mépris. On lui reprochait
-la mollesse de son dessin, l’incorrection de ses anatomies, le
-conventionnel de sa peinture. Malgré la part de vérité contenue
-dans ces critiques, il faut avouer que nous sommes très mal placés
-aujourd’hui pour juger Boucher, qui fut surtout et avant tout
-décorateur. Pour asseoir un jugement équitable, il faudrait voir ses
-œuvres dans le cadre pour lequel elles avaient été peintes, panneaux
-sculptés où courent des guirlandes, trumeaux ouvragés et précieux,
-tympans dorés et festonnés d’arabesques; on leur trouve aussitôt toute
-leur signification esthétique et toute leur harmonie. Dépouillées de ce
-soutien nécessaire, les toiles de Boucher ressemblent à des diamants
-qu’on aurait dessertis de leur alvéole d’orfèvrerie.
-
-«Son œuvre est prodigieuse sous son aspect léger, prodigieuse par la
-fécondité de l’effort qu’elle représente, et prodigieuse aussi par la
-facilité d’expression qu’on y découvre, facilité, il faut bien le dire,
-plus rare chez ceux qui s’obstinent à pénétrer le mystère de la nature
-que chez ceux dont la faculté d’observation s’arrête à la surface des
-choses. Et telle était cette incroyable facilité, qui constituait le
-fond du talent de Boucher que ce dernier traita avec la même assurance,
-sinon avec le même bonheur, tous les sujets, depuis les sujets de
-sainteté jusqu’aux grivoiseries les plus déshabillées, caressant avec
-une égale aisance de pinceau les voiles de la Vierge dans ses tableaux
-de Nativité et les splendeurs nacrées de Miss Murphy voluptueusement
-étendue au milieu des draperies bouleversées de l’alcôve.» (Armand
-Dayot.)
-
-Ce qu’on ne peut, sans injustice, contester à Boucher, c’est
-l’harmonieuse beauté de sa composition, l’incomparable fluidité de
-sa couleur, la clarté de ses atmosphères et surtout cette élégance
-parfaite, un peu maniérée mais exquise, où se matérialisent à nos yeux,
-en quelque sorte, l’esprit et le goût de la Régence et du règne de
-Louis XV.
-
-
-David le savait bien, lui qui avait travaillé plus que tout autre à
-réagir contre cet art. Un jour qu’il entendait certains de ses élèves
-tourner en dérision le peintre des Bergeries et des Boudoirs, il alla
-vers eux, fort en colère, et leur cria: «N’est pas Boucher qui veut!»
-
-On peut en croire David; il était bon juge. Boucher est resté
-inimitable dans un genre qu’il a créé et dont aucun peintre après lui
-n’a pu retrouver le secret. Ses élèves s’évertuèrent à le continuer, et
-n’y réussirent point. Sous leur pinceau, l’habileté du maître devint du
-procédé, sa grâce de l’afféterie, son tour galant de la fadeur.
-
-On est aujourd’hui revenu de l’injustice dont a longtemps souffert
-l’art de Boucher. Sans le classer au rang des grands maîtres on
-s’accorde à le reconnaître comme un peintre délicat et charmant,
-parfois incorrect mais jamais banal, dont on regarde toujours les
-œuvres avec plaisir et intérêt, parce qu’elles sont élégantes,
-spirituelles, brillantes comme la société dont elles reflètent les
-goûts, les qualités et les défauts.
-
-_Vulcain présentant les armes d’Énée à Vénus_ figura au Salon de 1757.
-Il y obtint un grand succès. Il fut acquis par le roi Louis XV pour
-être reproduit en tapisserie par la manufacture royale des Gobelins.
-Plus tard, il passa du Garde-Meuble au Musée du Louvre, qu’il n’a plus
-quitté. On le voit aujourd’hui dans la salle du XVIIIe siècle.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 3.20.--Largeur: 3.20.--_Figure grandeur naturelle._
-
-
-
-
-RAPHAËL
-
-BALTHAZAR
-COMTE DE CASTIGLIONE
-
-SALON CARRÉ
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Balthazar, Comte de Castiglione_
-
-
-Il y a quelques mois à peine, ce magnifique portrait de Raphaël
-voisinait encore, au Salon Carré, avec la fameuse _Joconde_ de Vinci,
-récemment enlevée à l’admiration du monde par une main criminelle.
-Côte à côte, les deux tableaux rayonnaient d’un éclat incomparable
-dans cette salle illustre, dans ce Saint des Saints de l’Art, qui ne
-renferme cependant que des chefs-d’œuvre. A la place laissée vide
-par la Mona Lisa--et qu’elle ne reprendra peut-être plus--Balthazar
-Castiglione trône aujourd’hui et son fin sourire de diplomate succède à
-la troublante énigme des yeux et des lèvres de la Joconde.
-
-A contempler l’impeccable perfection de ce portrait, on devine que
-Raphaël mit toute son âme à l’exécuter. Castiglione fut, en effet, son
-ami le plus cher et son conseiller le plus sûr. C’est à lui que le
-grand artiste écrivait: «Je vous dirai que, pour peindre une beauté
-féminine, j’ai besoin de vous avoir avec moi pour choisir la plus
-belle.»
-
-Castiglione méritait cet honneur. La nature l’avait orné des dons les
-plus brillants. Son extérieur était séduisant, son visage agréable,
-ses manières affables et courtoises. Il aimait les arts avec passion,
-les comprenait et les encourageait. D’un savoir et d’une intelligence
-remarquables, à la fois soldat et lettré, il maniait l’épée comme un
-Sforza et la plume comme Machiavel. De même que celui-ci écrivit le
-_Livre du Prince_, Castiglione laissa au monde cet immortel monument
-de l’esprit de la Renaissance: le _Livre du Courtisan_. Du courtisan
-il fut lui-même le type accompli, sans bassesse comme sans effort,
-par la souplesse de son esprit et la sincérité de son attachement
-à ses princes. Il guerroya d’abord dans l’armée du duc d’Urbin et
-le servit ensuite comme diplomate. Puis il passa successivement au
-service du pape Clément VII et de l’empereur Charles-Quint. Léon X
-le créa cardinal. Charles-Quint lui donna le titre d’évêque d’Avila.
-Soldat, littérateur, diplomate, évêque, cardinal, Castiglione, avec
-ses qualités multiples, réalise la plus complète et la plus brillante
-personnification du grand seigneur cultivé de la Renaissance italienne.
-
-Il se montra toujours très attaché à Raphaël, qu’il avait connu très
-jeune et dont il avait deviné le génie. Très en faveur auprès des
-princes et à la cour pontificale, il contribua à faciliter ses débuts.
-C’est à son influence que le jeune peintre dut ses premières commandes.
-Raphaël ne se montra pas ingrat. Devenu riche et parvenu au faîte de
-la gloire, il ne cesse de voir un bienfaiteur dans ce patricien qui
-ne se pose qu’en ami. Il sait d’ailleurs quelle science, quel goût
-sûr, quelle hauteur d’esprit se dissimulent sous les dehors élégants
-du grand seigneur. Lorsqu’il est embarrassé sur un point quelconque
-d’histoire ou s’il hésite dans la composition d’un groupe ou d’un
-ensemble, c’est au jugement de Balthazar Castiglione qu’il fait appel.
-Quand Jules II confia à Raphaël la décoration de ses appartements
-au Vatican, le rude pontife décréta la destruction des fresques
-précédemment peintes, et dont certaines étaient signées des grands noms
-de Pérugin et de Sodoma. Désolé de cette profanation, Raphaël s’en
-ouvrit à Castiglione qui l’encouragea à résister aux desseins du pape.
-Fort de cet appui, le peintre se présenta devant Jules II, essuya sa
-colère, mais réussit à sauver les œuvres menacées. Chargé de peindre
-des figures allégoriques dans la Chambre de la Signature, Raphaël, peu
-cultivé malgré ses facultés d’assimilation, trouva un guide toujours
-prêt, un conseil toujours autorisé auprès de Balthazar Castiglione,
-et l’harmonie ordonnée, l’unité de conception dans la variété infinie
-des motifs indiquent bien l’importante contribution documentaire que
-celui-ci fournit au peintre.
-
-Tel nous le dépeint l’histoire, tel nous le voyons dans le portrait du
-Louvre. Les yeux vifs et pénétrants disent l’intelligence, les lèvres
-minces la finesse; Raphaël, dont l’amitié conduisait le pinceau, a su
-embellir le personnage d’une aristocratique distinction. L’ensemble
-du tableau est dans une tonalité grise, atténuée, peu habituelle aux
-peintres de cette époque et qu’on ne retrouvera qu’un siècle plus
-tard chez un autre artiste de génie, Vélazquez. Tout s’harmonise
-admirablement dans ce tableau, le vêtement, le visage, le fond même,
-comme si l’ensemble baignait dans une lumière uniforme, très douce et
-tamisée par un écran.
-
-Cette manière, dont Raphaël lui-même n’usa que très rarement, démontre
-la prodigieuse souplesse de son art, qui s’adaptait à tous les genres
-et se transformait complètement suivant le sujet à traiter, tour à tour
-aimable ou grandiose, plein de suavité ou de puissance et toujours égal
-par le génie.
-
-Cette œuvre est l’une des dernières de Raphaël. Il la peignit en 1517,
-trois ans avant sa mort.
-
-Après la mort de Castiglione, le tableau passa au duc de Mantoue, à qui
-Charles Ier d’Angleterre l’acheta. On le retrouve plus tard dans la
-collection d’un amateur hollandais, Van Asselin, chez lequel Rembrandt
-et Rubens le copièrent. A l’époque où Mazarin l’acquit, ce portrait
-était estimé 3.000 francs. A la mort du cardinal-ministre, il entra,
-grâce à Louis XIV, dans le domaine national. Primitivement peint sur
-bois, il a été transporté sur toile.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.67--Largeur: 0.62--_Figure à mi-corps, grandeur naturelle._
-
-
-
-
-RUBENS
-
-HÉLÈNE FOURMENT
-ET SES ENFANTS
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Hélène Fourment et ses enfants_
-
-
-Pierre-Paul Rubens est un des peintres les plus puissants et les plus
-féconds dont fasse mention l’histoire de l’art. Son œuvre est immense;
-il n’est pas un grand musée d’Europe qui ne possède plusieurs toiles
-signées de lui, et cela s’explique si l’on songe que, de son vivant,
-il travailla beaucoup en Italie, en Espagne, en France et que les
-princes étrangers, lors de la vente qui suivit sa mort, se disputèrent
-à prix d’or les tableaux demeurés dans son atelier. Le Louvre est
-particulièrement riche en œuvres du grand peintre; celle que nous
-donnons ici compte parmi les plus belles.
-
-Elle représente Hélène Fourment, seconde femme de Rubens, avec deux de
-ses enfants. La jeune femme est assise tenant un de ses enfants dans
-ses bras tandis que l’autre, une fillette, placée devant elle, relève
-son tablier en un geste gracieux. Entre les deux enfants, on aperçoit
-un oiseau qui s’envole.
-
-Rubens s’était marié deux fois, d’abord le 3 octobre 1609, avec
-Isabelle Brandt, fille de Jean Brandt, secrétaire de la Régence,
-peu après son retour à Anvers, lorsqu’il eut quitté le service du
-duc de Mantoue. Il avait à cette époque trente-deux ans, sa jeune
-épouse dix-huit. Elle lui donna deux fils dont les portraits figurent
-aujourd’hui à la galerie Lichtenstein, à Vienne. Elle mourut à l’âge de
-trente-cinq ans et Rubens éprouva, de cette perte, un profond chagrin.
-«En vérité, écrit-il, j’ai perdu une excellente compagne; elle n’avait
-aucun des défauts de son sexe; point d’humeur chagrine, point de ces
-faiblesses de femme, mais rien que de la bonté et de la délicatesse.
-Une semblable perte me paraît bien sensible et puisque le seul remède
-à tous les maux est l’oubli qu’engendre le temps, il faudra sans doute
-espérer de lui mon secours, mais qu’il me sera difficile de séparer la
-douleur que me cause sa mort du souvenir que je dois garder toute ma
-vie à cette femme chérie et vénérée!»
-
-L’apaisement se fit plus vite que ne l’avait espéré Rubens. Quatre ans
-après, le 6 décembre 1630, il épousait, à l’âge de cinquante-quatre
-ans, la jolie Hélène Fourment, nièce de sa première femme, qui n’avait
-que seize ans. On connaît d’elle, outre le tableau reproduit ici, un
-autre portrait aussi célèbre, généralement désigné sous le titre du
-_Chapeau de paille_.
-
-Le portrait d’Hélène Fourment avec ses enfants est une merveille de
-légèreté et de transparence. «Ce ne sont, écrit Gautier, que frottis
-pénétrés de lumière, que touches lâchées et jetées comme au hasard mais
-qui expriment ce qu’elles veulent dire mieux que le travail le plus
-poussé. Dans cette toile d’une fraîcheur délicieuse, Rubens a tempéré
-sa rouge ardeur. Il est blond, argenté, nacré comme le satin et la
-lumière.»
-
-Rubens n’avait que soixante-trois ans quand il mourut, en pleine
-puissance de son génie, sans avoir subi cette déchéance qui, bien
-souvent, gâte la fin des plus grands artistes. Il fut enterré dans le
-caveau de messire Fourment, son beau-père. «Ces messieurs, relate le
-registre mortuaire de la paroisse, ont contribué tous ensemble aux
-dépens de transport et la quête a produit 9 gros 10 sous. Le convoi a
-eu lieu avec 60 flambeaux ornés de croix de satin rouge et la musique
-de Notre-Dame. Nous avons chanté le _Miserere_ avant la messe, puis le
-_Dies iræ_ et d’autres psaumes. Il a été exposé avec 6 cierges. Les
-frais de l’église, fixés d’abord à 6 livres, se sont montés à 69 gros
-3 sous qui ont été payés.» Sa veuve, Hélène Fourment, fit construire
-derrière le chœur de l’église Saint-Jacques une chapelle où fut
-transportée sa dépouille. Sur l’autel se trouve le _Saint Georges_ où
-l’artiste, dit-on, s’était représenté avec ses deux femmes, Isabelle
-Brandt en Vierge Marie, Hélène Fourment en Marie-Madeleine.
-
-La succession de Rubens s’élevait à 700.000 florins. La veuve et les
-fils du premier lit, Albert et Nicolas Rubens, se firent adjuger, en
-plus des portraits qui leur revenaient, un certain nombre de toiles. Le
-reste fut vendu aux enchères publiques. Cette vente, qui ne comprenait
-pas moins de trois cent quatorze toiles ou dessins, eut lieu, le
-17 mars 1642, dans une auberge d’Anvers, au _Souci d’or_, dont la
-tenancière, la veuve Sagers, reçut de la famille 474 florins pour prix
-des rafraîchissements servis aux agents et amateurs, parmi lesquels
-se trouvaient, avec l’envoyé du roi d’Espagne, les représentants de
-l’empereur d’Allemagne, de l’électeur de Bavière, du roi de Pologne
-(Gustave Geffroy). Les dessins et une grande quantité de tableaux
-furent acquis par le banquier Jabach qui, plus tard, revendit une
-partie de sa collection à Louis XIV.
-
-Quant au portrait d’Hélène Fourment, il appartenait vers le milieu
-du XVIIe siècle, à M. de La Live de Jully; à la vente de ce
-collectionneur, M. Randon de Boisset l’acheta 20.000 livres; quelques
-années après, en 1777, il passe dans la collection du comte de
-Vaudreuil qui le paye 18.000 livres. Il est enfin acquis, pour 20.000
-livres, par la Couronne, en 1784. Il figure aujourd’hui dans la partie
-de la grande galerie du Louvre réservée à la peinture flamande.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 1.13.--Largeur: 0.82.--_Figure petite nature._
-
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-
-
-LOUIS DAVID
-
-MADAME RÉCAMIER
-
-SALLE DU SACRE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Madame Récamier_
-
-
-David est peut-être, de tous les peintres, celui qui a été le plus
-glorifié et le plus honni. Porté aux nues par ses contemporains, il
-fut traîné aux gémonies par la génération suivante. L’accord s’est
-fait aujourd’hui sur son œuvre, grâce au recul du temps qui éteint
-les haines d’écoles et de partis. David, peintre d’histoire, ne jouit
-plus que d’une estime modérée et toute notre admiration s’adresse
-désormais à David portraitiste. Ce jugement de la postérité aurait
-surpris et surtout irrité le peintre, s’il avait pu le deviner. A ses
-yeux, la peinture d’histoire, inspirée de l’antique, comptait seule;
-il s’en était servi comme instrument pour abattre le maniérisme et
-la fadeur du XVIIIe siècle; il lui devait son titre de chef d’école.
-Quant aux portraits, il les considérait comme un délassement de ses
-grands travaux et comme un art inférieur, bon tout au plus à procurer
-un revenu sûr et immédiat. A Mme de Verninac, sœur de Delacroix, dont
-il a fait un délicieux portrait et qui désirait le voir figurer au
-Salon de l’an VIII, il écrit: «Il serait ridicule qu’un artiste comme
-moi exposât simplement un portrait tel bon qu’il soit.» Et pour adoucir
-son refus, il ajoute: «Je suis occupé en ce moment à faire encore une
-autre belle femme, Mme Récamier. C’est un tout autre genre de beauté.
-Je pense qu’elle voudra que son portrait soit exposé; alors j’aurai
-l’honneur de vous en prévenir et de vous prier en même temps d’y
-joindre le vôtre.»
-
-C’est en 1800 que David commença le portrait de
-Jeanne-Françoise-Julie-Adélaïde Bernard, femme du richissime banquier
-Récamier. Sa grande fortune, sa réputation de beauté et d’esprit la
-faisaient rechercher dans les salons de l’époque; elle y brillait sans
-efforts, par la seule vertu de son charme et de sa bonté. Cette femme
-célèbre chargea David, alors dans toute sa gloire, de fixer ses traits.
-Le peintre aborda ce portrait avec enthousiasme, certains disent avec
-amour; il s’était adjoint, pour dessiner les accessoires, un jeune
-artiste nommé Ingres, qui devait à son tour devenir illustre.
-
-David avait placé son modèle dans une pose charmante. A demi-couchée
-sur un lit de repos, Mme Récamier tourne vers la droite son joli
-visage. Elle porte une robe légère de linon blanc, d’où sortent
-ses pieds nus croisés l’un sur l’autre. Un ruban noir maintient la
-chevelure bouclée.
-
-Le portrait si bien commencé ne fut jamais fini. Un beau jour, David
-apprit que Mme Récamier le quittait pour se faire peindre par Gérard,
-son élève. Il en conçut du dépit et abandonna son ouvrage. Le portrait
-demeura à l’état d’ébauche, mais quelle ébauche! Devant cette œuvre
-magistrale, où la couleur est simplement indiquée par des frottis
-légers qui la rendent transparente, lumineuse, on se réjouit presque du
-hasard qui empêcha David d’appliquer la pâte épaisse, souvent terne et
-lourde, de son pinceau. Tel qu’il nous est parvenu, ce portrait est un
-véritable chef-d’œuvre, autant par la maîtrise de l’exécution que par
-la sobriété, la distinction et l’harmonie des lignes.
-
-Gérard, dans son portrait de Mme Récamier, ne fut pas moins heureux
-que son maître. Comme lui, il réussit à produire un chef-d’œuvre. On
-peut comparer les deux toiles qui se trouvent au Louvre. Celle de
-Gérard a peut-être plus de fraîcheur et de séduction, on y devine le
-souci du peintre à flatter son modèle; celle de David se distingue
-par plus d’harmonie dans l’ensemble, par plus de fermeté, par plus
-de vérité aussi. Rien ne ressemble moins à David peintre d’histoire
-que David portraitiste: devant la nature vivante tombait sa froideur
-systématique; il l’attaquait avec une absolue sincérité, ne cherchant
-ni à l’interpréter ni à l’orner; sur les traits mobiles du modèle,
-à force d’étude et de précision, il saisissait l’âme et la fixait.
-Il doit à cette probité scrupuleuse une gloire de bon aloi que ses
-meilleures et ses plus vastes compositions d’histoire n’auraient pu lui
-assurer. «Il ne reculait même pas devant l’horreur, malgré son amour de
-la beauté classique. Ce qui fait la gloire de David, c’est sa grande
-science du dessin fortifiée par l’étude incessante du modèle, anoblie
-et comme ramenée au type général par la familiarité de l’antique. Sans
-doute les personnages de ses tableaux se figeaient parfois en statues,
-mais jamais ses portraits. Pendant une longue période, l’autorité de
-David fut immense, incontestée, sans rivale. Il s’était emparé, en
-maître despotique, du domaine de l’art. Ces dominations ne s’acquièrent
-pas sans une rare puissance et, pourquoi ne pas dire le mot, sans
-génie.» (Théophile Gautier.)
-
-Le portrait de Mme Récamier, n’ayant pas été achevé, demeura la
-propriété de l’artiste qui l’oublia dans un coin de son atelier. Il le
-suivit dans son exil à Bruxelles sans trouver acheteur. Il fut acquis
-par l’État en 1826, à la vente posthume du peintre, pour la somme de
-6.180 francs. On le mit au Louvre, d’où il ne sortit qu’une fois, en
-1889, pour figurer à la centennale de l’Exposition universelle. Il est
-placé aujourd’hui dans la salle connue sous le nom de _Salle du Sacre_,
-où se trouvent réunies les œuvres les plus célèbres du grand peintre.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 1.70.--Largeur: 2.40.--_Figure grandeur naturelle._
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-
-
-GIORGIONE
-
-LE CONCERT CHAMPÊTRE
-
-SALON CARRÉ
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Le Concert Champêtre_
-
-
-Giorgio Barbarelli, plus connu sous le nom de Giorgione, marque la
-transition entre la manière un peu sèche et naïve de l’art gothique et
-la géniale éclosion de l’art des Titien, des Tintoret et des Véronèse.
-Il naquit en 1477, la même année que Titien; mais tandis que celui-ci
-portait durant un siècle le sceptre de la peinture, Giorgione mourait à
-trente-trois ans dans la plénitude de son génie. Giorgione fut surtout
-un peintre de fresques. Venu tout jeune à Venise, il fut employé par
-les procurateurs de la Sérénissime et par les riches particuliers
-à décorer les palais officiels ou privés de la ville. Il avait
-commencé par peindre l’extérieur de sa propre maison de compositions
-fantaisistes, et bientôt cela devint une mode à Venise, si bien qu’avec
-le Titien, il fut chargé d’orner la façade du Fondaco dei Tedeschi,
-sorte d’hôtel consulaire des commerçants allemands, reconstruit en 1508
-sur les rives du Grand-Canal. Giorgione fit preuve, dans le choix de
-ses compositions de la plus extraordinaire fantaisie et revêtit le tout
-d’un merveilleux coloris dont l’action corrosive de la lagune et du
-temps n’a pu complètement étouffer l’éclat.
-
-Cette originalité et cette splendeur de palette, disciplinées par
-beaucoup de science, on les retrouve entières dans les tableaux de
-Giorgione et notamment dans ce _Concert champêtre_, qui est une des
-merveilles du Salon Carré. «Il fut un des premiers qui fit preuve d’une
-véritable indépendance en osant ce qui n’avait pas été fait avant lui;
-il révéla à l’art vénitien son véritable tempérament en une forme
-amoureuse que la morale religieuse avait jusque-là empêchée, mais que
-l’esprit dévergondé de la Renaissance encouragea. Dans ses œuvres les
-chairs palpitent, les carnations savoureuses et fermes se modèlent
-dans de mystérieuses pénombres, sa couleur est dans une gamme chaude
-extrêmement harmonieuse. Nul mieux que lui ne donna à la peinture
-cette richesse de tons et cette solidité d’exécution, avec autant de
-souplesse, d’humour et de vie.» (Pierre Gusman.)
-
-A propos du _Concert champêtre_, nous ne saurions mieux faire que de
-citer la belle page de critique que lui consacre Théophile Gautier:
-
-«Au milieu d’un de ces paysages d’une richesse de ton étouffée et
-chaude dont Titien s’est souvenu plus d’une fois, de jeunes seigneurs
-font de la musique: l’un joue du luth et l’autre semble l’écouter.
-Au premier plan, une jeune femme nue, vue de dos, et assise sur un
-épais gazon d’un vert doré, approche de ses lèvres une flûte. A la
-gauche, une autre jeune femme, qui n’a d’autre vêtement qu’un bout de
-draperie blanche glissant de la hanche sur la cuisse, s’appuie sur le
-bord d’une espèce d’auge en marbre et y plonge, pour l’emplir, une
-bouteille de verre. Les deux jeunes seigneurs ont d’élégants costumes
-vénitiens dans le goût de ceux de Vittore Carpaccio; ils ne semblent
-nullement se préoccuper du contraste que présentent leurs riches habits
-avec la nudité de leurs compagnes. Le peintre, dans cette suprême
-indifférence artistique qui ne songe qu’à la beauté, n’a vu là qu’une
-heureuse opposition de belles étoffes et de belles chairs, et en
-effet il n’y a que cela. Le torse de la femme penchée sur la vasque,
-le dos de celle qui joue de la flûte, sont deux morceaux de peinture
-magnifiques. Jamais coloris plus blond, plus chaud, plus moelleux et
-d’une consistance plus riche ne revêtit d’opulentes formes féminines.
-
-«_Le Concert champêtre_ de Giorgione, ce tableau sans sujet et sans
-anecdote, n’attire peut-être pas beaucoup la foule, mais soyez sûr
-que tous ceux qui cherchent les secrets de la couleur s’y arrêtent
-longuement, et, sans pousser le fétichisme comme sir David Wilkie à
-l’égard de _Los Borrachos_ de Vélazquez jusqu’à en étudier un pouce
-carré seulement chaque jour, en font des pochades, des études, des
-copies complètes qu’ils gardent sur le mur de leur atelier comme le
-plus sûr étalon de coloris qu’un artiste puisse consulter. C’est
-Giorgione, on peut le dire, qui a fait la palette de Venise. Titien,
-Bonifazio, Tintoret, Paris Bordone, Palma vieux et jeune, Paul
-Véronèse, les plus illustres et les moins connus, y ont largement
-puisé. On peut dire à la gloire de Giorgione que Titien l’égala, mais
-ne le surpassa point.»
-
-Les œuvres authentiques de Giorgione sont très rares, ses fresques
-ayant presque complètement disparu, sous l’action du temps. Beaucoup
-de tableaux qui lui furent attribués ont été reconnus comme étant dus
-à Lorenzo Lotto, Palma Vecchio ou Sebastiano del Piombo. Mais outre
-le _Concert champêtre_ du Louvre, il faut citer de lui deux œuvres
-maîtresses: _La Famille de Giorgione_, au palais Giovanelli, à Venise,
-et _Apollon et Daphné_, au Séminaire patriarcal de la même ville.
-
-Le _Concert champêtre_ fit longtemps partie des collections des ducs
-de Mantoue, puis il fut acheté par le roi d’Angleterre Charles Ier.
-Il passa ensuite aux mains du riche banquier Jabach, grand amateur de
-peinture. Mais Louis XIV, ayant vu ce tableau, manifesta le désir de
-le posséder et l’acheta au banquier. C’est ainsi que ce chef-d’œuvre,
-ainsi que nombre d’autres, entra dans notre patrimoine national.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 1.10.--Largeur: 1.38.--_Personnages en pied, grandeur
-naturelle._
-
-
-
-
-REMBRANDT
-
-HEINDRICKJE STOFFELS
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Portrait d’Heindrickje Stoffels_
-
-
-Le nom de Rembrandt brille d’un tel éclat au ciel de l’art que l’on
-peut se demander si l’immortel auteur de la _Ronde de Nuit_ n’est pas
-le plus grand peintre que le monde ait connu. Ce qui surprend surtout,
-c’est qu’il ait pu rester toujours lui-même, c’est-à-dire génial, au
-milieu des traverses et des infortunes qui marquèrent son existence.
-Les splendeurs et la misère s’opposent dans sa vie comme la lumière et
-l’ombre dans ses tableaux; on semble même reconnaître, dans les œuvres
-de la période malheureuse, une fougue, une puissance, une sorte de
-fureur exaspérée qui se traduisent sur la toile en traits de feu.
-
-Le portrait d’Heindrickje Stoffels que nous donnons ici ne remonte pas
-à la période fastueuse de l’artiste, il ne date pas non plus des années
-de misère totale. Rembrandt a déjà connu la douleur en perdant sa femme
-adorée Saskia; mais il a trouvé une consolatrice et une amie dévouée en
-Heindrickje Stoffels, sa servante. Certains biographes ont fait grief
-au grand artiste de cette liaison, jugée par eux indigne d’un génie
-comme le sien. Une censure de cet ordre n’a que faire ici. Heindrickje
-Stoffels vient à Rembrandt au temps de ses plus grands ennuis et le
-sert fidèlement jusqu’à sa mort. Avec l’énergie et la clairvoyance
-d’un cœur aimant, elle s’applique à relever la fortune de son maître:
-elle entreprend la vente des collections du peintre, espérant ramener
-l’aisance. Cette vente ne produit guère que 5.000 florins. Rembrandt
-ne peut plus être sauvé; il ne peut plus payer sa maison de la Joden
-Breestraat, achetée à tempérament; les emprunts s’accumulent, aggravant
-sa détresse et bientôt il est déclaré en banqueroute. Heindrickje
-succombe à la peine, à l’âge de trente-six ans. Elle avait donné à
-Rembrandt deux enfants qui moururent jeunes.
-
-Rembrandt aimait profondément Heindrickje Stoffels; sa mort ouvrit une
-plaie nouvelle dans ce cœur qui saignait déjà par tant de blessures.
-Cette fidélité de la servante a reçu sa récompense; son nom survit, à
-l’ombre de celui du maître, et celui-ci a immortalisé son beau visage
-en de nombreuses toiles. On connaît plusieurs portraits de Heindrickje
-Stoffels; le musée de Berlin en possède un, mais celui du Louvre est le
-plus beau.
-
-Écoutons Théophile Gautier nous parler de cette peinture: «C’est une
-jeune fille de vingt-cinq ans à peu près, avec des traits réguliers
-un peu forts, des yeux bruns, des lèvres épaisses et vermeilles, des
-cheveux abondants et crêpelés d’un marron tirant sur le roux, une
-physionomie tranquille, avenante et douce. Une casaque bordée de
-fourrures lui couvre les épaules et laisse voir son col gras et souple,
-sa poitrine rebondie que couvre à demi une chemisette plissée. On ne
-saurait imaginer l’incroyable puissance de vie que Rembrandt a su
-prêter à cette figure baignée dans l’or fluide d’un coloris magique.
-Les ombres des joues, le clair-obscur du sol, le ton blond du linge,
-le bitume chaleureux et transparent de la fourrure et des cheveux dont
-le brun semble pénétré de soleil, la lumière du front et du nez, le
-travail étonnant de la brosse qui, avec son martelage, rend le grain
-de la peau et la solidité de la chair, font de ce portrait un des
-chefs-d’œuvre de l’art, une peinture sans rivale. Titien lui-même n’a
-pas cette force profonde de couleur et cette intensité de lumière. Son
-ambre pâlit un peu à côté de cet or.»
-
-Rembrandt a laissé aussi de nombreux portraits de sa première femme
-Saskia, qui était la parente d’Hendrick van Uylemborch, le marchand de
-tableaux d’Amsterdam. Jeune fille, elle avait posé souvent devant lui;
-elle lui servit plusieurs fois de modèle durant son mariage. Dans la
-toile qui est actuellement à Dresde, elle est représentée assise sur
-les genoux de son mari qui tient un verre en main: cette composition
-fut sévèrement jugée, on l’assimila méchamment à une scène de débauche.
-Le Musée Brera, à Milan, possède un beau portrait de Saskia, qui est
-d’une ravissante tonalité blonde. Sur les dernières effigies de la
-jeune femme figure le fameux collier de perles acheté pour elle par
-Rembrandt, et dont le prix fabuleux, ajouté à d’autres prodigalités,
-avait commencé la ruine du grand artiste. Saskia mourut à trente ans,
-après huit années d’une union heureuse. Des trois enfants qu’elle avait
-donnés à Rembrandt, un seul vécut, Titus, qui devait plus tard unir ses
-efforts à ceux de Heindrickje Stoffels pour essayer d’arrêter son père
-sur le chemin de la banqueroute.
-
-Mais une dernière douleur était réservée à Rembrandt; ce fils qu’il
-aimait tant mourut à son tour, le laissant seul au monde. Il ne tarda
-pas à le suivre dans la tombe, le destin ayant épuisé contre lui toutes
-ses cruautés. L’enterrement du génial et fastueux Rembrandt coûta 13
-florins, comme celui d’un matelot du port.
-
-Le magnifique portrait d’Heindrickje Stoffels, qui se trouvait
-autrefois dans le Salon carré, figure aujourd’hui à l’extrémité de la
-Grande galerie, dans la partie affectée à l’École hollandaise et dont
-les œuvres de Rembrandt, abondamment représentées au Louvre, occupent
-tout un panneau.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.72.--Largeur: 0.60.--_Buste grandeur nature._
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-
-VELAZQUEZ
-
-L’INFANTE MARGUERITE
-
-SALON CARRÉ
-
-
-[Illustration]
-
-
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-_Portrait de l’Infante Marguerite_
-
-
-On raconte que Philippe III, roi d’Espagne, voyant des fenêtres de son
-palais un homme qui riait, dit gravement: «Ou cet homme est fou, ou il
-lit _Don Quichotte_.» On s’informa, l’homme lisait _Don Quichotte_.
-
-C’est de cette Cour austère, encore assombrie sous le règne suivant,
-que le génial Velazquez fut le peintre officiel. Il n’y jouit guère,
-à l’origine, que de l’amitié personnelle de Philippe IV, dont il a si
-souvent reproduit les traits. Le reste de la Cour l’estimait peu, le
-plaçait à peine au-dessus des bouffons et des fous chargés de dérider
-les tristes hôtes des palais royaux. N’était considéré comme artiste,
-à cette époque, que le peintre dont le talent était exclusivement
-consacré à l’Église. Velazquez reçoit huit livres pour trois portraits
-dont l’un est perdu et dont les deux autres, Philippe IV et le comte
-d’Olivarès, sont en Espagne. Un peu plus tard, on le gratifie d’un
-présent de trois cents ducats et d’une pension de même valeur, avec
-un logement. En 1644, le roi le nomme Inspecteur des Bâtiments, puis
-Maréchal du Palais, avec de forts appointements et un logis dans la
-maison du Trésor.
-
-Avec quelle joie le grand artiste devait-il saisir l’occasion de
-peindre les jeunes infants et infantes de la Cour! Ces figures
-fraîches, ces mines avenantes étaient le seul rayon dans ces palais
-d’où la joie et le rire étaient bannis. Toute la lumière de sa couleur,
-tous les chatoiements de sa palette se dépensent avec amour dans les
-nombreux portraits de l’infant don Balthazar Carlos, dans ceux des
-infants Philippe Prosper et don Fernand d’Autriche et surtout dans le
-célèbre tableau de _Las Meninas_ qui est un morceau de vie transposé
-avec un bonheur inexprimable et une plénitude de moyens et d’effets qui
-n’ont jamais été surpassés.
-
-Parmi ces œuvres gracieuses il en est une que le Louvre a l’heureuse
-fortune de posséder; c’est le portrait de la mignonne infante
-Marie-Marguerite, qui devait devenir plus tard la femme de l’Empereur
-d’Allemagne Léopold Ier.
-
-Devant cette peinture, l’admiration est unanime. «Voyez, s’écrie
-Raffaelli, le portrait de l’infante Marguerite, dans son harmonieuse et
-forte couleur, vraie perle de coloriste, où les tons passent les uns
-dans les autres sans jamais dire comment ni où, comme ils le font dans
-la nacre. Les gris-argent, le noir, le rose et le blond des petites
-filles forment toute l’harmonie du tableau de la reine-enfant.»
-
-Léon Bonnat n’est pas moins enthousiaste: «Ah! l’adorable infante,
-la pâle infante aux yeux bleus! Elle est debout dans son costume
-d’apparat, les bras écartés, étalés sur ses énormes paniers et elle
-tient à la main une rose pâle comme sa frêle personne. Est-elle assez
-malheureuse, la royale princesse, dans sa splendeur et ses atours,
-d’être ainsi astreinte à l’étiquette rigoureuse de la Cour! Ne la
-plaignons pas trop toutefois. Elle passe à la postérité grâce au génie
-du grand maître. Peut-on, en effet, voir un portrait plus ravissant
-que le sien? Ces tons gris, rosés, argentins, ces cheveux d’un blond
-cendré, ces nœuds, ces rubans, le tout se détachant sur des tentures
-rouges, carmin, violacées, que sais-je? Peut-on voir un plus heureux
-assemblage de tons délicats et n’est-ce pas vraiment d’une tendresse
-exquise?»
-
-Avant eux Théophile Gautier avait déjà célébré ce tableau: «Quelle
-délicieuse créature que cette petite infante Marguerite, avec son nœud
-rose dans ses cheveux blonds, et sa robe de taffetas gris de perle
-galonnée de dentelles noires! A travers la naïveté de l’enfance, on
-sent dans cette mignonne figure la dignité consciente de sa position.
-C’est une petite fille, mais une fille de roi, qui sera reine un jour.»
-
-Dans ce tableau comme dans tous ceux de Velazquez, le gris joue un rôle
-considérable. De bonne heure l’artiste avait été amené à constater que
-le gris était la base harmonique par excellence dans la nature, le lien
-subtil et souple qui permettait aux colorations les plus délicates
-de chanter et de vibrer dans les ondes de l’air, que cette nature,
-qu’on n’interroge jamais en vain, avait elle-même horreur du noir,
-qu’elle savait à merveille user du gris pour tempérer les oppositions
-de la lumière et amortir l’éclat trop entier ou trop vif des couleurs.
-Velazquez en vint donc à user largement du gris pour en faire l’étoffe
-de ses préparations et la caresse définitive de ses glacis; il a
-proclamé dans ses plus admirables chefs-d’œuvre la vertu souveraine
-du gris, ce gris divin de van der Meer et de Corot. Si quelque
-maître avait soupçonné cette vérité avant lui, témoin le _Balthazar
-Castiglione_ de Raphaël, personne n’en avait formulé avec cette largeur
-d’initiative les principes féconds.
-
-Le portrait de l’_Infante Marguerite_ fut peint par Velazquez en
-1659, la même année que le portrait en pied envoyé par Philippe IV à
-l’empereur d’Allemagne. Théophile Gautier, parcourant le Louvre en
-1830, regrettait que l’on n’eût pas ménagé une place dans le «radieux
-cénacle» du Salon carré, à la délicieuse petite infante. Son vœu
-est aujourd’hui réalisé: l’œuvre charmante de Velazquez y figure
-maintenant, entre Véronèse et Raphaël, et sollicite l’admiration des
-visiteurs, par la grâce puérile du modèle et la prestigieuse beauté de
-l’exécution.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.70.--Largeur: 0.59.--_Figure à mi-corps, grandeur naturelle._
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-
-SIMONE MEMMI
-
-JÉSUS-CHRIST MARCHANT AU CALVAIRE
-
-SALLE DES PRIMITIFS
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-
-[Illustration]
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-
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-
-_Jésus-Christ marchant au Calvaire_
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-
-En Avignon, vers l’an 1330. Sur l’écran bleu d’un ciel d’été se profile
-en vigueur, à travers un réseau d’échafaudages, une masse énorme de
-murailles et de tours. C’est le Palais des Papes qui s’élève, sous
-l’active impulsion de Jean XXII. Non loin de là, sur la terrasse d’une
-riche demeure, trois personnes sont assemblées, deux hommes et une
-femme. Le plus jeune des deux hommes semble rêver devant le grandiose
-spectacle en écoutant le grondement du Rhône au pied du mur. Tout près
-de lui se tient, dans une pose étudiée, une jeune fille admirablement
-belle, au visage sérieux et pensif, dont le regard s’arrête fréquemment
-sur le troisième personnage. Celui-ci, d’âge mur, est assis devant un
-chevalet et son pinceau fixe sur la toile les traits de son modèle,
-Laure de Noves, immortalisée par l’amour de Pétrarque, le poète rêveur
-qui se tient immobile à ses côtés. Le peintre, c’est Simone de Martini,
-plus connu dans l’histoire de l’art sous le nom de Memmi.
-
-Le portrait de Laure n’est pas parvenu jusqu’à nous et c’est dommage si
-l’on en juge d’après les sonnets célèbres où Pétrarque glorifie cette
-peinture: «Certes, écrit-il, mon cher Simone a été dans le Paradis,
-d’où cette noble dame est venue; c’est là qu’il l’a vue et qu’il l’a
-peinte sur le papier pour faire connaître ici-bas son beau visage.»
-
-Vasari prétend que les sonnets de Pétrarque ont plus fait pour la
-renommée de Memmi que ses œuvres propres; il lui reconnaît cependant
-une valeur considérable. Cette valeur est d’ailleurs attestée par la
-faveur dont il jouit de son vivant et par les peintures, trop rares,
-que nous connaissons de lui.
-
-Memmi était né à Sienne, vers 1284. Il fut, croit-on, l’élève de
-Giotto. En tout cas, s’il ne travailla pas dans l’atelier du grand
-peintre florentin, il collabora avec lui à plusieurs ouvrages de grande
-importance, notamment à la décoration de l’église Saint-Pierre à Rome.
-
-Ces travaux lui avaient valu une grande réputation dont le bruit
-parvint jusqu’à Jean XXII, qui désira s’attacher Memmi. Celui-ci lui
-fut amené par le cardinal Annibal da Ceccano qui se rendait de Rome en
-France. Le pape accueillit le peintre avec honneur et lui confia la
-décoration de ses appartements privés, des salles du Conclave et de la
-chapelle pontificale. Il n’en reste malheureusement rien, cette partie
-du palais s’étant écroulée, un siècle plus tard, durant le siège qu’y
-soutint Pierre de Luna, l’antipape Benoît XIII.
-
-Les œuvres de Simone Memmi sont donc très rares. Il existe toutefois
-des fresques de lui au palais des Papes, mais elles sont ensevelies
-sous le badigeon criminel des chambrées militaires, installées là. On
-trouve quelques-uns de ses tableaux dans les musées de Florence, de
-Naples, de Munich, de Berlin. Ils suffisent, malgré leur petit nombre,
-à assurer la gloire du grand peintre de Sienne. N’oublions pas qu’il
-s’agit d’un artiste du XIVe siècle à son début, c’est-à-dire d’une
-époque où l’art ne s’était pas encore dégagé de la tradition byzantine,
-hiératique et froide. On peut dire de cet art qu’il constitue la
-période glaciaire de la peinture. Avec un beau courage, bien secondé
-d’ailleurs par Giotto, Memmi s’efforça de secouer ce joug, d’assouplir
-cette rigidité, d’animer les visages par la tendresse de l’expression,
-en un mot d’introduire la vie dans des corps jusque-là sans âme et sans
-mouvement. Les œuvres de Memmi se distinguent par une grâce un peu
-maniérée et par un goût très marqué pour la finesse de la décoration
-et la préciosité ornementale; elles sont de véritables ouvrages
-d’orfèvrerie.
-
-Cette manière toute personnelle se retrouve dans _le Christ marchant
-au Calvaire_ que nous donnons ici et dont les proportions réelles ne
-sont pas sensiblement supérieures à celles de notre reproduction.
-
-Le Christ, vêtu d’une robe rouge, porte sa croix et s’avance vers la
-droite, entraîné par les bourreaux. Son corps est légèrement incliné,
-et sa tête se retourne à demi vers un soldat qui, derrière lui,
-écarte la Vierge et les saintes Femmes. Au fond, la Madeleine, vêtue
-d’une robe rouge, se dresse en gémissant, les cheveux épars. Elle est
-suivie d’une foule qui traverse un pont. A l’horizon, se profilent les
-remparts d’une ville.
-
-Memmi séjourna à Avignon durant de longues années. C’est là qu’il
-connut Pétrarque dont la famille, inféodée aux Gibelins, avait dû
-s’exiler de Florence. Une véritable amitié se noua, nous l’avons vu,
-entre le peintre et le poète. Memmi fut en grande faveur à la cour
-pontificale, d’abord auprès de Jean XXII, puis auprès de Benoît XII et
-surtout de Clément VI, le plus magnifique et le plus artiste des Papes
-d’Avignon, Memmi ne put collaborer aux grands travaux que le pontife
-rêvait d’entreprendre, car il mourut en 1344, deux ans à peine après
-l’avènement de Clément VI.
-
-_Le Christ marchant au Calvaire_ est une toile collée sur panneau et
-plâtrée. Il est impossible de suivre sa destinée durant le cours des
-siècles. Nous la trouvons en 1834 dans la collection de M. Saint-Denis.
-Elle fut acquise pour le compte de Louis-Philippe, au prix de 200
-francs. Cet admirable petit tableau figure aujourd’hui dans la Salle
-des Primitifs, avec les peintures de l’École de Sienne.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.25.--Largeur: 0.10.
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-
-INGRES
-
-LA SOURCE
-
-SALLE DUCHATEL
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-[Illustration]
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-
-_La Source_
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-
-Ingres, grand amateur de formules lapidaires, émit un jour cet axiome:
-«Le dessin est la probité de l’art.» Inébranlable dans son culte de la
-forme, puisé d’abord dans l’atelier de David mais surtout à l’école de
-Raphaël, Ingres ne sacrifia jamais le dessin à la couleur. De celle-ci
-il ne s’inquiétait pas. Elle venait toujours, sûre, sobre et modeste.
-Elle suivait le dessin en esclave docile qui doit escorter son maître
-et marcher du même pas, mais à distance. «La couleur, disait-il, ajoute
-des ornements à la peinture, mais elle n’en est que la dame d’atours.»
-
-Dans aucune de ses œuvres peut-être, autant que dans _la Source_,
-l’admirable artiste n’a poussé aussi loin la science du dessin et la
-perfection de la forme. Avant d’arriver à l’exécution définitive, que
-de croquis, que de recherches, que d’études! Les mains, les jambes,
-la tête, les pieds, la position de l’amphore furent l’objet de longs
-essais, de remaniements sans nombre dont la trace se retrouve dans les
-cartons du peintre et qui attestent une défiance de soi que connurent
-seuls les maîtres supérieurs. A l’époque où il préparait _la Source_,
-raconte Théodore de Banville, Ingres, avec un carton sous le bras comme
-un écolier, s’abandonnait à une colère furibonde à la porte d’un musée
-qu’il trouvait fermé. Un de ses anciens élèves l’aborde et, cherchant
-à le calmer:--Oui, monsieur Ingres, le musée est fermé, mais qu’y
-allez-vous donc faire?--Apprendre à dessiner, répondit le grand homme,
-avec sa naïveté de conquérant têtu; car, en effet, il n’avait pas
-d’autre idée que celle-là et elle lui suffisait. Or, à ce moment-là,
-Ingres était un vieillard couvert de gloire; il avait produit ses plus
-beaux chefs-d’œuvre, et pour peindre _la Source_, il voulait encore
-apprendre à dessiner! Quelle belle et profitable leçon pour les _fa
-presto_ vaniteux dont notre peinture contemporaine offre de si nombreux
-exemples! Qu’ils étudient, pour leur confusion, cet adorable corps de
-jeune fille, si frais, si chaste, si parfait, dont Charles Blanc a dit
-qu’elle était la plus belle peinture de l’école française.
-
-Cette jeune fille aux cheveux blonds épars sur les épaules se tient de
-face, nue, appuyée contre un rocher que couronnent de légères ramures;
-de son bras droit arrondi elle soutient sur son épaule gauche un vase
-d’argile dont l’ouverture, inclinée vers le sol et maintenue par sa
-main gauche, laisse s’échapper l’eau qui tombe dans le bassin en
-filtrant à travers ses doigts. Les jambes de l’enfant, une merveille de
-finesse et de gracilité, se reflètent dans le cristal de la source.
-
-Ingres aima toujours peindre les femmes; _l’Odalisque_, _la Baigneuse_,
-_le Bain turc_, _l’Age d’or_ sont d’un artiste qui n’était pas
-insensible aux fascinations de la chair. «Il fut, écrit M. Henry
-Lapauze, un adorateur de la beauté féminine. Il la décrivit en des
-traits inimitables, d’un pinceau fervent, mais ses confessions restent
-toujours chastes, ses transports toujours contenus; il ne tombe jamais
-dans des matérialisations trop sensuelles.»
-
-De cette affirmation _la Source_ nous fournit une éclatante preuve. Ce
-corps charmant et délicat, dépourvu de tout voile, n’éveille cependant
-en nous aucun autre sentiment qu’une profonde admiration pour son
-idéale beauté; les sens demeurent en repos devant cette nudité si
-adorablement pudique.
-
-La vue de ce tableau permet encore une autre constatation; elle
-démontre à l’évidence l’injustice des détracteurs d’Ingres qui lui
-contestent ses qualités de coloriste. Est-il possible de peindre des
-chairs de femme avec plus de chaleur et de vérité? Au surplus, Ingres
-avait, sur le coloris, des opinions arrêtées que les plus violentes
-attaques ne purent jamais ébranler. Il était, aussi bien que tout
-autre, mieux même que bien d’autres, maître de son pinceau comme de
-son crayon. «Mais composer une toile pour un effet, choisir un motif
-aigu ou puissant et le faire dominer dans une symphonie de tons, lui
-semblait un procédé indigne de l’art. Utiliser la couleur comme une
-matière plastique, peindre ce que l’on appelle «en pleine pâte»,
-avec des rehauts, des surcharges, des glacis, des touches visibles
-et grumeleuses, lui apparaissait blasphématoire. Animer la peinture
-d’une chaleur sensuelle, prodiguer la splendeur criarde des étoffes
-éclatantes, la lourde somptuosité des brocarts, des damas, des velours,
-des orfèvreries, étaler des chairs nues et grasses, avec des reliefs
-trop voluptueux, des roseurs sanguines trop ardentes, des plis et des
-taches trop véridiques, excitaient son indignation et sa répugnance.»
-(Henry Lapauze.) Il n’en était pas moins un traducteur fidèle et
-passionné de la nature, on pourrait presque dire un réaliste. Nous
-aurons certainement l’occasion de l’examiner sous cet aspect dans
-certains de ses magnifiques portraits du Louvre, dont la place est
-naturellement indiquée dans cette galerie d’œuvres célèbres.
-
-On pourrait dire d’Ingres que, si d’autres peintres furent de plus
-brillants coloristes, aucun ne le surpassa pour l’impeccable correction
-du dessin. Cet amour passionné de la forme, il le tenait des grands
-artistes de la Renaissance et surtout de Raphaël. Quand on se réclame
-de tels maîtres, on peut attendre avec assurance le jugement de la
-postérité.
-
-_La Source_ fut léguée au Louvre par Mme la comtesse Duchatel.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.65.--Largeur: 0.80.--_Figure grandeur nature._
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-
-GÉRARD DOW
-
-LA FEMME HYDROPIQUE
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
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-
-_La Femme hydropique_
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-
-Intérieur de riches bourgeois hollandais. Dans un fauteuil est assise
-une femme dont le visage exprime la souffrance. Agenouillée près d’elle
-et lui tenant la main, sa fille la regarde en pleurant. Derrière le
-siège une servante est penchée sur la malade et lui tend une cuiller
-contenant un remède. Au premier plan, debout, un médecin présente à
-la lumière de la fenêtre un flacon dont il examine attentivement le
-contenu.
-
-Mercier, dans son _Journal de Paris_, analyse ainsi cette scène:
-«C’est un drame dont le sujet, quoiqu’il ne soit qu’un événement de la
-vie privée, captive tous les suffrages. Vrai, simple, pittoresque et
-touchant, il produit un tout du plus bel accord par la concordance des
-parties et la grâce des positions.»
-
-D’après Théophile Gautier «il y a, dans _la Femme hydropique_, le
-chef-d’œuvre de Gérard Dow, du sentiment et une expression douloureuse
-et sympathique bien rendue, quoique l’artiste n’ait pas l’habitude de
-chercher le drame dans sa peinture, si calme, si polie, si soignée».
-
-La patience, la propreté hollandaises poussées aux dernières limites,
-voilà la caractéristique du talent de Gérard Dow.
-
-Abandonnons pour un instant la Femme hydropique aux soins de son
-entourage et examinons la chambre où se déroule ce drame domestique.
-Tout y est d’une netteté admirable, les moindres détails y sont notés
-avec une minutieuse précision. Devant la fenêtre dont toutes les vitres
-sont exactement encadrées dans leur alvéole de plomb, un rideau est
-tiré à demi dont on pourrait compter les plis et les anneaux. Le livre,
-posé sur le trépied, laisse voir les feuillets à demi soulevés et
-sur la tranche rouge on lit la signature de l’artiste et la date du
-tableau: G. DOV. OVT 65 JAER. Sur les plis de la lourde tenture relevée
-à droite, les plus fines arabesques du dessin se trouvent reproduites
-avec une prodigieuse exactitude. Et le lustre, cette petite merveille
-de clair-obscur, dont on aperçoit les branches, les anneaux, les
-bobêches, de quelle recherche du fini ne témoigne-t-il pas!
-
-Recherche d’autant plus extraordinaire chez Gérard Dow qu’il avait
-été durant plusieurs années l’élève de Rembrandt, le peintre des
-oppositions vigoureuses, des reliefs puissants et qui ne s’attardait
-pas au travail de marqueterie des accessoires.
-
-Mais on ne travaille pas avec un tel maître sans en retirer quelque
-fruit.
-
-A son école, il apprit le secret du clair-obscur dont nous voyons, dans
-_la Femme hydropique_ précisément, qu’il savait fort bien user. Mais
-il tourna vers le précieux et le fini. Chacune de ses œuvres était
-soignée, fouillée, ciselée comme une pièce d’orfèvrerie. Rien ne lui
-semblait négligeable dans un tableau: le moindre accessoire avait à
-ses yeux autant d’importance que le sujet principal. Ces accessoires,
-il les multipliait même volontiers pour pouvoir satisfaire son goût
-de la minutie et du détail, témoin cette pendulette, dans le tableau
-qui nous occupe, dont on aperçoit les plus minces particularités et
-jusqu’au contrepoids pendant au bout de la double chaînette. Si l’on en
-croit Sandrard, il mettait parfois cinq jours pour peindre une main,
-mais, quand elle était finie, on en pouvait dénombrer les rides et les
-plis. Il peignait à la loupe, comme Breughel de Velours; c’est aussi à
-la loupe qu’il faut examiner ses tableaux: alors apparaît nettement le
-prodigieux labeur que représente chaque pouce carré de sa peinture.
-
-Sa minutie était proverbiale; on citait son atelier comme une
-merveille d’ordonnance et de netteté. Chaque jour, il le faisait
-nettoyer de fond en comble, afin qu’aucune parcelle de poussière ne
-vînt se poser sur les toiles en cours d’exécution. Il confectionnait
-lui-même ses pinceaux et broyait ses couleurs avec le plus grand soin.
-C’est à cela sans doute que ses tableaux doivent d’avoir traversé les
-siècles sans rien perdre de la fraîcheur de leur coloris.
-
-Loin de lui nuire, son goût pour la peinture orfévrie contribua à sa
-fortune. Ce genre plaisait à la Hollande méticuleuse, soignée, qui
-voyait dans ces intérieurs rangés et brillants comme une glorification
-de ses vertus domestiques. Gérard Dow exécutait de petits portraits qui
-étaient très recherchés et qu’il vendait fort cher. La Compagnie des
-Indes lui paya 4.000 florins pour un tableau qu’elle voulait offrir à
-Charles II, roi d’Angleterre.
-
-L’Électeur palatin, paya 30.000 florins _la Femme hydropique_ et en
-fit don au prince Eugène de Savoie. Le tableau demeura dans la famille
-de Savoie, à Turin, jusqu’en 1800. A cette époque, le roi de Sardaigne
-Charles-Emmanuel IV, dont les États étaient occupés par les armées
-républicaines, offrit ce tableau au lieutenant-général Clausel, depuis
-maréchal de France, qui s’empressa d’en faire hommage à la nation. On
-le plaça au Louvre où il figure aujourd’hui dans la partie de la Grande
-galerie réservée aux peintres hollandais.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.83.--Largeur: 0.67.--_Figures: 0.32._
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-
-QUENTIN LA TOUR
-
-MADAME DE POMPADOUR
-
-SALLE QUENTIN LA TOUR
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-
-[Illustration]
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-
-
-
-_Madame de Pompadour_
-
-
-Si Quentin La Tour fut un admirable pastelliste et un grand magicien de
-la couleur, la nature l’avait moins heureusement doté sous le rapport
-du caractère. Il était habituellement quinteux et fantasque. Très
-avancé dans les doctrines des Encyclopédistes, il affectait avec les
-grands une désinvolture frisant l’impertinence. On le voit reprocher au
-Dauphin que ses enfants sont fort mal élevés et qu’il se laisse duper
-par des fripons. Le roi lui-même doit subir ses boutades: pendant une
-séance de pose, il fatigue Louis XV par un éloge outré des étrangers:
-
---Mais je vous croyais Français, lui dit le roi surpris.--Non, sire,
-répond hargneusement La Tour, je suis Picard, de Saint-Quentin.
-
-L’exécution du portrait de Mme de Pompadour, notamment, est marquée
-de péripéties et d’incidents sans nombre. Quentin La Tour n’aime pas
-la favorite. De premières ouvertures lui sont faites en 1750, il les
-repousse; prié de se rendre à Versailles auprès de la marquise, il se
-contente de répondre à l’envoyé:
-
---Dites à Madame que je ne vais pas peindre en ville.
-
-Mme de Pompadour, dépitée, en écrit à son frère, le marquis de Marigny,
-qui est lié avec l’artiste. Son intervention amène un rapprochement et
-La Tour jette sur le papier deux préparations de son tableau. Puis il
-reste deux ans sans y travailler; tous les prétextes lui sont valables
-pour se dérober. A Marigny qui le presse il écrit qu’il se sent en
-proie «à un abattement, à un anéantissement qui lui font craindre la
-fièvre», et il veut essayer «si l’air lui fera du bien». Marigny se
-fâche alors, mais sans plus de résultat. Mme de Pompadour, qui tient à
-son portrait, essaye de la douceur: «Je suis, lui mande-t-elle, à peu
-près dans le même embonpoint où vous m’avez vue à la Muette et je crois
-qu’il serait à propos de profiter du moment pour finir ce que vous avez
-si bien commencé. Si vous pouvez venir demain, je serai libre et avec
-si peu de monde que vous voudrez. Vous connaissez, Monsieur, le cas que
-je fais de vous et de vos admirables talents.»
-
-Vaincu par tant d’insistance, La Tour cède enfin et se rend à
-Versailles, sur la promesse qu’aucun fâcheux ne viendra interrompre
-le travail. Mais, en bon philosophe, il est bien résolu à «donner une
-leçon à ces gens-là». Dès que la marquise est installée, il se met à
-son aise, enlève les boucles de ses escarpins, son col, sa perruque,
-ses jarretières et se coiffe d’un bonnet de taffetas. Survient le roi:
-
---Vous aviez promis, madame que votre porte serait fermée.
-
---Je ne vous dérangerai pas, fait le roi souriant; je vais rester là
-bien tranquille. Continuez.
-
---Il ne m’est pas possible d’obéir à Votre Majesté; je reviendrai
-lorsque madame sera seule: je n’aime point à être interrompu.
-
-Et il s’en fut.
-
-Enfin, après trois ans d’efforts et de mécomptes, le portrait fut
-achevé et figura au Salon de 1855. Malgré l’évidente mauvaise volonté
-mise par La Tour à peindre la favorite royale, les témoignages du temps
-s’accordent à reconnaître qu’il mit de la galanterie à l’embellir.
-Combien différente et plus véridique est la «préparation» du tableau,
-qui se trouve aujourd’hui au musée de Saint-Quentin!
-
-Mais, en dépit de son exécution volontairement flatteuse, ce portrait
-n’en est pas moins une œuvre de premier ordre, l’une des meilleures
-de La Tour. Sainte-Beuve lui a consacré une de ses pages les plus
-brillantes:
-
-«C’est la personne même, écrit-il, qui est de tout point merveilleuse
-de finesse, de dignité suave et d’exquise beauté. Tenant en main le
-cahier de musique avec légèreté et négligence, elle est tout à coup
-distraite. Elle semble avoir entendu du bruit et retourne la tête.
-Est-ce bien le roi qui vient et qui va entrer? Elle a l’air d’attendre
-avec certitude et d’écouter avec sourire. Sa tête ainsi détournée
-laisse voir le profil du cou dans toute sa grâce et ses petits cheveux
-très courts, délicieusement ondés, dont les boucles s’étagent et dont
-le blond se devine encore sous la demi-poudre qui les couvre à peine.
-La tête nage dans un fond bleuâtre qui, en général, est celui de tout
-le tableau. L’œil est partout satisfait et caressé; c’est de la mélodie
-plus encore que de l’harmonie... Il n’est rien dans ce boudoir enchanté
-qui ne semble faire sa cour à la déesse. Elle-même a les chairs et
-le teint d’un blanc lilas, légèrement azuré. Ce sein, ces rubans,
-cette robe, tout cet ensemble se marie harmonieusement. Tout dans
-la physionomie, dans l’attitude, exprime la grâce, le goût suprême,
-l’affabilité et l’aménité plutôt que la douceur, un air de reine qu’il
-a fallu prendre, mais qui se trouve naturel et se soutiendra sans trop
-d’efforts.»
-
-Mme de Pompadour se déclara satisfaite du pastel, mais quand vint
-l’heure du règlement, les difficultés recommencèrent. La Tour ne
-demandait rien moins que quarante-huit mille livres! Après bien des
-pourparlers et des tiraillements, il dut se contenter de la moitié de
-cette somme, mais il ressentit de cette déconvenue une colère qui fut
-très longue à s’apaiser.
-
-Le portrait de Mme de Pompadour passa, on ne sait comment, entre les
-mains du comte de Lespinasse d’Arlet, puis fut acquis, en 1797, par le
-Muséum des Arts. Il resta dans la poussière des réserves nationales
-jusqu’en 1838, date à laquelle il fut transféré au Louvre, où il figure
-aujourd’hui dans la salle des Pastels.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.70.--Largeur: 1.20.--_Figure grandeur naturelle._
-
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-
-CONSTANTIN NETZCHER
-
-UNE JEUNE PRINCESSE
-
-SALLE HOLLANDAISE--COLLECTION LA CAZE
-
-
-[Illustration]
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-
-_Une Jeune Princesse_
-
-
-Sur la terrasse d’un parc majestueux, dans le goût de celui de
-Versailles, avec fontaines, balustrades, escaliers de marbre, divinités
-marines, une jeune princesse toute gracieuse est représentée. Une
-abondante chevelure blonde encadre son joli visage. Joufflue, potelée,
-de proportions déjà bien dessinées, la fillette conserve dans
-l’attitude éveillée et mutine cette native distinction qui trahit
-la race. Quelle fut cette princesse et quel nom laissa-t-elle dans
-l’histoire? Nous l’ignorons et cela n’enlève rien au charme de cette
-mignonne enfant. En un geste plein de naturel, sa main gauche tient
-une tige fleurie qu’elle se dispose à fixer dans un vase placé devant
-elle. La main droite retrousse légèrement la robe pourpre en forme de
-tablier pour maintenir la cueillette de fleurs dont certaines se sont
-déjà échappées et gisent à terre. Le mouvement qui soulève la robe
-laisse apercevoir d’élégants dessous en dentelle et la naissance d’une
-jambe agréablement tournée. Devant elle, sur la console de marbre qui
-supporte le vase, un perroquet au plumage multicolore est posé, tandis
-qu’à ses pieds un petit chien blanc et noir paraît jouer.
-
-Autant les personnages sont gracieux, autant le décor est grandiose.
-Dans le jardin, de grands arbres d’un vert sombre forment l’écran sur
-lequel se profile en vigueur le blond visage de la princesse. Des
-groupes de femmes en riche toilette traversent, au loin, les allées du
-parc.
-
-L’ensemble est très harmonieux dans son arrangement un peu apprêté, et
-la composition très habilement disposée pour laisser tout l’intérêt au
-portrait de l’enfant, objet unique de l’œuvre.
-
-Ce qu’il convient de remarquer dans ce tableau, peint par un
-Hollandais, c’est l’absence complète des caractères essentiels de la
-peinture hollandaise. A sa manière on devine qu’une révolution s’est
-accomplie, qu’une influence étrangère a pénétré l’art de Ter Borch
-et de Nicolas Maës. C’en est fait des scènes intimes, des réunions
-de cabaret, des joyeuses tablées de buveurs et de fumeurs. L’art n’a
-certes pas grandi--mais il s’est haussé de ton, il s’est orienté vers
-le pseudo-classicisme de l’art français, régenté par Le Brun. La France
-est alors à son apogée; la gloire du Roi-Soleil a conquis l’Europe et
-derrière ses armées victorieuses, c’est la langue française, la poésie
-française, la peinture française, le goût français qui franchissent les
-frontières et captivent les peuples. Un peu partout, à l’image de la
-France, on cherche à faire grand et si l’on ne parvient pas à égaler la
-majesté que Louis XIV imprime à tout, on s’efforce d’y atteindre; si
-la peinture hollandaise est mal préparée à imiter les solennelles et
-vastes compositions de Le Brun, du moins elle s’évertue à se grandir
-aussi.
-
-Les deux Netzcher, Gaspard et Constantin, le père et le fils,
-firent les premiers pas dans cette voie nouvelle. Gaspard Netzcher,
-d’ailleurs, bien qu’ayant travaillé dans l’atelier de Ter Borch à
-Deventer, ne se cachait pas d’affinités françaises. Tout jeune, il
-était venu en France et avait séjourné à Bordeaux, où il s’était marié.
-Dans son voyage de retour aux Pays-Bas, il s’était arrêté à Paris et
-les splendeurs entrevues l’avaient ébloui et conquis. L’art hollandais,
-si pittoresque dans son intime et rustique simplicité, lui parut dès
-lors inférieur ou tout au moins sans noblesse. Il résolut de ne pas
-le continuer et d’adopter un genre moins familier. Phénomène étrange,
-son pays ne lui tint pas rigueur de cet abandon de la tradition. Au
-contraire, Gaspard Netzcher jouit d’une vogue générale et acquit
-une fortune considérable. Les plus riches personnages d’Amsterdam
-et de La Haye se disputèrent la faveur de poser devant lui; il fit
-même plusieurs fois le portrait de Guillaume III. Peintre souple et
-brillant, il revêtait ses personnages d’une élégance un peu mignarde,
-plus agréable que vraie, mais qui devait séduire et flatter les
-bourgeois un peu lourds de Hollande.
-
-Bien qu’ayant rompu avec la tradition, Gaspard Netzcher traita parfois
-le tableau de genre et s’y montra supérieur. Ses scènes intimes n’ont
-pas le pittoresque de celles de Ter Borch, mais elles témoignent
-d’une habileté consommée et d’une science parfaite de la composition.
-On pourrait citer comme des modèles _La leçon de Basse viole_ et la
-_Leçon de Chant_ qui sont au Louvre, et sa _Dame donnant à manger à un
-perroquet_.
-
-Aussi habile que son père, Constantin Netzcher accentua davantage
-encore sa manière et, sans posséder ses brillantes qualités, il n’en
-donna pas moins bon nombre de portraits bien venus, méthodiquement
-ordonnés, placés dans un cadre un peu théâtral mais agréable. Il eut,
-pour le servir, une palette heureuse, chargée d’un coloris toujours
-frais, pimpant, et il savait mettre ses modèles dans la pose qui les
-faisait valoir le mieux. A ces dons de virtuose il ne joignait pas à un
-égal degré la vision exacte ni l’expression réelle de la vie. Il n’est
-pas moins un des plus charmants de ces «petits maîtres» hollandais qui
-nous ont laissé de si délicieux chefs-d’œuvre.
-
-La _Jeune Princesse_ est entrée au Louvre avec tous les tableaux de la
-Collection La Caze, dont elle faisait partie.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.90.--Largeur: 0.52.--_Figure grandeur nature._
-
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-
-JAN STEEN
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-LA MAUVAISE COMPAGNIE
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-SALLE JAN STEEN
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-[Illustration]
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-_La Mauvaise Compagnie_
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-Voici une de ces scènes dans lesquelles la peinture hollandaise s’est
-toujours exercée avec bonheur. On y retrouve réunies toutes les
-qualités de cet art, si charmant dans sa vulgarité, à la fois jovial
-et précis, qui traite avec la même méticuleuse précision les épisodes
-religieux et les kermesses débraillées, avec le même réalisme la face
-exsangue du Christ mort et les trognes enluminées des buveurs.
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-La scène représentée ici se passe probablement dans quelque estaminet
-de Leyde, peut-être même dans la propre maison de van Steen, qui fut,
-en même temps que peintre, cabaretier de son état et ivrogne endurci.
-Nous y voyons, dans le désordre consécutif aux séances de débauche, un
-type de paysan aisé, à la tête alourdie de vin, les yeux appesantis par
-l’ivresse, qui fait un effort pour ramasser sa pipe tombée à terre. On
-devine que le moindre faux mouvement lui fera perdre tout équilibre
-et qu’il tombera de sa chaise, ivre-mort, sur le sol. A côté de lui,
-sur un siège à haut dossier, une belle et robuste jeune femme--sans
-doute sa compagne d’orgie--esquisse de la main un mouvement de retrait
-de ses jupes comme pour éviter d’être heurtée par la chute inévitable
-de l’ivrogne. Sa figure a quelque chose de bestial, comme celle du
-buveur quelque chose de naïvement hébété. Et tandis que le triste
-fêtard somnole, insouciant de tout, les bonnes pièces qui l’entourent
-s’entendent à merveille pour le dévaliser. Debout à sa gauche, une
-deuxième femme, servante de l’auberge apparemment, explore les poches
-du dormeur, en retire sa montre qu’elle remet à une vieille usurière,
-dissimulée dans l’ombre, qui versera le prix du vol. Au deuxième plan,
-dans un fond de la pièce, un homme assis fume tranquillement sa pipe
-pendant qu’un musicien debout continue de jouer, pour couvrir le bruit
-du marchandage et tous deux contemplent la scène en riant.
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-Ce tableau, l’un des meilleurs de van Steen, se recommande par le
-souci du détail épisodique, particulier à l’école hollandaise. Rien
-n’y est oublié de ce qui peut ajouter à l’intérêt de la scène. Avec un
-art supérieur, van Steen a prodigué tous les accessoires susceptibles
-d’aider à la compréhension parfaite de son œuvre. Peintre de genre de
-premier ordre, il nous décrit ce qu’il voit, comme il le voit, avec
-l’unique préoccupation de faire vrai. Par contre, les conceptions
-morales le laissent indifférent. S’il peint une scène d’orgie, ce n’est
-pas afin de montrer les effets de la débauche ni pour nous la faire
-détester. Tant de philosophie n’entre pas dans ses vues. Ce qu’il a
-jeté sur la toile, c’est l’épisode quotidien de l’ivresse qui chavire
-les cervelles et abrutit les corps. Aucun enseignement ne s’en dégage.
-Dans la disposition des personnages, on devine même que van Steen
-s’amuse de la mésaventure de son ivrogne et que la filouterie dont il
-est victime lui paraît un bon tour aimablement joué.
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-Quoi qu’il en soit, l’œuvre est charmante de naturel et de malice.
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-Jan Steen est le plus habile et le plus spirituel des maîtres
-hollandais au XVIIe siècle, celui qui porta au plus haut point de
-perfection la peinture de genre. Il est observateur attentif, minutieux
-et, dans chaque objet qui sollicite son attention, l’acuité de son
-regard lui fait découvrir le côté comique, ridicule, sur lequel pourra
-s’exercer sa verve.
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-Compatriote et contemporain de Gérard Dow et de Terborch, il n’a ni
-la manière large de celui-ci, ni la méticuleuse minutie de celui-là.
-Terborch est supérieur à Jan Steen par la correction merveilleuse de
-son dessin et l’harmonieuse fraîcheur de son coloris, mais van Steen
-l’emporte incontestablement par sa fantaisie, sa verve narquoise,
-sa vivacité joviale. Chacun d’ailleurs s’est enfermé dans un genre
-spécial: Terborch s’est fait le peintre des intérieurs riches et
-les personnages dont il peuple ses tableaux sont des gens de bonne
-compagnie, de mise correcte et de manières élégantes. Gérard Dow
-semble avoir choisi ses modèles dans la classe moyenne, et ses toiles
-finies, polies, orfévrées devaient plaire à la soigneuse bourgeoisie
-hollandaise. Jan Steen, lui, cherche ses sujets de tableau dans les
-cabarets et les lieux de plaisir. Le millier de toiles qui compose
-son œuvre est entièrement consacré à la peinture des ripailles, des
-orgies, des noces paysannes et des scènes burlesques. C’est le milieu
-qu’il préfère, c’est celui où il vit quotidiennement et il dépense à
-le traduire une fantaisie débordante, une gaîté énorme et un talent de
-premier ordre.
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-Jan Steen avait d’ailleurs de qui tenir. Il avait travaillé longtemps
-à Haarlem dans l’atelier de van Ostade, puis à La Haye, dans celui
-de van Goyen, dont il épousa la fille. On n’a pas de renseignements
-très précis sur la vie de cet artiste qui semble avoir laissé à Leyde,
-sa ville natale, une fâcheuse réputation d’ivrogne et de débauché;
-ses peintures n’en étaient pas moins très goûtées, à cause de leur
-spirituelle drôlerie.
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-De l’œuvre considérable de Jan Steen, le Louvre ne possède que trois
-tableaux: _la Fête dans l’intérieur d’une auberge_, _le Repas de
-famille_, et _la Mauvaise compagnie_.
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-Ce dernier tableau fit partie de la collection Charles Cope de Londres.
-Il fut vendu 2250 florins à la vente Taylor et le Ministère des
-Beaux-Arts l’acquit, en 1881, pour la somme de 4750 francs. Il figure
-aujourd’hui à la salle Jan Steen.
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-Hauteur: 0.47.--Largeur: 0.36.--_Figures: 0.25._
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-HANS HOLBEIN
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-PORTRAIT D’ÉRASME
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-GRANDE GALERIE
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-[Illustration]
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-_Érasme_
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-Hans Holbein est, sans nul doute, la plus grande figure de l’art
-allemand et son illustre contemporain Albert Dürer doit lui céder la
-première place. Il a pratiqué l’art sous toutes ses formes avec une
-égale maîtrise; qu’on le considère comme dessinateur, décorateur,
-peintre de fresques, portraitiste, architecte, modeleur, orfèvre,
-illustrateur, miniaturiste, il nous révèle toujours une merveilleuse
-personnalité. Mais, chez lui, c’est avant tout le peintre de portraits
-qui reste incomparable.
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-Jamais la physionomie humaine n’a été rendue avec autant de précision,
-avec autant de pénétration, et cela sans artifices de couleurs, par la
-seule netteté du trait, par le rigorisme de la ligne, par la géographie
-des rides. Il n’y a plus que la vérité du modèle immobile devant le
-peintre, l’âme même est exprimée, le portrait devient une révélation,
-presque une indiscrétion; il est toute une biographie. Pas de décor,
-pas d’embellissement, aucune flatterie, la nature est prise sur le
-fait, et cet art demeure unique, inégalé. Sa sécheresse lui est une
-qualité de plus: Holbein a cette sincérité implacable, cette conviction
-intransigeante, cette impassibilité merveilleuse que personne n’a
-possédées comme lui, et qui font de son œuvre une chose à part, un
-trésor spécial, qui porte sa marque indélébile. On dit: _un Holbein_,
-et cette simple appellation évoque de suite une galerie d’effigies
-remarquables, ayant toutes le même intérêt, la même haute valeur,
-qu’il s’agisse de Henri VIII, de la reine Jane Seymour, d’Édouard VI,
-de l’archevêque de Cantorbery, de Christine de Danemark, de Nicolas
-Kratzer, d’Érasme, du bourgmestre Jacques Meier, du docteur Jean
-Chambure ou de tant d’autres dont on ignore les noms.
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-Le portrait d’Érasme, que nous donnons ici, est un des plus beaux du
-maître. Il n’est pas le seul toutefois, Holbein ayant à plusieurs
-reprises peint les traits du célèbre érudit et philosophe bâlois, qui
-était son ami.
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-Érasme est représenté de profil, assis devant son pupitre et écrivant.
-Il est vêtu d’une lourde houppelande de couleur sombre, aux larges
-manches garnies de fourrure. Sa tête est couverte d’un large bonnet de
-même étoffe et de même couleur. Le fond du tableau se compose d’une
-tapisserie à ramages que le peintre a volontairement noyée d’ombre,
-comme la toque et le costume, afin de ne mettre en lumière que la tête
-et les mains de son modèle: la tête du penseur, la main de l’écrivain.
-Tout l’intérêt, toute la vie du tableau sont concentrés sur ces deux
-taches claires, avec une intensité et une perfection que seul un
-artiste comme Holbein pouvait atteindre.
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-Le dessin de la figure est merveilleux avec l’œil attentif baissé sur
-le papier, le nez effilé, les lèvres pincées, les plis du menton et des
-joues. Toute l’attitude de cette tête sérieuse trahit l’application,
-la volonté et en même temps cette finesse narquoise qui fut la marque
-distinctive de la philosophie légèrement sceptique d’Érasme. La main
-gauche, ornée de bagues, maintient le papier sur le pupitre, tandis
-que la droite trace des lignes. Le modelé de ces mains est admirable
-et, s’agissant d’Holbein, il est à peine nécessaire d’ajouter que ce
-portrait est un chef-d’œuvre.
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-Holbein avait connu Érasme à Bâle, où il était venu tout jeune avec
-ses parents en 1515, et où il passa la plus grande partie de sa
-vie. Bâle, à cette époque, était un foyer intellectuel très actif,
-où bouillonnaient même les idées réformatrices dont Martin Luther
-commençait à secouer l’Allemagne. Parmi les humanistes ballottés dans
-les remous de ce torrent, émergeait une figure railleuse de savant et
-de philosophe qui paraissait assister au grand drame de la Réforme en
-spectateur amusé plus qu’en acteur: c’était Érasme. Entré tout jeune
-dans les ordres, il avait pris son grade de docteur en théologie,
-mais il s’était vite fatigué de la vie monastique et avait obtenu
-du pape d’être relevé de ses vœux. Holbein et Érasme, dès qu’ils se
-connurent, se lièrent d’amitié et quand le philosophe, appelé en
-Angleterre par Henri VIII, se fixa à Londres, il songea à Holbein,
-dont il appréciait le talent, et l’engagea à venir le rejoindre, lui
-promettant de le patronner à la cour. Holbein quitta Bâle et passa en
-Angleterre. Fidèle à sa promesse, Érasme le recommanda à Thomas More,
-chancelier du royaume, et pour servir plus efficacement son ami, il lui
-envoya le magnifique portrait reproduit ici. C’était la plus sûre des
-recommandations. Thomas More vit le portrait, le trouva admirable et
-fit à Holbein l’honneur de poser devant lui avec toute sa famille, ce
-qui fournit au peintre l’occasion de réaliser un nouveau chef-d’œuvre.
-Ce portrait consacra la réputation d’Holbein en Angleterre. A partir de
-ce jour, tout ce que la cour et la ville renfermaient de personnages
-considérables défila dans son atelier. Il fut même le peintre officiel
-de Henri VIII qui le chargea plusieurs fois de faire son portrait et
-celui des différentes femmes qu’il épousa successivement.
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-Le beau portrait d’Érasme appartint plus tard à Charles Ier qui, après
-l’avoir conservé quelque temps, le donna à Louis XIII en échange du
-_Saint Jean-Baptiste_, de Léonard de Vinci, qu’il désirait posséder.
-Depuis lors, Érasme est demeuré propriété nationale, il figure dans la
-Grande galerie, à la travée d’art allemand.
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-Hauteur: 0.42.--Largeur: 0.32.--_Figure en buste grandeur demi-nature._
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-CORRÈGE
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-LE MARIAGE DE SAINTE CATHERINE
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-SALON CARRÉ
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-[Illustration]
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-_Le Mariage de sainte Catherine_
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-On raconte que Corrège, âgé de dix-sept ans, vint à Mantoue et y vit
-la _Victoire_ de Mantegna. Devant l’œuvre du maître padouan son âme
-d’artiste tressaillit, il sentit remuer en lui les bouillonnements de
-son futur génie et, transporté d’enthousiasme, il s’écria: _Ed anch’io
-son pittore!_ (Moi aussi, je suis peintre!)
-
-Peintre, Corrège le fut dans l’acception la plus étendue et la plus
-élevée de ce terme. Il est de ces artistes dont la gloire rayonne
-souverainement et ne connaît pas de détracteurs, car il possède au
-suprême degré tous les dons du génie: une originalité charmante, une
-grâce ineffable, une palette d’un coloris magique et une science qui le
-classe, avec Michel-Ange, comme le premier dessinateur du monde.
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-Fresques, mythologies, scènes de genre, sujets profanes ou religieux,
-il a tout traité avec une égale perfection; et dans toutes ses œuvres
-se retrouvent cette souplesse, cette fantaisie, cette grâce qui nous
-font adorer sa peinture.
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-_Le Mariage de sainte Catherine_, notamment, nous montre Corrège dans
-l’épanouissement complet de son génie.
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-La Vierge, presque de profil, tient l’Enfant Jésus sur ses genoux.
-Agenouillée devant elle, sainte Catherine livre sa main au divin Enfant
-qui s’apprête à passer à son doigt l’anneau, symbole de leur union.
-«Cela forme le plus délicieux bouquet de mains que jamais peintre ait
-groupées au centre d’un tableau. On dirait qu’elles sont faites de la
-pulpe des lis, tant elles sont pures, délicates et nobles avec leurs
-doigts amincis en fuseaux et relevés du bout.» L’expression d’extase
-amoureuse de la sainte qui épouse de toute son âme et pour l’éternité
-l’insouciant bambino, est admirablement rendue. Derrière la sainte se
-tient debout un saint Sébastien d’une beauté merveilleuse et à qui les
-flèches, symbole de son martyre, qu’il tient à la main, donnent une
-apparence d’Amour.
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-Dans les profondeurs de la perspective, à gauche, le peintre a eu
-l’idée ingénieuse de montrer le saint et la sainte livrés à leurs
-bourreaux. Mais ces épisodes sont de petites dimensions, esquissés
-légèrement, noyés d’ombres et traités de manière à ne pas distraire
-l’attention du sujet principal. Pour les voir, il faut les chercher
-bien loin, au dernier plan, et l’œil, amoureusement attaché sur les
-figures délicieuses de la Vierge, de sainte Catherine et de l’Enfant
-Jésus, ne s’en détourne pas volontiers.
-
-«Celui, écrit Charles Blanc, qui a vu, étudié, admiré cette page
-d’un sentiment si délicat, n’est pas loin de comprendre toutes les
-perfections de Corrège. L’idée seule du tableau révèle un peintre dont
-l’esprit abonde en inventions charmantes. Sainte Catherine, unie au
-divin Maître par le martyre souffert en son nom, s’appelle, en langage
-mystique, l’épouse du Christ. La poésie, l’imagination acceptent cette
-désignation symbolique. Mais comment mettre sous les yeux du chrétien
-ce mariage du Christ avec une vierge pure et belle? Corrège le sait.
-Ce n’est pas le Christ devenu homme, le Christ descendant de la croix
-et placé à la droite de son père qui présente l’anneau à la vierge
-martyre, c’est l’Enfant né à Bethléem, encore sur les genoux de sa
-mère. Invention naïve et ingénieuse à la fois! Le mythe s’explique sans
-effort: cet Enfant ne peut être l’époux de cette femme; cette union,
-impossible dans ce monde, est un mystère qui s’accomplit dans le ciel!
-La physionomie de la mère exprime cette inépuisable complaisance, ce
-dévouement sans limites, cet amour parti des entrailles dont nul autre
-peintre n’a eu le sentiment au même degré que Corrège. L’innocence de
-la vierge se mêle à la béatitude de la sainte sur la figure de sainte
-Catherine. Quant à l’exécution, elle est merveilleuse de finesse,
-d’éclat dans les chairs et de transparence dans les ombres.»
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-Peintre délicat et attendri de la beauté féminine, Corrège donne à ses
-têtes de femmes et de vierges une grâce presque enfantine et, chez lui,
-les têtes, plus jeunes que les corps arrivés à tout leur développement,
-gardent un air d’innocence et d’étonnement candide. Rien de plus
-piquant que ce contraste, ménagé d’ailleurs avec un art infini. Dans
-_le Mariage de sainte Catherine_, en particulier, la Vierge a cette
-fleur d’extrême jeunesse et la sainte n’est guère plus âgée.
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-Théophile Gautier écrit: «Sous le léger voile d’ambre que le temps a
-jeté sur ce tableau, on y sent une fraîcheur argentée, des reflets
-bleuis, des tons de nacre, et toute cette gamme de nuances charmantes
-endormies dans le mystère du clair-obscur, où Corrège est resté sans
-rival.»
-
-On dit que Corrège peignit ce tableau à l’occasion du mariage de
-sa sœur, qui s’appelait Catherine. Il n’est pas sûr que l’artiste
-en ait fait don à la jeune femme; en tout cas, elle ne le conserva
-pas longtemps, car on le trouve vers la même époque, en 1525, en la
-possession d’un ami de Corrège, le médecin Grilenzoni. Après avoir
-décoré le cabinet de la comtesse Santa Fiora, cette peinture passa
-chez le cardinal Sforza, qui la possédait en 1614, et ensuite chez
-le cardinal Barberini, qui en fit don à Mazarin. Louis XIV l’acheta
-aux héritiers du cardinal en 1661. Depuis cette époque, _le Mariage
-de sainte Catherine_ n’a plus quitté les collections nationales et il
-figure aujourd’hui au Salon carré, dont il est un des plus précieux
-joyaux.
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-Hauteur: 1.05.--Largeur: 1.02.--_Figures à mi-corps, grandeur
-naturelle._
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-LANCRET
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-CONVERSATION
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-SALLE LA CAZE
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-[Illustration]
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-_Conversation_
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-Lancret! Quelle charmante époque et que de jolies choses abolies évoque
-ce nom! Parler de Lancret nous reporte aux beaux jours de Trianon et de
-Versailles, au temps où ces fastueuses résidences abritaient la cour,
-où les allées solennelles du parc s’animaient au babillage des groupes
-ou couvraient de leur ombre les tendres aveux murmurés tout bas. C’est
-tout un passé d’élégance, de frivolité, d’esprit, d’enjouement, de
-politesse, c’est tout un monde qui revit dont le seul but semble avoir
-été le plaisir, et l’intrigue amoureuse la seule occupation. Plus même
-que Boucher, Lancret est le fidèle historiographe de ce temps en ce
-qu’il ne couvre pas comme lui ses personnages sous le voile anonyme de
-l’allégorie. Ses modèles, il les prend dans la vie même, autour de lui,
-et il les peint comme il les voit, avec leurs vrais ajustements et dans
-leurs attitudes familières. Voyez cette pimpante marquise qui se hâte
-le long du bassin de Neptune, rougissante et jolie, courant sans doute
-à quelque rendez-vous et retroussant une jupe bruissante afin d’aller
-plus vite: c’est un Lancret qui passe. C’est un Lancret aussi, ce jeune
-page à la mine éveillée qui semble attendre, à l’ombre d’un bosquet,
-l’aventure promise.
-
-C’est également un Lancret, et des plus charmants, le jeune couple
-conversant au pied d’un arbre que nous montre la planche reproduite
-ici. Assise sous le feuillage sombre, la jeune femme semble écouter
-les galants propos murmurés tout près de son oreille par un cavalier
-appuyé sur un pan de mur. Elle écoute, mais le sourire des yeux et
-des lèvres laisse entendre que le marivaudage de son amoureux l’amuse
-sans la convaincre. Quelle exquise créature que cette femme et quel
-charme dans ce délicat visage encadré d’un diadème blond! Sur ses
-épaules nues un léger manteau en voile bleu est négligemment jeté;
-autour du cou un collier de perles s’enroule et descend le long de la
-gorge dont on aperçoit les rondeurs par l’échancrure du corsage. Une
-jupe de soie d’un jaune éteint se drape gracieusement autour du corps
-en plis souples qui descendent jusqu’au sol. La main gauche est posée
-sur les genoux; la main droite, admirablement modelée, tient un masque
-de velours noir. Cet attribut de comédie cadre parfaitement avec le
-costume du personnage placé près de la jeune femme et qui a toute
-l’apparence d’un acteur de troupe italienne.
-
-Cette délicate fantaisie est peinte avec un art supérieur. Lancret
-y a prodigué ces tons moirés, veloutés qui donnent une élégance de
-plus à ce tableau. Tout y est équilibré et charmant: le bleu, le
-rouge, le jaune, bien que disposés en masses compactes et distinctes,
-s’harmonisent et se fondent pour former un ensemble d’une adorable
-douceur.
-
-Lancret est, avec Watteau, le peintre le plus représentatif du siècle
-des boudoirs, des fêtes champêtres et des galantes intrigues.
-
-Tout jeune, il avait connu le grand artiste. Celui-ci, ému de
-l’admiration que lui témoignait le jeune Lancret, lui donna des
-conseils et l’élève étudia si bien la manière du maître qu’il en arriva
-à se l’approprier complètement. Ce fut au point qu’un jour, dans une
-Exposition, deux œuvres de Lancret furent prises pour des Watteau. Il
-en résulta entre les deux peintres une brouille qui dura pendant de
-longues années.
-
-Malgré la similitude des genres, un œil averti ne peut cependant
-confondre les deux artistes. Lancret n’a pas la poésie mélancolique
-de son grand rival ni sa brillante imagination. Dans les paysages un
-peu conventionnels que l’un et l’autre emploient comme fond de leurs
-tableaux, Watteau place des personnages maniérés sans doute, mais plus
-vivants que ceux de Lancret; de même sa couleur est plus chaude, plus
-vibrante. Un peu plus froid, légèrement figé, Lancret n’en a pas moins
-une grâce charmante; son art est souriant et ses personnages délicats
-font songer à des bibelots précieux et frêles. Lancret eut une vogue
-considérable. Ses œuvres, assez généralement de petite dimension,
-étaient appréciées et se vendaient très bien. A la fortune s’ajoutèrent
-les honneurs. En 1719, il est nommé à l’Académie royale de peinture,
-avec le titre de «peintre des fêtes galantes» qu’il partageait avec
-Watteau.
-
-Lorsque Lancret apprit que Watteau était sérieusement malade, il
-demanda à se réconcilier avec ce maître qu’il avait tant admiré et
-aimé. Les deux peintres se pardonnèrent leurs torts réciproques: ils
-avaient tous les deux une assez belle part de gloire pour oublier toute
-rancune.
-
-La gloire de Lancret, sans égaler celle de Watteau, reste enviable.
-Élégant et spirituel, il est bien le peintre de la société de son
-temps: libre sans grossièreté, délicat, charmant, il n’évoque que des
-images riantes ou des scènes aimables. Ses _Scènes champêtres_, ses
-_Conversations_, ses _Concerts_, ses allégories décoratives sont des
-sujets peu renouvelés mais qu’il sait rendre aimables par l’abandon
-gracieux des attitudes, par l’agrément des fonds de paysage, par
-l’ingéniosité piquante des détails.
-
-Le musée de Berlin possède 26 Lancret; moins riche, le Louvre n’en a
-que 12.
-
-La _Conversation_ est entrée dans notre grand musée national avec la
-collection La Caze.
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-Hauteur: 0.38.--Largeur: 0.27.--_Figures: 0.14._
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-JAN VAN DER MEER (VERMEER)
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-LA DENTELLIÈRE
-
-SALLE JAN STEEN
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-[Illustration]
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-_La Dentellière_
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-Sur un métier de dentellière, une jeune femme est penchée, attentive,
-et fait courir dans ses doigts agiles les fuseaux et les fils de soie.
-Sa blonde tête, couronnée de cheveux bien peignés et roulés en tresse
-vers la nuque, est d’une robuste beauté septentrionale. Les traits sont
-réguliers, fortement accusés, un peu vulgaires et trahissent l’origine
-plébéienne du modèle. Sur la table, à côté de la diligente ouvrière,
-on aperçoit un coussin bleu et un gros livre, dont elle lit sans doute
-quelques passages aux intervalles de repos.
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-Ce tableau, à peine plus grand que la planche reproduite ici, rentre
-dans la catégorie des peintures de genre dans lesquelles excellèrent
-les artistes hollandais du XVII siècle, ceux qu’on appela «les petits
-maîtres».
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-Van der Meer fut un des meilleurs, peut-être le meilleur, de ces
-petits maîtres et cependant, par une bizarre injustice de la Destinée,
-nous voyons son œuvre et sa personnalité tomber dans l’oubli pendant
-deux siècles. Vingt ans après sa mort on ne sait rien de lui dans son
-propre pays. Son nom même est dénaturé. De Vermeer, qui était son nom
-véritable, on a fait Van der Meer, ce qui a permis de le confondre
-avec la dynastie des Jan van der Meer de Haarlem, et avec le Jan
-van der Meer d’Utrecht. Pis que cela, ses toiles ont été attribuées
-successivement à Peter de Hoogh, à Metsu ou à d’autres encore. Aucun
-autre peintre n’a connu cette disgrâce complète dans laquelle tout
-sombre, l’œuvre et le nom.
-
-Vermeer était digne d’un autre sort car il fut véritablement un
-grand peintre. Il possédait une invention très riche, une harmonie
-supérieure dans l’arrangement des couleurs, une gradation parfaite
-dans les teintes, une touche énergique, large, solide, des empâtements
-très fins. Ses scènes de la vie domestique sont remarquables par le
-pittoresque de la composition, et surtout par la beauté de ses effets
-de lumière dont le visage de _La Dentellière_ nous offre un éloquent
-exemple. La dominante de son coloris, dans la plupart de ses tableaux,
-consiste en une tonalité bleuâtre, extrêmement douce, encore affinée
-par la légèreté de ses frottis.
-
-De son vivant, Vermeer comptait parmi les meilleurs peintres de Delft.
-Il était encore tout jeune que déjà Dirk van Bleyswijck, historiographe
-de la cité, le signalait avec éloges. On conduisait les étrangers de
-marque à son atelier. Il était entré comme apprenti, suivant l’usage
-d’alors, à l’âge de quinze ans, dans l’atelier d’un peintre de Delft,
-probablement Léonard Bramer. Six ans après, il passe maître-peintre
-dans la guilde de Saint-Luc. Mais il est pauvre et n’a pas les six
-florins exigés pour l’entrée dans la corporation: il ne peut verser
-qu’un florin dix sols et s’acquitte du reste par acomptes. Mais son
-mérite ne tarde pas à s’imposer, il gagne rapidement l’estime de ses
-compatriotes et de ses confrères, et on le trouve à plusieurs reprises
-doyen de la guilde de Delft.
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-Vermeer ne fut jamais riche et quand il mourut, à l’âge de
-quarante-deux ans, il ne laissait à sa femme et à ses huit enfants
-vivants que des dettes criardes. Il devait notamment 600 florins à son
-boulanger. Sa veuve donna deux tableaux pour les payer, et comme elle
-avait pour le talent de son mari une admiration profonde, elle stipula
-qu’elle pourrait les racheter par versements annuels de 50 florins.
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-Après une éclipse de deux siècles, le nom de Vermeer se reprit à
-briller, comme ces astres réputés perdus qui soudain reparaissent
-au firmament. En 1809, un expert le qualifie de «très grand peintre
-dans la manière de Metsu». Reynolds mentionne sa _Femme transvasant
-du lait_ parmi les tableaux qui l’ont le plus frappé pendant son
-voyage en Hollande. Plus tard Maxime du Camp, Théophile Gautier, Paul
-Mantz, Clément de Ris contribuèrent à le faire connaître, mais c’est à
-Burger-Thoré que revient l’honneur de sa complète réhabilitation.
-
-On s’est inquiété de savoir à quelle école Vermeer avait acquis les
-notions premières de son art. Certains commentateurs ont insinué que
-peut-être il avait travaillé dans l’atelier de Rembrandt. La chose
-paraît assez peu vraisemblable car, outre que Vermeer était trop
-pauvre pour se rendre à Amsterdam où vivait Rembrandt, rien dans la
-manière aimable et mesurée de Vermeer ne rappelle la facture puissante
-et grandiose du grand maître hollandais. M. Henry Havard, dans la
-savante étude qu’il a consacrée à Vermeer, le démontre de façon
-lumineuse et péremptoire. Il n’est pas plus certain qu’il ait été
-l’élève de Fabritius, qui était à peu près de son âge, ce qui semble
-exclure l’idée que l’un d’eux ait été le maître de l’autre. Nous nous
-rangerions plus volontiers à l’opinion de M. Henri Havard qui incline
-à croire que Vermeer étudia avec Léonard Bramer, ami et allié de sa
-famille.
-
-_La Dentellière_ avait figuré dans une vente faite en 1816 à Amsterdam,
-où elle fut adjugée 28 florins. Depuis elle avait été vendue 84 francs
-à la vente de Muilman (1813), 501 francs à la vente Laperière (1817),
-265 florins à la vente Nagel (1851). En dernier lieu, elle appartenait
-à M. Blokhuysen, de Rotterdam. Elle fut acquise en 1870 pour 1.200
-francs par l’État. Elle figure aujourd’hui dans la salle Jan Steen.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.24.--Largeur: 0.21.--_Figure à mi-corps._
-
-
-
-
-VAN DYCK
-
-CHARLES Ier D’ANGLETERRE
-
-SALLE VAN DYCK
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Charles Ier d’Angleterre_
-
-
-Le portrait de Charles Ier d’Angleterre, que possède le Louvre, est un
-chef-d’œuvre légendaire.
-
-Le poing sur la hanche, du côté de l’épée, la main droite appuyée sur
-une haute canne, le roi tourne légèrement sa tête fine et blonde,
-encadrée d’un grand chapeau. Il regarde avec calme, avec assurance,
-et toute son attitude est celle d’un homme habitué à commander. Sa
-veste de soie grise est traversée du baudrier qui soutient l’épée.
-Au-dessous de la culotte rouge et laissant voir les bas de soie, des
-bottes souples en cuir fauve, garnies d’éperons, emprisonnent une
-jambe nerveuse et élégante. Un peu en arrière, le cheval favori du roi
-piaffe, impatient, maintenu par un écuyer vêtu de rouge qui représente
-le chevalier d’Hamilton; un autre serviteur, plus loin, porte le
-manteau du souverain. Le tertre où sont placés les personnages est
-ombragé par la ramure épaisse d’un arbre et, sur les plans éloignés,
-s’étend une plaine au-dessus de laquelle des nuages gris floconnent
-dans le ciel bleu.
-
-Ce tableau, d’une admirable composition, rend à merveille l’élégante
-silhouette de Charles Ier, le plus beau des Stuarts. L’œuvre se
-présente avec une noblesse contenue, une richesse sourde et éclatante
-tout à la fois, une somptuosité discrète qui impressionnent, où l’on
-retrouve quelque chose de la manière de Rubens, mais tempérée, assagie,
-comme disciplinée.
-
-Van Dyck avait d’ailleurs longtemps travaillé avec Rubens, qui
-l’appelait «le meilleur de ses élèves». Son amitié lui fut aussi
-profitable que ses leçons. C’est lui qui le recommanda à la cour des
-Stuarts. Charles Ier, influencé par les éloges de Rubens pour son élève
-et ravi du portrait de Nicolas Lanière, son maître de chapelle, peint
-par Van Dyck, invita celui-ci à se rendre auprès de lui.
-
-Van Dyck arriva à Londres et se présenta au roi qu’il conquit dès la
-première entrevue. Il avait une beauté fine, assez semblable à celle de
-Charles Ier, des manières aisées, une certaine grâce cavalière et l’air
-vif et dégagé d’un homme du monde accompli. Sa conversation n’était
-pas moins agréable que sa personne; il avait la parole abondante et
-brillante, alimentée par un savoir profond et disciplinée par un tact
-infini. Le roi se plaisait beaucoup en sa compagnie; il se rendait
-fréquemment à son atelier et, dépouillant avec lui toute contrainte
-d’étiquette, ils s’entretenaient ensemble de mille sujets pendant
-que Van Dyck travaillait à son portrait. De cette époque datent les
-nombreuses effigies du roi et de la reine.
-
-En récompense de son talent, Van Dyck reçut le titre de principal
-peintre ordinaire de Leurs Majestés, fut créé chevalier et eut son
-logement à Blackfriars.
-
-Dans son portrait de Charles Ier, Van Dyck s’était révélé portraitiste
-de génie et il n’est pas étonnant que, voulant suivre l’exemple du
-souverain, toute la noblesse enviât l’honneur de poser devant le
-grand artiste flamand. Bientôt, il ne put suffire aux commandes, il
-dut prendre des collaborateurs chargés de peindre les accessoires, se
-réservant seulement les têtes et les mains. Le succès venu, il eut
-toute liberté d’augmenter ses prix et gagna des sommes considérables
-qu’il dépensait largement. Sa maison était montée sur un pied
-magnifique, il possédait un équipage nombreux et élégant et offrait
-si bonne chère que peu de princes étaient aussi visités et aussi bien
-servis que lui.
-
-En 1639, il épousa Mary Ruthven, demoiselle d’honneur de la reine,
-petite-fille de lord Ruthven, dont il eut une fille. Sa femme ne lui
-apportait pas de dot, mais elle était considérée comme une des plus
-merveilleuses beautés de son temps. Cette union fut de courte durée.
-Sa vie de travail et de plaisirs avait miné la santé de Van Dyck et
-malgré que Charles Ier eût promis trois cents livres au médecin s’il le
-sauvait, le grand peintre mourut à Blackfriars, le 9 décembre 1641, âgé
-seulement de quarante-deux ans.
-
-«Non moins coloriste que Rubens, écrit Théophile Gautier, mais plus
-fin, plus élégant que son maître, Van Dyck semble créé pour peindre
-les rois, les princes, les duchesses, tout ce monde de la haute vie,
-fin de race, aristocratique d’allure, d’une magnificence héréditaire
-et marchant au-dessus de la multitude comme les dieux marchent sur
-les nuages. Il a peint d’une touche aisée et noble, avec une couleur
-brillante mais vigoureuse et une pénétration rapide du caractère, des
-têtes qu’on ne reverra plus, des masques dont le moule est brisé, des
-expressions d’existences à jamais évanouies.»
-
-Le portrait de Charles Ier entra dans le domaine national d’assez
-curieuse façon. A la vente du comte de Thiers, qui en était possesseur,
-la comtesse Du Barry l’acheta pour une somme de 24.000 livres. Et comme
-on lui demandait pourquoi elle avait choisi ce tableau de préférence
-aux autres de la collection qui semblaient devoir mieux lui convenir,
-elle répondit que c’était un portrait de famille, car elle prétendait
-tenir de la maison des Stuarts. Plus tard, elle le céda au même prix à
-M. d’Angivillers, pour le compte du Roi.
-
-Ce tableau occupe aujourd’hui au Louvre la salle Van Dyck qui précède
-la nouvelle salle des Rubens.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 2.72.--Largeur: 2.12.--_Figures en pied grandeur naturelle._
-
-
-
-
-FRANÇOIS CLOUET
-
-ÉLISABETH D’AUTRICHE
-
-SALLE DES PRIMITIFS FRANÇAIS
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Élisabeth d’Autriche, femme de Charles IX_
-
-
-«Quel chef-d’œuvre que le portrait d’Élisabeth d’Autriche, reine
-de France, femme de Charles IX! On ne saurait pousser plus loin la
-finesse, l’exactitude et la perfection du dessin; sur ce délicat
-linéament s’étale une couleur d’une suavité pâle, plus vraie que les
-tapages de tons des peintres dits coloristes, et qu’on sent être
-l’expression même de la nature: quoique le modèle de ce délicieux
-portrait ne soit plus qu’une pincée de cendre, si même cette cendre
-existe, on en peut affirmer la ressemblance. Oui, c’est bien Élisabeth,
-femme de Charles IX. Elle vit tout entière dans son petit cadre: les
-mains posées l’une sur l’autre avec un mouvement plein de grâce, sont
-des merveilles, fluettes, transparentes, tendres comme des pétales de
-lis, des mains vraiment royales! Le costume, d’une élégance et d’une
-richesse compliquées, est constellé de perles, de joyaux, de boutons
-émaillés, de pierreries qui font presque disparaître le corsage
-de brocart d’or damassé d’argent, avec sa fraise godronnée; et la
-chemisette de gaze à bouillons semble porter défi aux Blaise Desgoffes
-de l’avenir.»
-
-    (Théophile Gautier.)
-
-C’est en 1570 que la jeune archiduchesse, petite-fille de
-Charles-Quint, épousa Charles IX, à l’âge de seize ans. Son royal
-époux n’en avait que vingt. Ce ménage d’enfants, trop jeunes pour
-avoir une volonté, ne fut qu’un triste jouet politique entre les mains
-de la reine-mère, l’astucieuse Catherine de Médicis. Leur union fut
-d’ailleurs très courte. Charles IX mourait cinq ans après et quand
-Élisabeth, veuve à vingt et un ans, l’âme encore épouvantée des
-massacres de la Saint-Barthélemy, eut regagné son pays natal, elle
-s’enferma dans un couvent de Clarisses pour y pleurer son court bonheur
-et y oublier les horreurs du passé. Elle y mourut de consomption, à
-l’âge de trente-huit ans.
-
-A cette époque Clouet, que les écrits contemporains appellent _Janet_,
-jouissait d’une grande réputation: il avait succédé à son père, Jean
-Clouet, comme peintre de la Cour et, confirmé successivement dans sa
-charge par François Ier, Henri II et Charles IX, il bénéficiait d’une
-pension de 240 livres sur la cassette royale.
-
-C’est peu de temps après l’arrivée en France de la jeune reine
-Élisabeth que François Clouet exécuta son magnifique portrait. On a
-cru longtemps que ce tableau fut peint directement d’après nature. La
-découverte, en 1825, du cahier des crayons de l’artiste--cahier qui
-est conservé au cabinet des estampes--démontre que Clouet, comme tous
-les artistes de l’époque, exécutait d’abord ses portraits au crayon,
-rapidement, afin de ne pas lasser la patience de ses modèles. L’œuvre
-était ensuite reportée à l’huile sur panneau, corrigée, amplifiée,
-finie. Il en fut de même pour le portrait d’Élisabeth d’Autriche, qui
-se trouve à l’état de préparation, dans le cahier de Clouet, avec tous
-ses détails. En marge figurent les indications qui doivent lui servir
-ultérieurement pour sa peinture, la couleur des plumes, des soies, des
-passements, les nuances diverses du costume, les erreurs de proportions
-dans le croquis qu’il se propose de rectifier sur le panneau définitif.
-
-Ce crayon, comme tous ceux de Clouet, est admirable; dans le panneau
-reproduit ici, s’ajoutent encore ce coloris délicat et vigoureux à la
-fois et cette vérité dans l’expression qui ont permis d’attribuer à
-Holbein maintes œuvres de notre vieux maître français. Très longtemps,
-on a presque ignoré ce délicieux artiste et cette sorte d’indifférence
-rend encore aujourd’hui les critiques hésitants dans l’attribution à
-Clouet de tableaux où tout accuse sa manière. Que lui a-t-il manqué
-pour tenir dans la postérité le rang qui lui est dû? Un biographe, un
-Vasari qui aurait transmis aux générations suivantes son nom et la
-nomenclature de ses œuvres.
-
-Et cependant quel maître charmant que François Clouet! Un Holbein fin,
-gracieux, élégant, avec toutes les qualités françaises. Rien de plus
-délicat que sa manière de peindre, qui ferait paraître grossières les
-miniatures les plus achevées. Sa couleur est claire, ses ombres sont
-d’une légèreté extrême, comme s’il craignait d’y dérober quelque détail
-intéressant; mais dans cette pâleur, quand l’œil s’y est habitué,
-quelle recherche du modelé, quel rendu et quelle précision! Et quel
-soin, quel goût, quel fini, quelle fidélité dans les costumes, les
-ajustements, les armes et les joyaux des illustres personnages, princes
-ou princesses qu’il représente! Aucun sacrifice, aucune partie cachée,
-et pourtant, de ce monde de détails, rien ne se détache et ne trouble
-l’harmonie. C’est bien le peintre des Valois, ces rois artistes,
-parés et coquets comme des femmes. Mieux que cela, par la qualité
-prodigieuse de son talent, Clouet est le précurseur des portraitistes
-modernes et, s’il revenait de nos jours, il n’aurait rien à modifier
-dans sa technique pour se placer au niveau des plus grands peintres de
-portraits.
-
-Le portrait d’Élisabeth d’Autriche appartient à l’ancienne collection
-royale; il n’a jamais cessé d’appartenir à la Couronne ou aux galeries
-nationales. Il figure aujourd’hui à la salle XI, l’une des deux salles
-consacrées aux Primitifs français.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.56.--Largeur: 0.27.--_Bois.--Figure buste demi-nature._
-
-
-
-
-DELACROIX
-
-LA BARQUE DU DANTE
-
-SALLE FRANÇAISE MODERNE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_La Barque du Dante_
-
-
-Sous un ciel noir, strié de lueurs sanglantes, le Phlégéton roule ses
-eaux chargées de flammes. Dans ce décor d’épouvante, Virgile conduit
-le Dante vers l’Enfer. Debout dans la barque qui les porte, les deux
-poètes ont des attitudes opposées; Virgile, enveloppé dans un grand
-manteau rouge, ne semble pas ému; de sa main droite, il maintient le
-poète florentin dont le geste et le visage trahissent la terreur.
-Autour de la barque, dirigée par un nautonnier athlétique, les damnés
-émergent du flot noir, convulsés, titaniques, la face ravagée, et
-essayent de s’agripper à l’esquif; l’un d’eux s’accroche à la poupe
-dans un mouvement furieux et la mord avec rage. Ce grouillement de
-torses, ces chairs livides se débattant dans la nuit spectrale donnent
-bien l’impression d’une scène d’enfer. Il y a tant de dramatique
-puissance dans cette œuvre, tant de violence farouche dans le rendu et
-en même temps tant d’habile souplesse dans la composition, que l’on
-éprouve à regarder _La Barque du Dante_ la même frayeur dont frissonne
-l’auteur de _La Divine Comédie_.
-
-Parlant de ce tableau à l’époque où il fut exposé, Thiers le vante en
-termes enthousiastes. «Aucune œuvre, écrit-il, ne révèle mieux l’avenir
-d’un grand peintre que ce tableau. L’auteur y jette ses figures, les
-groupe, les plie à volonté avec la hardiesse de Michel-Ange et la
-fécondité de Rubens.»
-
-Écoutons Paul de Saint-Victor: «On comprend l’effet que dut produire,
-au milieu de la fade peinture de l’époque, cette toile ardente et
-sombre, éclairée d’un jour infernal. _La Barque du Dante_, avec son
-Phlégias titanique et les damnés qui l’enlacent, parmi les flots
-d’écume noire, de leurs replis tortueux de chairs et de muscles, serait
-digne de voguer sur le fleuve qui roule au bas du _Jugement dernier_ de
-Michel-Ange.»
-
-Faire songer ainsi, d’un accord unanime, au prodigieux talent de
-Michel-Ange, n’est-ce pas porter en soi quelque chose de sa puissance
-et de son génie? Et cependant, à l’époque où paraît cette magnifique
-toile, Delacroix n’a que 24 ans; non seulement il est un inconnu, mais
-il n’a pas eu de maître, il n’a fait que passer dans l’atelier de
-Guérin dont la technique glaciale le révoltait. Un peintre, cependant,
-exerça une influence réelle sur Delacroix: c’est Géricault, son
-camarade d’atelier, qui venait de peindre le _Radeau de la Méduse_. Son
-exemple le décida à rompre ouvertement avec la tradition davidienne et
-le réalisme intense de cette œuvre le détourna à jamais de la manière
-académique de l’école précédente.
-
-Sa _Barque du Dante_ est le premier acte de cette lutte acharnée qu’il
-poursuivra toute sa vie. Du premier coup, il se pose en adversaire de
-l’école de David. Aujourd’hui, nous nous étonnons que cette œuvre de
-couleur si sobre, si sculpturalement plastique dans les modelés du
-corps humain, ait pu être considérée comme révolutionnaire et mériter
-tant de violentes injures; mais si l’on se reporte à l’époque, on
-comprend la hardiesse de la nouveauté de Delacroix. Il osa apporter
-de la passion et une expression dramatique intense dans un sujet tiré
-de la littérature; il osa choisir un poète du Moyen-Age au lieu de
-s’inspirer de l’antiquité classique.
-
-Ce jeune artiste de vingt-quatre ans bouleverse toutes les notions
-du Beau, établies par David et si mal interprétées par ses élèves.
-Au surplus, Delacroix ne prétend pas contester le génie de David ni
-méconnaître l’influence heureuse de sa réaction contre la décadence de
-l’art au XVIIIe siècle, mais il affirme son droit de choisir à son gré
-les sujets de ses toiles et il pose en principe que l’antiquité n’est
-pas seule inspiratrice de la Beauté et qu’on trouve celle-ci partout,
-dans la vie moderne, autour de soi et qu’il suffit pour y atteindre
-d’avoir une âme sincère et une vision nette.
-
-Fait curieux, Delacroix ne fut pas un enfant prodige; il ne montra pas,
-dès ses jeunes années, ces dispositions artistiques que les biographes
-se plaisent à constater dans la vie des grands maîtres. Lorsqu’il
-quitta le lycée impérial, à l’âge de dix-sept ans, pour entrer dans
-l’atelier de Guérin, il songea sérieusement à embrasser la carrière
-militaire, comme ses frères. Ce fut donc en vivant dans un milieu
-artistique que se révéla son âme de peintre et qu’il prit décidément le
-goût d’une carrière qu’il devait illustrer d’un tel éclat.
-
-Une passion immense, doublée d’une volonté formidable, tel était
-l’homme. Et quelle puissance d’imagination! «Ardente comme les
-chapelles ardentes, elle brille de toutes les flammes et de toutes les
-pourpres, tout ce qu’il y a de douleur dans la passion le passionne;
-tout ce qu’il y a de splendeur dans l’Église l’illumine. Il verse tour
-à tour sur ses toiles inspirées, le sang, la lumière et les ténèbres.»
-(Baudelaire.)
-
-_La Barque du Dante_ a beaucoup perdu de son éclat primitif; la couleur
-s’en est assombrie jusqu’à noyer les personnages dans une nuit presque
-absolue. Cette détérioration regrettable est imputable à l’emploi
-exagéré du bitume que Delacroix abandonna, fort heureusement, plus tard.
-
-Quoi qu’on ait dit sur l’injustice dont fut victime Delacroix, il eut,
-dès ses débuts, les encouragements officiels; les peintres seuls lui
-furent hostiles. L’État acquit _la Barque du Dante_ pour 1.200 francs
-et la plaça au Luxembourg. Elle est passée depuis au Louvre où elle
-figure, avec ses autres œuvres, dans la salle des Peintres français
-modernes.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 1.80.--Largeur: 2.40.--_Figure: 1 mètre._
-
-
-
-
-GRECO
-
-LE ROI FERDINAND
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Le roi Ferdinand_
-
-
-Le roi Ferdinand est représenté debout, revêtu d’une armure et portant
-sur la tête une couronne d’or. Les bras nus sortent du brassard
-d’acier. De la main droite, il tient la main de justice et de la gauche
-légèrement inclinée vers le sol, le sceptre royal surmonté de la fleur
-de lis. Sur l’armure est jeté un manteau de pourpre négligemment drapé.
-Près du monarque, un jeune page, le col orné d’une fraise de dentelle,
-porte le casque du souverain.
-
-L’auteur du portrait du roi Ferdinand s’appelait Dominico Théotocopuli.
-On le surnomma «le Greco» à cause de son origine. Il était né
-dans l’île de Crète, vers l’an 1548. Tout jeune il manifesta de
-merveilleuses dispositions pour la peinture et il n’eut d’autre pensée
-que de venir sur le continent pour y satisfaire son goût. Au XVIe
-siècle, Venise était reine des mers et faisait un actif commerce avec
-l’Orient; ses navires visitaient toutes les îles de la Méditerranée
-et y apportaient l’écho des merveilles de la Sérénissime. Par les
-voyageurs et les marchands on savait, dans les îles, qu’à Venise
-florissait une pléiade incomparable de peintres, les premiers du monde.
-L’esprit du jeune Théotocopuli était hanté de ces récits. Son âme
-ardente s’exaltait et quand il mit le pied sur la rive des Esclavons,
-il ne songea pas à aller plus loin, il se fixa à Venise.
-
-Il entra à l’atelier du Titien, c’est du moins ce qu’atteste une
-lettre écrite de Rome par l’enlumineur Clovio, en 1570, pour demander
-au cardinal Farnèse d’accorder un logement dans son palais de Rome «à
-un jeune Candiote, élève du Titien et qui est un bon peintre». Il ne
-faut rien moins que cette affirmation pour clore le débat; car, si l’on
-juge d’après ses œuvres de la première manière, on y retrouve plus
-certainement l’influence de Tintoret ou même de Jacopo da Ponte que
-celle du Titien.
-
-En 1570, il alla à Rome pour s’y pénétrer de l’œuvre des grands
-maîtres. Après cinq ou six ans de séjour dans la ville pontificale,
-il passa en Espagne et se fixa à Tolède. La première de ses œuvres,
-exécutée dans cette ville, porte la date de 1577. Le Greco ne devait
-plus quitter l’Espagne qu’il avait définitivement adoptée comme patrie.
-
-Dès son arrivée dans la péninsule, l’art du Greco subit une
-transformation dont on ne trouve peut-être aucun autre exemple dans
-l’histoire. Sa manière se modifie complètement. Toute influence
-italienne disparaît. Désormais son œuvre ne rappelle plus ni le Titien,
-ni le Tintoret; il est Espagnol ou pour mieux dire il est Greco, il est
-lui-même, c’est-à-dire un peintre qui ne s’apparente à aucun autre et
-qui puise sa personnalité dans son seul génie.
-
-Ce qui le distingue c’est la qualité particulière de sa couleur
-un peu froide mais toujours harmonieuse et distinguée. Une autre
-caractéristique de son talent, c’est sa prédilection marquée pour
-l’ascétisme. Il donne volontiers à ses personnages des visages sévères,
-allongés, maigres, émaciés, des corps d’anachorètes dont l’ossature
-semble dépourvue de chair. A contempler certaines de ses toiles on
-éprouve une sensation de malaise que l’art supérieur de l’artiste
-ne parvient pas toujours à dissiper. Mais ses figures vivent d’une
-vie intense, prodigieuse. Jamais peintre n’a traduit avec une telle
-puissance la flamme intérieure qui vient de l’âme et les extases
-passionnées de la ferveur. Quelque laid que soit son modèle, il
-l’illumine d’une clarté surhumaine qui le poétise et l’embellit. A ce
-titre, il se classe comme un des meilleurs peintres religieux dont
-l’histoire de l’art fasse mention. C’est Tolède qui possède ses plus
-belles toiles.
-
-Grâce à ce don merveilleux d’évocation, il fut également un
-portraitiste de premier ordre et l’on ne trouve guère que Velazquez à
-mettre au-dessus de lui. S’il lui est parfois inférieur au point de
-vue de l’exécution, il l’égale et parfois le dépasse par son intense
-pouvoir de pénétration, par l’incomparable faculté qu’il possède de
-fixer en traits de feu la vie intérieure de son modèle.
-
-On l’a appelé «le peintre des âmes». Aucun titre ne pouvait mieux lui
-convenir, aucun maître n’était plus digne que lui de le porter.
-
-M. Maurice Barrès, dans son beau livre sur le Greco, écrit: «Le voilà
-parti pour être un peintre de l’âme, et de l’âme la plus passionnée:
-l’espagnole du temps de Philippe II. Il laisse à d’autres de
-représenter les martyrs affreux, les gesticulations violentes, toutes
-ces inventions bizarres ou cruelles qui plaisaient à un peuple de mœurs
-dures, mais il gardera ce qui vit de fierté et de feu au fond de ces
-excès. Ils valent pour ramener toujours les esprits au point d’honneur
-et aux vénérations religieuses. Et, dans son œuvre, Greco manifestera
-ce qui est le propre de l’Espagne, la tendance à l’exaltation des
-sentiments.»
-
-Greco ne fut pas seulement un grand peintre, il était encore
-architecte, sculpteur, écrivain. Sous ses trois aspects, on ne peut
-malheureusement le juger aujourd’hui, ses sculptures et ses écrits
-ayant disparu.
-
-Le _Roi Ferdinand_, d’acquisition récente, figure dans la Grande
-Galerie, à la travée de la peinture espagnole.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 2.05.--Largeur: 1.66.--_Figure à mi-corps, grandeur naturelle._
-
-
-
-
-REMBRANDT
-
-LES PÈLERINS D’EMMAÜS
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Les Pèlerins d’Emmaüs_
-
-
-On connaît la légende évangélique: deux disciples du Christ, peu de
-temps après sa mort, cheminent de compagnie sur les routes brûlantes
-de la Galilée. Chemin faisant, ils évoquent la grande figure du Maître
-disparu et se remémorent la longue suite de ses miracles, l’horreur
-de son supplice, le prodige de sa résurrection. Harassés de fatigue,
-ils frappent à la porte d une hôtellerie et demandent à manger. A
-leur lassitude se mêle un peu de découragement. Que deviendront-ils,
-maintenant que le Maître est parti? Le reverront-ils encore? Ils ne
-croient pas que le miracle soit possible et, dans leur douleur, ils se
-lamentent. Et voilà, que soudain, à cette table où ils se trouvent,
-une lueur jaillit et le Christ apparaît, assis entre eux, avec son
-majestueux et doux visage, comme au temps où il vivait au milieu de ses
-disciples.
-
-C’est cette scène, d’une touchante poésie, que Rembrandt a traitée dans
-le tableau reproduit ici. Le peintre a choisi le moment où le miracle
-vient de s’accomplir. Le Christ est apparu et autour de lui flotte
-encore cette clarté céleste qui a précédé sa venue.
-
-Devant une table en X, couverte d’une nappe posée sur un tapis, le
-Christ est assis, ayant à côté de lui les deux _Pèlerins d’Emmaüs_.
-Un serviteur debout s’apprête à poser sur la table un plat chargé de
-mets. L’Homme-Dieu est vêtu d’une longue robe qui laisse apercevoir,
-sous la table, les jambes et les pieds. Sa tête, nimbée d’une auréole,
-est légèrement inclinée à droite; les longues boucles de sa chevelure
-blonde retombent de chaque côté des épaules. Entre ses mains, il tient
-le pain qu’il rompt et bénit. L’attitude et les expressions de visage
-des pèlerins trahissent l’amour, la surprise heureuse, l’adoration des
-disciples reconnaissant en leur hôte leur Maître bien-aimé. D’une haute
-fenêtre qu’on ne voit pas tombe une lumière délicate qui jette une
-lueur dorée sur cet épisode évangélique; tout l’éclat en est concentré,
-avec un art supérieur, sur la table où vient de s’accomplir le miracle.
-Maître incomparable dans le maniement du clair-obscur, Rembrandt a
-animé ses ombres les plus profondes d’une chaude luminosité qui les
-rend transparentes.
-
-Rembrandt n’est pas seulement un alchimiste de la couleur, un magicien
-de la lumière, un faiseur de tours de force pyrotechniques tirant,
-comme on dit, des coups de pistolets dans les caves; il possède au
-plus haut degré le sentiment humain, religieux et pathétique. Avec
-des formes parfois communes, triviales, manquant de noblesse comme
-dessin, car sa couleur est toujours d’une rare distinction, il parvient
-à exprimer les nuances les plus délicates de l’âme. Quelle onction,
-quelle majestueuse douceur, quelle tendresse dans ce visage du Christ,
-quelle profondeur de pensée dans son regard! Et comme l’admiration
-est traduite magnifiquement sur les traits un peu vulgaires de ses
-disciples!
-
-Peu de sujets ont été aussi fréquemment interprétés que la scène
-légendaire des _Pèlerins d’Emmaüs_. Les plus grands maîtres l’ont
-abordée, notamment les Vénitiens, et parmi eux, Titien et Véronèse.
-
-Avec cette liberté vénitienne qui se permettait tous les anachronismes,
-Titien ne craignit pas d’introduire dans son tableau des personnages
-considérables de son époque. Véronèse, lui, y fait figurer sa propre
-femme, des enfants qui jouent, des épagneuls qui gambadent.
-
-Il ne saurait être question ici de comparer des œuvres si différentes.
-Celle de Titien a de la gravité, sa composition est admirable et son
-coloris tel qu’on peut l’attendre de ce prestigieux artiste; dans le
-tableau de Véronèse, tout est charmant, gracieux, d’une harmonie et
-d’une fantaisie adorables.
-
-Mais chez les peintres de Venise, le sentiment religieux n’est jamais
-très profond; on devine qu’une renaissance d’idées et d’impressions a
-soufflé sur ce coin de terre. Pour être réellement chrétienne, leur âme
-est trop éprise des splendeurs orientales amenées par les felouques
-musulmanes dans le grand port de l’Adriatique.
-
-Dans les pays du Nord, au contraire, la foi reste très vive; le
-tempérament septentrional ressent plus profondément la poésie des
-symboles chrétiens; la grisaille du ciel, la tristesse des jours
-brumeux favorise les longs rêves et incite aux pensées pieuses. Aussi
-est-ce dans le Nord que les scènes religieuses ont trouvé leurs plus
-sincères, sinon leurs plus éloquents interprètes.
-
-Et lorsque, par miracle, cette ferveur mystique guide une main
-puissante comme celle de Rembrandt, lorsqu’elle saisit une âme de cette
-trempe, un génie de cette envergure, l’œuvre qui naît de cet accord
-atteint aussitôt à la sublimité.
-
-_Les Pèlerins d’Emmaüs_ appartenaient, vers le milieu du XVIIIe siècle,
-au bourgmestre Six, d’Amsterdam. A la vente qui suivit sa mort, le
-tableau fut adjugé 170 florins. Il fut acheté ensuite, en 1770, par
-Louis XVI, à la vente du fermier général Randon de Boisset, pour une
-somme de 10.500 livres. Il figure aujourd’hui dans la grande galerie du
-Louvre, à la travée réservée aux œuvres de Rembrandt.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.68.--Largeur: 0.65.--_Figures: 0.34._
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-
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-BOUCHER
-
-SUJET PASTORAL
-
-SALLE DU XVIIIe SIÈCLE
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-[Illustration]
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-_Sujet Pastoral_
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-
-Au pied d’un arbre au feuillage d’un vert sombre, se détachant en
-vigueur sur l’azur du ciel, un berger et une bergère sont assis.
-Berger et bergère à figure fine, aux vêtements soignés, paysans
-de convention tels que les comprenait le XVIIIe siècle élégant et
-pomponné, bien faits pour plaire à la société d’alors, monde de cour
-qui ne connaissait de la campagne que les majestueux ombrages de
-Versailles. Le berger est assis sur un tertre de gazon; l’un de ses
-bras, passé autour du cou de la jeune fille, s’appuie sur son épaule;
-sa main droite joue avec un oiseau apprivoisé, dont on aperçoit la
-cage ouverte à droite du tableau. Sur ses jambes chaussées de bleu est
-jetée négligemment la veste rouge dont il s’est dévêtu. Elle, tout
-près de lui, un coude appuyé sur le genou de son compagnon, tresse
-une couronne de feuillage, mais toute son attention se porte vers les
-ébats de l’oiselet et peut-être plus encore vers le joli visage de
-l’ami tendrement penché sur elle. Quelle ravissante figure de femme,
-fine, délicate, rosée et combien joliment encadrée par le double
-réseau de ses tresses blondes! N’est-ce bien pas plutôt une élégante
-marquise de la Cour qui joue pour s’amuser un rôle de bergère? On
-le croirait vraiment à voir ses mains blanches finement attachées à
-des bras bien tournés et ses pieds menus, parfaits, d’une pureté de
-lignes qui trahit la race. Et quel costume pour une simple paysanne!
-Un corsage de couleur tendre largement échancré sur la poitrine et
-une jupe que l’on jurerait être en satin. Entre eux, une corbeille
-remplie de roses semble indiquer que ce couple charmant a des loisirs
-et que la surveillance du troupeau ne l’absorbe guère. Leurs moutons
-sont particulièrement dociles; on les aperçoit, à gauche de la toile,
-très sagement couchés dans l’herbe, laissant aux jeunes amoureux toute
-licence de se conter fleurette.
-
-Quelle charmante fraîcheur dans ce tableau où tout est combiné pour la
-joie du regard, et quelle prodigieuse habileté dans cet art de Boucher
-qui joue avec les couleurs comme un vrai magicien! Rien de heurté,
-rien de choquant: le vert, le bleu, le rouge se marient dans une
-harmonie parfaite. Et quelle science de la composition! Tout l’intérêt
-de la scène se concentre bien sur les deux jeunes gens, mais laisse à
-l’esprit assez de liberté pour lui permettre de goûter la beauté du
-paysage et la fantaisie du détail.
-
-Boucher aimait peindre les pastorales. On trouve dans son œuvre
-quantité de sujets empruntés à la vie champêtre, ou du moins à cette
-vie conventionnelle des champs où les bergères ont des houlettes
-garnies de rubans et des robes à paniers. Convention qui ne trompe
-personne, mais que chacun accepte volontiers parce que la vie d’alors
-ne se conçoit pas sans élégance et que l’on trouve haïssable tout ce
-qui n’est pas joli et parfumé. Et ces bergeries, ces contrefaçons de
-pastorales, l’engouement de la Cour et de la ville les consacre, la
-mode s’en mêle, et bientôt nous verrons s’élever, sur les pelouses
-de Trianon, des fermes en miniature où des duchesses et des reines
-viendront par jeu jouer à la paysanne et baratter le beurre.
-
-En réalité, Boucher n’a été que le traducteur de l’état d’âme d’une
-époque et, pour le juger équitablement, il faut se reporter à cette
-époque, en connaître les aspirations, les goûts, la voir avec les yeux
-de ceux qui la vécurent. Alors, toute prévention disparaît et l’on est
-en état d’admirer sans réticence ses fantaisistes paysanneries; alors
-apparaît dans toute son ampleur le prestigieux talent de l’artiste.
-
-«Les _Pastorales_ de Boucher, écrit Théophile Gautier, vous font entrer
-dans ce monde idyllique inventé par lui à l’usage du XVIIIe siècle,
-le moins champêtre des siècles, en dépit de ses prétentions bocagères.
-Les moutons sont savonnés, les bergères ont des corsets à échelles de
-rubans et des teints qui ne se sentent pas du hâle campagnard, et les
-bergers ressemblent à des danseurs d’Opéra. Mais tout cela est d’une
-séduction irrésistible et d’un mensonge plus aimable que la vérité.»
-
-Boucher avait un véritable tempérament de peintre, d’une invention
-inépuisable, d’une facilité prodigieuse et d’une exécution qui est
-toujours celle d’un artiste, même dans les œuvres les plus lâchées.
-Sans doute il abusa de ces dons précieux, mais la prodigalité n’est
-permise qu’aux riches, et pour jeter de l’or par les fenêtres il
-faut en avoir. Boucher a suffi, sans descendre jamais au-dessous de
-lui-même, au plus effroyable gaspillage de talent pendant une longue
-carrière d’artiste. Faire le catalogue de son œuvre est presque
-impossible. Boucher a peint des plafonds, des dessus de porte, des
-trumeaux, des portraits, des mythologies, des bergerades, des paysages,
-des décorations d’Opéra, des modèles de tapisseries; il a orné des
-clavecins, des paravents, des cabinets, des chaises à porteurs, des
-voitures de gala. Son pinceau facile était prêt à tout et, quoi qu’il
-fît, il y mettait une grâce, un charme, une fleur de coloris que
-personne ne possédait à ce degré.
-
-La _Pastorale_ fut exécutée en 1763. Après avoir passé en différentes
-mains, elle fut acquise sous Louis XVI pour le compte de la Couronne.
-Elle entra par la suite au Louvre, qu’elle n’a plus quitté et elle y
-figure dans la magnifique salle du XVIIIe siècle où se trouve la plus
-grande partie des œuvres de Boucher.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.94.--Largeur: 0.74.--_Figures: 0.62._
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-
-GÉRARD DAVID
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-LES NOCES DE CANA
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-SALLE VAN EYCK
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-[Illustration]
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-_Les Noces de Cana_
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-La scène se passe dans une maison de Bruges, sur la place du Saint-Sang
-dont on aperçoit, par les fenêtres ouvertes, les constructions
-gothiques. La table du festin, qui occupe la salle presque entière,
-est couverte de plats, de coupes et de fruits. Il ne semble pas,
-cependant, que les convives se préoccupent beaucoup de leur nourriture;
-leur attitude grave, recueillie, leur donne plutôt l’air de fidèles
-priant dans un temple. L’artiste a sans doute voulu peindre ses
-personnages à la minute solennelle où va s’opérer le miracle. Tous, en
-effet, paraissent tourner leur attention vers le premier plan, où les
-serviteurs constatent que les brocs et les jarres ne contiennent plus
-de vin. A la porte de la salle, un jeune page se presse, portant un
-gâteau sur un plat, mais nul n’y prend garde, dans l’anxieuse attente
-de l’événement.
-
-Au centre de la table se trouve la mariée, blonde Flamande aux traits
-réguliers, couverte de joyaux, qui baisse modestement les yeux et
-croise ses mains sur sa robe pourpre d’épousée. A côté d’elle et autour
-de la table, les convives, presque tous des femmes, sont rangés et leur
-attitude est aussi composée que la sienne. A deux rangs à droite de la
-mariée, la Vierge, les mains jointes, la tête illuminée d’une auréole,
-se penche vers son Fils et semble le prier d’accomplir le miracle. Le
-Christ l’écoute, les yeux baissés. Son visage est celui que la peinture
-flamande a adopté, à la suite de Jean van Eyck: une figure longue,
-émaciée, terminée par une courte barbe à deux pointes et encadrée
-d’une large chevelure blonde divisée sur le front en deux bandeaux.
-
-Le Christ a levé la main dans la direction des jarres vides. C’est la
-minute décisive: le légendaire prodige va se réaliser.
-
-En dehors des convives, le miracle aura d’autres témoins: à gauche, au
-premier plan, agenouillé sur les dalles, le donateur du tableau; il
-porte l’habit rouge et le manteau noir doublé de fourrures des prévôts
-de la confrérie du Saint-Sang; derrière lui, on aperçoit son jeune
-fils, agenouillé également et les mains jointes. De l’autre côté de la
-toile et dans la même attitude se trouve la donatrice. Par une fenêtre
-de la salle, un moine suit d’un œil intéressé les péripéties de la
-scène.
-
-Il y a loin de ce repas de noces à celui de Paul Véronèse, si débordant
-de lumière, de vie, de mouvement et si somptueux de décoration. Les
-pays sont différents, les époques aussi. La Renaissance est encore
-loin, nous sommes devant l’œuvre d’un Primitif et d’un Flamand. C’est
-la période gothique de la peinture, celle où la composition est encore
-malhabile, le dessin hiératique, les anatomies imprécises. On y peut
-relever quelques fautes, comme les bras de la jeune fille placée à
-la droite du Christ, bras évidemment trop courts pour la longueur du
-corps. Mais, en balance de ces erreurs minimes, quel art déjà dans le
-groupement des personnages qui permet à l’artiste de situer, sur une
-toile de dimensions restreintes, dix-neuf figures et un paysage! Chacun
-des personnages est très exactement à sa place et, si, au premier
-abord, la toile semble manquer de perspective, il n’en faut accuser que
-la tache vive de la nappe, qui tend à confondre les plans.
-
-Ce qu’il convient d’admirer surtout dans ce tableau, c’est la vérité
-des attitudes et l’expression supérieurement rendue des physionomies.
-Chez les peintres flamands de l’époque primitive, le plus implacable
-réalisme s’allie à la recherche de l’expression dramatique. Même dans
-les sujets religieux, ils voient avec leurs yeux bien plus qu’avec leur
-âme. Ils copient la nature, mais sans l’idéaliser: leur seul objectif
-est de faire vrai et ne va pas au delà.
-
-Dans le tableau de Gérard David, cependant, on devine un effort marqué
-vers l’idéalisation. Ses figures de femmes ne sont ni belles ni
-exemptes de vulgarité, mais l’artiste a su imprimer à leurs traits une
-onction, une sereine poésie qui fait oublier leur laideur.
-
-Et que dire de la couleur? Gérard David possédait à un degré rare
-le don d’allier les couleurs les plus vives, les tonalités les plus
-violentes sans les faire se heurter. Les rouges ardents et les verts
-aveuglants se marient avec des jaunes qui flamboient. En des mains
-inhabiles, ces rutilances entraîneraient la cacophonie: sous sa
-palette prestigieuse, tout se fond, tout s’harmonise en des ensembles
-équilibrés et chatoyants.
-
-Gérard David, contemporain de Van der Weyden, jouit, de son vivant,
-d’une grande réputation, mais sa mémoire souffrit, comme celle de tous
-les Flamands, du discrédit où tomba, dans les générations suivantes,
-ce qu’on appelait dédaigneusement l’art gothique. Et lorsque arriva
-l’heure de la réhabilitation, beaucoup d’œuvres du grand artiste, qui
-n’étaient pas signées, furent attribuées tour à tour à Jean Van Eyck, à
-Rogier Van der Weyden, à Thierry Bouts et plus fréquemment à Memling.
-C’est évidemment à ce dernier que s’apparente le plus l’art de Gérard
-David, par sa grâce, sa poésie et sa tendance vers l’idéal.
-
-_Les Noces de Cana_ furent longtemps attribuées à l’illustre peintre de
-_la Châsse de sainte Ursule_, et c’est sous le nom de Memling que nous
-voyons ce tableau désigné dans les inventaires de l’Empire.
-
-Ce tableau avait été acheté par Louis XIV, pour 15.000 livres, au
-banquier Jabach. Depuis cette époque, il n’a pas quitté les galeries
-nationales. Il figure aujourd’hui au Louvre, dans la Salle Van Eyck.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.96.--Largeur: 1.28.--_Figures: 0.60._
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-
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-
-NATTIER
-
-MADEMOISELLE DE LAMBESC
-ET LE COMTE DE BRIONNE
-
-SALLE LA CAZE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Mademoiselle de Lambesc et le comte de Brionne_
-
-
-Devant une draperie relevée et fixée à une colonne, Mlle de Lambesc
-est assise sur un fauteuil rocaille. Son corps est de trois quarts,
-légèrement tourné vers la droite et son beau visage, au regard
-impérieux, est vu de face. Elle porte un costume mythologique, suivant
-la mode usitée dans les portraits de cette époque: un grand manteau
-bleu couvre le bas du corps, et son corsage blanc décolleté est
-maintenu autour de la taille par un corselet à mailles d’or; sur son
-épaule gauche est jetée une peau de tigre. Les bras et le cou sont
-d’un admirable modelé; sortant des plis de la robe, un petit pied
-nu apparaît tout rose sous les cordons de l’étroite sandale. De la
-main droite, elle maintient un casque sur ses genoux, pendant que de
-la gauche elle achève de boucler la cuirasse de son jeune frère, le
-comte de Brionne. Celui-ci, très bel enfant à figure poupine, se tient
-de face, la tête légèrement inclinée: sous la cuirasse il porte un
-justaucorps jaune, sur lequel passe une écharpe blanche qui supporte
-l’épée. La main gauche avancée tient la hampe d’un étendard rouge. A
-gauche sont disposés des attributs militaires, symboles de la noble
-carrière des armes et de la gloire promise au jeune héros. Sur la peau
-d’un tambour, posé à droite, on lit l’inscription: _Nattier pinxit,
-1732_.
-
-Mlle de Lambesc appartenait à la maison de Lorraine qui avait en
-quelque sorte accaparé Nattier au moment où s’affirma sa vogue.
-Celui-ci peignit plusieurs fois les divers membres de cette puissante
-famille. Sa réputation de portraitiste attira sur lui l’attention
-royale. Louis XV, ravi de cet art chatoyant et gracieux, lui fit
-peindre successivement la reine, ses maîtresses, ses filles et
-lui-même. Dans toutes ces œuvres, Nattier apporta le même souci
-d’embellir ses modèles et de les parer de tous les attributs capables
-de les flatter. Il excellait d’ailleurs à peindre les femmes; la
-finesse de son dessin, la délicatesse de son coloris se prêtaient
-admirablement à traduire la grâce des belles épaules nues et la
-somptuosité des ajustements de cour.
-
-_Mlle de Lambesc et le comte de Brionne_ date de la belle époque du
-peintre qui était dans la pleine maturité de son talent. Cette œuvre
-n’est pas seulement un superbe portrait, d’un gracieux agencement et
-d’un harmonieux coloris, elle nous révèle en même temps les goûts du
-monde aristocratique que Nattier s’appliqua toujours à flatter.
-
-«Il s’attacha, écrit M. Pierre de Nolhac dans sa belle étude sur
-Nattier, à ce que l’on appelait «le portrait historique», arrangement
-parfois puéril, souvent ingénieux par quoi on transforme un modèle
-grâce au costume et aux accessoires, en héros de la Fable, en divinité
-ou en figure allégorique. Depuis longtemps, l’art français avait
-admis cette idéalisation du portrait. Elle était étrangère, sans
-doute, au crayon comme au pinceau des Clouet, de Corneille de Lyon, de
-Dumonstier, fidèles observateurs de la nature, qui rend les parements
-d’un habit avec le même scrupule que les traits du visage; mais la
-manie d’apothéose dont le Grand Roi fut atteint dès sa jeunesse,
-s’étendit à tout son entourage. Le fameux tableau de Nocret où toute
-la famille royale jouait ses rôles dans un Olympe dont Louis XIV
-était le Jupiter, avait été imité, réduit, transposé à l’usage des
-plus modestes modèles. Les femmes surtout, avec leur goût coutumier
-de l’artificiel, sollicitaient des peintres cette flatterie que leur
-prodiguaient les poètes. Alors que les dévotes adoptaient pour leur
-image le costume d’une sainte de leur choix, la plupart des femmes
-de qualité se faisaient peindre en Diane, en Minerve, en Cérès,
-n’osant toujours arborer orgueilleusement la ceinture étincelante de
-Vénus. Saint-Simon dit parfois, du ton le plus naturel du monde, que
-telle duchesse occupait «un rang dans les nues»; il s’agit des nues
-glorieuses de l’Olympe de Versailles que le peintre avait mission de
-figurer réellement par son pinceau.»
-
-Scrupuleux observateur de la mode, Nattier plaça tous ses modèles «dans
-les nues», et les peignit avec les attributs des divinités olympiennes.
-Mlle de Lambesc est représentée en Minerve, Louise-Henriette de Bourbon
-en Hébé, Mme de Châteauroux en Point du Jour, Mme de Flavacourt en
-Silence. L’allégorie alterne avec la mythologie. Chargé de peindre les
-quatre filles de Louis XV, il choisit pour les personnifier les quatre
-éléments: la Terre, c’est Mme Infante; le Feu, Mme Henriette; l’Air,
-Mme Adélaïde; l’Eau, Mme Victoire.
-
-Par un de ces revirements étranges que les fluctuations de la mode
-peuvent seules expliquer, Nattier, après avoir joui d’une grande
-vogue, tomba soudain dans le discrédit le plus complet et connut la
-misère. Cette défaveur le suivit jusque dans la mort et c’est à notre
-siècle que revient l’honneur d’avoir rendu justice à celui que Gresset
-appelait «le peintre des Grâces et de la Beauté».
-
-Bien que peint en 1732, le portrait de _Mlle de Lambesc_ figura au
-premier Salon du Louvre qui s’ouvrit aux artistes, en septembre 1737.
-Il portait comme titre: _Mlle de Lambesc, de la maison de Lorraine,
-sous la figure de Minerve, armant et destinant M. le comte de Brionne,
-son frère, au métier de la guerre_.
-
-Ce tableau, par une heureuse fortune que ne connurent pas tant d’autres
-œuvres de Nattier aujourd’hui disparues, trouva en M. La Caze un
-amateur éclairé qui le sauva des aventures en l’achetant. Il est entré
-au Louvre avec les autres toiles de cette incomparable collection.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.91.--Largeur: 1.59.--_Figure grandeur nature._
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-
-RAPHAËL
-
-JEANNE D’ARAGON
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
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-
-
-_Jeanne d’Aragon_
-
-
-Jeanne d’Aragon était fille de Ferdinand d’Aragon, duc de Montalte
-et petite-fille de Ferdinand Ier, roi de Naples. Sa beauté était
-célèbre dans toute l’Italie, son esprit ne l’était pas moins; les
-poètes chantèrent l’un et l’autre en strophes enflammées. On disait
-couramment, en parlant d’elle, la _diva signora_, et de fait, elle
-réalisait le type le plus parfait de l’élégance et de la grâce
-féminines au XVIe siècle. Toute jeune, elle épousa le prince Ascanio
-Colonna, qui fut grand connétable de Naples. Ce grand seigneur était
-bien différent de sa jeune femme: autant Jeanne d’Aragon était fine
-et cultivée, autant son époux avait de rudesse et d’ignorance. Soldat
-avant tout, ses agréments extérieurs déguisaient mal son âme de
-condottière; il était emporté, brutal, et, comme chez tous les hommes
-de son temps, il y avait en lui quelque chose du reître batailleur.
-L’histoire l’accuse de s’être montré d’une excessive dureté pour sa
-femme et ses enfants, qu’il tyrannisait et traitait de façon odieuse.
-Aussi rusé que violent, il passa sa vie à intriguer, à conspirer, à
-trahir ses maîtres. Il finit par subir la peine de ses fautes et il
-mourut en 1577, après de longues années d’une captivité très dure. L’un
-de ses fils, Marc Antonio, soldat comme son père, se couvrit de gloire
-à la bataille de Lépante.
-
-Dans le portrait que nous donnons ici, Jeanne d’Aragon est représentée
-à la période heureuse de son existence. Elle est dans tout l’éclat de
-sa royale beauté et de sa triomphante jeunesse. Le malheur n’a pas
-encore éteint le sourire qui flotte sur ses lèvres, sourire de jeune
-femme qui aime et est aimée.
-
-La splendeur du modèle était digne du génie du peintre. En aucun de ses
-portraits, Raphaël n’a égalé la puissance de séduction ni la maîtrise
-prodigieuse que l’on constate en celui-ci. Autour de ce charmant
-visage, il a accumulé les accessoires luxueux, les pierreries, les
-brocarts et les velours, de même que dans les temples on entoure les
-idoles d’ornements précieux. Et telle est la prestigieuse habileté de
-l’artiste qu’il a su laisser dans une demi-pénombre tous ces détails,
-et les fondre, pour ainsi dire, dans une sorte de nuage pourpre sur
-lequel se détache, en relief, la délicate et ravissante image.
-
-Quand on aborde un génie comme Raphaël, quelle que soit l’œuvre, les
-mots sont impuissants pour traduire l’impression éprouvée. Quelque
-genre qu’il ait traité, fresques, peintures mythologiques, madones
-ou portraits, on le retrouve toujours égal à lui-même, c’est-à-dire
-supérieur à tous les autres. Il reste incontestablement le prince de la
-peinture de tous les temps.
-
-Le portrait de _Jeanne d’Aragon_ a inspiré des pages enthousiastes aux
-critiques de tous les pays. Nous ne citerons ici que Théophile Gautier:
-
-«Le portrait de _Jeanne d’Aragon_, écrit-il, est une de ces œuvres
-qui, outre leur mérite d’art, ont un attrait de fascination. Il est
-impossible, à qui l’a vu une fois, de l’oublier. Jeanne d’Aragon reste
-dans le souvenir comme un de ces types de la perfection féminine qu’on
-rêve et qu’on désespère de rencontrer en cette vie. La princesse
-est représentée de trois quarts, coiffée d’un chaperon de velours
-incarnadin constellé de pierreries, vêtue d’une robe de même étoffe
-et de même couleur, une main posée sur le genou et l’autre repoussant
-un pli de fourrure qui lui couvre l’épaule. Le fond est une salle
-de riche architecture ouvrant sur les jardins. La tête, encadrée de
-longs cheveux blonds ondés et bouffants, se distingue par la finesse
-aristocratique et l’élégance patricienne du type. C’est une beauté
-princière dans toute la force du mot et l’imagination placerait à côté
-d’elle un blason royal, quand même on ne saurait pas qu’on a devant les
-yeux Jeanne d’Aragon, fille de Ferdinand d’Aragon et mariée au prince
-Ascanio Colonna, connétable de Naples. Heureux Ascanio, d’avoir possédé
-l’original d’une telle copie! Les mains, d’une pureté de race extrême,
-sont les plus belles qu’on puisse voir et la chaude richesse du velours
-fait encore valoir leur blancheur.»
-
-On raconte que Raphaël n’aurait pas peint son modèle d’après nature
-et qu’il aurait envoyé un de ses élèves à Naples pour y préparer le
-portrait; il n’en aurait d’ailleurs exécuté de sa propre main que la
-tête. Le reste aurait été achevé par Jules Romain, d’après le carton du
-maître. Mais le temps a passé son pouce harmonieux sur l’ensemble et il
-est bien difficile aujourd’hui de distinguer l’œuvre du maître de celle
-du disciple. Jules Romain est lui-même un peintre de premier ordre et
-lorsque, par dévouement d’élève, il s’absorbe dans la personnalité de
-Raphaël, croyez qu’il n’y gâte rien. Au surplus, il n’est pas téméraire
-d’affirmer que Raphaël dut surveiller lui-même tout le détail de
-l’exécution.
-
-Ce magnifique portrait, peint vers 1518, fut offert à François Ier par
-le cardinal Bibienna, qui le fit porter à Fontainebleau. Il fut placé
-dans la galerie d’Apollon, sous Henri III. Il figure aujourd’hui dans
-la grande galerie du Louvre, réservée aux œuvres de Raphaël.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.20.--Largeur: 0.95.--_Figure à mi-corps, grandeur nature._
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-P.-P. RUBENS
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-LA KERMESSE
-
-GRANDE GALERIE
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-[Illustration]
-
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-
-_La Kermesse_
-
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-La scène se passe en pleine campagne flamande, devant une de ces
-auberges voisines du village dont on aperçoit le clocher, là-bas,
-à travers les arbres. Haltes pour les rouliers qui sillonnaient
-les routes au temps jadis, ces auberges servaient également de but
-de promenade, le dimanche, aux paysans qui venaient s’y gorger de
-victuailles et de bière; on y célébrait aussi les noces villageoises,
-autour de tables disposées en plein air où pouvait s’épanouir à l’aise
-la grosse joie des goinfreries.
-
-C’est bien une noce de village qu’a voulu représenter Rubens; c’est
-le titre primitif de son tableau, que l’on a, par la suite, appelé
-_la Kermesse_. Ce genre de peinture a toujours sollicité les artistes
-flamands, par son pittoresque, sa jovialité. Beaucoup d’entre eux,
-comme Teniers, van Steen, van Ostade s’y sont spécialisés et y ont
-gagné une gloire durable. Rubens n’a abordé ce sujet que par hasard,
-mais, sous sa main puissante, l’épisode vulgaire prend des allures
-d’épopée, la gaîté devient du délire, le mouvement de la frénésie; on
-est séduit, saisi, entraîné dans la ronde folle des maritornes et des
-buveurs.
-
-Au centre, un paysan à la face allumée embrasse une femme renversée
-sur l’herbe; à côté, un couple semble se disputer un pot de bière. Sur
-des bottes de paille, des mères donnent le sein à leurs nourrissons,
-et une vieille femme donne à boire à un jeune enfant. A gauche,
-devant l’auberge, des convives avinés sont assis autour des tables;
-l’un d’eux, terrassé par l’ivresse et le sommeil, est affalé devant
-son verre, tandis que les autres gesticulent et crient. Deux paysans
-cherchent à s’arracher un broc de bière; un autre, émoustillé par la
-boisson, lutine deux plantureuses commères. A droite se trouve une
-mare sur laquelle nagent deux canards, un tonneau vide y flotte aussi;
-sur le bord, un baquet qu’un chien explore activement, dans l’espoir
-d’y trouver des reliefs. Au fond, entraînée par deux musiciens montés
-sur une table, se déroule une ronde échevelée, délirante, cohue d’un
-mouvement prodigieux où l’œil effaré n’aperçoit que torses tendus,
-croupes bondissantes, jambes levées, jupes envolées.
-
-Rubens seul était capable de faire une œuvre de génie avec des éléments
-aussi vulgaires. Dans cette composition où s’agite une multitude de
-personnages, chacun d’eux est une petite merveille d’observation et
-de naturel. Toute la Flandre campagnarde, exubérante et jouisseuse, y
-est peinte magistralement, avec un art qui ne le cède en rien à celui
-de la _Descente de Croix_ ou de la _Vie de Marie de Médicis_. Et dans
-cette toile, quelle splendeur de coloris! Rubens y a dépensé toute la
-fougue de sa flamboyante palette: c’est le plus prodigieux assemblage
-de trognes vermillonnées, de chairs colorées, de costumes disparates
-fondant leurs teintes violentes dans la frénésie de la ronde et aussi
-dans l’harmonieuse chaleur du paysage.
-
-Ce chef-d’œuvre a inspiré à Théophile Gautier, qu’il faut toujours
-citer en matière d’art, l’éloquente page suivante:
-
-«La _Kermesse_, c’est le génie même de Rubens, débarrassé de toute
-contrainte allégorique ou mythologique et s’ébattant en pleine liberté
-dans la joie et l’ivresse flamandes. Mais n’ayez pas peur qu’accoudé
-près du pot où mousse la bière, il devienne un paisible et flegmatique
-Teniers. Quand Rubens s’amuse, il a de formidables gaîtés de Titan, et
-sa puissance est la même pour une précipitation d’anges ou de damnés
-que pour une ronde de buveurs. Devant la porte du cabaret, il a pris la
-foule chancelante et il l’a nouée en une immense guirlande qui tourne,
-comme un zodiaque ivre, dans une ronde folle, les bras enlacés, les
-mains se retenant aux mains, avec une incroyable variété d’attitudes et
-de torsions, les pieds lourds battant le rythme et soulevant une chaude
-brume de poussière. Quelle vie, quelle turbulence, quelle explosion de
-joyeuse bestialité! Comme la santé crève sur les joues rouges de ces
-commères rebondies! Avec quelle ardeur ces robustes garçons fourragent
-les opulents appas de ces grosses femelles! Il faut que tout entre
-dans la danse, même les vieilles, et la ronde tourne à perdre haleine
-à travers les cris, les huées, les chants. C’est ignoble et c’est
-superbe, car c’est la bacchanale du génie.»
-
-La _Kermesse_ appartenait, vers le milieu du XVIIe siècle, au marquis
-d’Hauterive. Louis XIV l’avait vue et l’admirait beaucoup. Malgré
-ses préférences pour la peinture noble, qui lui faisaient traiter
-dédaigneusement de «magots» les personnages de Teniers, le grand
-Roi discernait fort bien l’incomparable valeur de cette toile.
-Aussi, lorsqu’eut lieu, en 1665, la vente du marquis d’Hauterive,
-s’empressa-t-il de l’acquérir pour 3.850 livres. Depuis cette époque,
-la _Kermesse_ n’a plus quitté le patrimoine national: elle figure
-aujourd’hui dans la grande galerie du Louvre, à la travée des peintres
-flamands.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.49.--Largeur: 2.61.--_Figures: 0.44._
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-
-SIR THOMAS LAWRENCE
-
-PORTRAIT DE M. ET Mme ANGERSTEIN
-
-GRANDE GALERIE
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-[Illustration]
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-
-_Monsieur et Madame Angerstein_
-
-
-Monsieur et Madame Angerstein se tiennent sur une terrasse d’où l’on
-aperçoit les arbres du jardin avec, au fond, une échappée sur la
-campagne. Mme Angerstein est assise dans une chaise de rotin: son fin
-visage, dont la beauté fut célèbre en Angleterre, est coiffé d’un
-turban d’étoffe légère, d’où s’échappent les boucles d’une chevelure
-cendrée. Sa robe est faite de linon blanc, presque vaporeux, croisé
-sur la poitrine en forme de châle, suivant la mode du temps. Une
-ceinture rouge serre sa taille; sur ses genoux est négligemment jetée
-une écharpe de gaze noire dont l’extrémité pend jusqu’au sol. A côté
-d’elle, et un peu en arrière, M. Angerstein se tient debout, la main
-gauche appuyée au dossier du fauteuil. Sur la blancheur de sa haute
-cravate et de son gilet de casimir, son habit rouge, boutonné à
-l’anglaise, fait une tache vive; il porte une culotte de velours, des
-bas blancs et des souliers à boucles. La jambe droite est légèrement
-portée en avant.
-
-Lawrence avait peint plusieurs fois les divers membres de la famille
-Angerstein, d’abord un délicieux profil de Mme Angerstein avec ses
-blonds cheveux ébouriffés sur sa tête fine, puis M. Angerstein seul,
-solide et encore élégant malgré l’envahissement de l’embonpoint, et
-enfin le magnifique portrait que nous venons de décrire.
-
-Parcourir l’œuvre de Lawrence, c’est faire défiler devant soi tous les
-personnages illustres ou considérables de l’Angleterre, à la fin du
-XVIIIe siècle et au commencement du XIXe. Son extraordinaire habileté
-lui valut de bonne heure les faveurs du roi et de la cour. A l’âge où
-d’autres étudient encore, il est déjà célèbre; à vingt-deux ans, il est
-reçu membre associé de l’Académie de peinture et titularisé deux ans
-plus tard. En 1792, la mort de Reynolds le laisse seul représentant de
-l’art du portrait en Angleterre; il recueille sa succession officielle
-et devient portraitiste ordinaire du roi. Tout ce que Londres compte
-d’éminent tient à se faire peindre par lui; les plus grandes dames du
-Royaume-Uni défilent dans son atelier. Le fils du pauvre cabaretier de
-Bristol est comblé d’honneurs, ses toiles se vendent à prix d’or; une
-ordonnance royale l’anoblit et le crée baronnet.
-
-Sa renommée a franchi le détroit; il jouit d’une réputation européenne.
-En 1815, quand le désastre de Waterloo a rendu la confiance à l’Europe
-terrifiée, le Régent envoie Lawrence sur le continent pour portraiturer
-tous les personnages, diplomates ou généraux, qui ont le plus contribué
-à la chute de Napoléon. Lawrence se rend à Aix-la-Chapelle, où siège
-le Congrès européen. De là, il va à Rome pour y peindre Pie VII,
-l’illustre pontife qui fut le prisonnier du conquérant. Il reste
-plusieurs années en Italie et, le jour même où il rentre à Londres, en
-1820, il est nommé président de l’Académie royale de peinture.
-
-Avec le recul du temps, l’étonnante fortune de Lawrence nous paraît
-avoir dépassé la réelle valeur du peintre. On ne peut s’empêcher de
-le comparer à Reynolds, et ce parallèle, il faut bien l’avouer, n’est
-pas à l’avantage de Lawrence. Il n’a pas la facture puissante de
-Reynolds ni son ferme dessin. Peut-être à cause de sa facilité, qui
-était prodigieuse, sa composition manquait de vigueur, sa couleur de
-solidité. Influencé sans doute par la manière de Boucher, exagérée
-encore par ses disciples et ses imitateurs, il tombe fréquemment dans
-l’afféterie et la fadeur.
-
-Il n’en reste pas moins un peintre d’une grande valeur dont le plus
-grand défaut fut d’être trop bien doué et de ne s’être pas assez défié
-de sa facilité. Aucun de ses portraits n’est médiocre; ce prodigieux
-gaspilleur de talent eut parfois des éclairs de génie: plusieurs de ses
-tableaux sont des chefs-d’œuvre.
-
-Quoique surfait, Lawrence n’a pas connu le discrédit de certains
-peintres, beaucoup trop admirés de leur vivant et remis par la
-postérité dans une place plus conforme à leur talent réel. C’est qu’il
-possède des qualités de premier ordre et qui sont de tous les temps. Il
-demeure comme le peintre modèle des élégances patriciennes. Il charmera
-et séduira toujours par sa finesse, par son raffinement de distinction,
-par la légèreté de la touche, la subtilité du ton, la grâce expressive
-et spirituelle des physionomies et des attitudes. Comme Nattier et
-Tocqué en France, il nous fait aimer cette époque charmante de la
-fin du XVIIIe siècle dont il semble avoir complaisamment souligné la
-délicate élégance et la précieuse beauté. Il ne faut donc pas hésiter à
-le classer, malgré ses quelques défauts, parmi les maîtres de l’école
-anglaise.
-
-Le portrait de _M. et Mme Angerstein_ compte parmi les meilleurs du
-grand artiste et le Louvre s’honore de le posséder. Il figure dans la
-grande galerie, à la travée de peinture anglaise.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 2.24.--Largeur: 1.58.--_Figure en pied, grandeur nature._
-
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-
-J.-F. MILLET
-
-LES GLANEUSES
-
-SALLE DE LA
-PEINTURE MODERNE
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-
-[Illustration]
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-_Les Glaneuses_
-
-
-Sous le soleil qui darde ses rayons, la plaine s’étend à l’infini,
-plate, uniforme, sans un vallonnement. Là-bas, tout près des meules
-qui se dressent, toute une équipe de travailleurs s’active à lier les
-gerbes, sous la surveillance d’un fermier à cheval. Mais on les devine
-plutôt qu’on ne les voit. Le drame n’est pas là, mais au premier plan,
-et ses protagonistes sont trois femmes qui, d’un geste anxieux et
-pressé, se courbent vers la terre pour ramasser les épis oubliés. Cette
-récolte demeurera leur salaire, et, sous la chaleur torride, la tête
-abritée sous une sorte de bonnet, elles se hâtent et continueront ainsi
-jusqu’à la fin du jour. Elles mettent leur maigre cueillette dans leur
-tablier noué en poche devant elles. L’une des femmes, debout, scrute
-le sol, pour y découvrir un épi à glaner; les deux autres, pliées à
-terre, ramassent les tiges qu’elles viennent d’apercevoir. C’est de
-la tristesse dans de la lumière et ces misérables silhouettes ont une
-émouvante grandeur. Cet épisode, banal en soi, de la vie des champs
-s’ennoblit d’une sorte de psychologie sociale où nous découvrons tout
-un côté de la misère humaine, celle du paysan, la plus dure peut-être
-parce qu’elle ne s’éclaire d’aucune joie et qu’elle se traîne dans
-l’éternelle et âpre lutte contre la terre.
-
-_Les Glaneuses_ figurèrent au Salon de 1857. Elles y firent sensation.
-Exalté par les uns, ce tableau fut décrié par le plus grand nombre.
-On voulut y voir un plaidoyer contre la misère du peuple. «Ce sont,
-écrivait Paul de Saint-Victor, _les Parques du paupérisme_.» Tant de
-sévérité nous confond aujourd’hui; c’est en vain que nous cherchons
-dans l’œuvre de Millet cet appel à la haine que certains y ont voulu
-voir, et nous n’apercevons, dans la sérénité de cette toile, que la
-résignation muette qui est la vertu du paysan.
-
-Nous possédons d’ailleurs une lettre de Millet à son ami Sensier, qui
-explique éloquemment la mélancolie générale de son œuvre: «Je vous
-avouerai, lui écrit-il, que c’est le côté humain qui me touche le plus
-en art, et si je pouvais faire ce que je voudrais ou tout au moins
-le tenter, je ne ferais rien qui ne fût le résultat d’une impression
-reçue par l’aspect de la nature, soit en paysages, soit en figures. Ce
-n’est jamais le côté joyeux qui m’apparaît, je ne sais pas où il est,
-je ne l’ai jamais vu. Ce que je connais de plus gai, c’est le calme,
-le silence dont on jouit si délicieusement dans les forêts ou dans
-les champs; vous m’avouerez que c’est toujours très rêveur, et d’une
-rêverie triste, quoique bien délicieuse. Dans les endroits labourés, et
-parfois dans des pays peu labourables, vous voyez des figures bêchant,
-piochant. Vous en voyez une de temps en temps, se redressant les reins
-et s’essuyant le front avec l’envers de sa main. «Tu gagneras ton pain
-à la sueur de ton front.» Est-ce là ce travail gai, folâtre, auquel
-certaines gens voudraient nous faire croire? C’est cependant là que se
-trouve pour moi la vraie humanité, la grande poésie.»
-
-Millet aimait le paysan, il en connaissait les gestes, les attitudes,
-il comprenait l’obscure mélancolie de son âme sans cesse rivée aux
-mêmes spectacles et aux mêmes pensées. Il l’aimait d’autant mieux qu’il
-était de sa race, fils de paysans lui-même, ayant bêché et labouré une
-terre ingrate, là-bas, sur la lande de Gréville, près de la mer. Et
-il s’est fait l’éloquent interprète des forçats de la terre, il les a
-peints à toutes les heures de leur morne existence, mais sans aucune
-arrière-pensée de révolte, avec l’unique souci de faire vrai.
-
-Millet aurait pu, comme bien d’autres, chercher ailleurs ses modèles
-et flatter le goût de son époque; héroïquement, il s’est obstiné dans
-cette voie où le public refusait de le suivre. Le paysan! Quelle beauté
-pouvaient trouver aux travaux de la terre les bourgeois amateurs de
-1850, et quel espoir qu’ils orneraient leurs galeries des misérables
-fendeurs de bois ou des batteurs de sarrasin? Aussi Millet, dont les
-toiles devaient atteindre plus tard des prix si fabuleux, eut-il à
-se débattre toute sa vie contre la misère. Dans sa pauvre demeure de
-Barbizon, il n’y eut pas toujours de quoi manger. Pendant une de ces
-périodes de détresse, son voisin et ami Théodore Rousseau lui acheta,
-sous un nom d’emprunt, son _Paysan greffant un arbre_, pour lui
-permettre de donner un peu de pain à sa famille. Un jour il écrit à un
-ami: «Il n’y a pas quarante sous à la maison, et voilà vingt ans que
-cela dure.» Contraint par la nécessité, il passe avec des marchands des
-traités désastreux: pour mille francs par mois, il abandonne tous les
-tableaux et dessins qu’il produira pendant trois ans. Et certains de
-ces tableaux se vendent aujourd’hui des centaines de mille francs.
-
-Millet est mort sans avoir pu assister à ce retour de gloire. Au
-surplus, sa haute figure n’est pas mieux comprise de la masse du
-public, mais on parle de lui avec le respect qu’inspirent toujours des
-chiffres très élevés.
-
-Le tableau des _Glaneuses_ fut acheté 2.000 francs par M. Binder. Il
-fut vendu très cher par M. Bichoffsheim à Mme Pomery, de Reims, qui
-le légua au Louvre en 1881. Il y figure dans la salle des Peintres
-modernes.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.82.--Largeur: 1.58.--_Figures: 0.48._
-
-
-
-
-FRANZ HALS
-
-LA BOHÉMIENNE
-
-SALLE HOLLANDAISE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_La Bohémienne_
-
-
-Ce tableau devrait s’appeler plus exactement la _Fille au marché_; il
-est, en effet, le portrait d’une marchande de poissons de Haarlem,
-qui posa très souvent dans l’atelier de Hals. La jeune femme est
-représentée à mi-corps. Elle est vêtue d’une robe rouge dont on
-n’aperçoit que la taille et les brides qui la maintiennent aux épaules.
-La chemise largement ouverte laisse apercevoir la poitrine et une
-partie des seins. Le visage, encadré d’une chevelure très opulente
-mais peu soignée, est d’une belle vulgarité paysanne qui ne manque
-pas de charme; la jovialité bien portante des filles du peuple s’y
-épanouit magnifiquement en un rire qui découvre les dents, anime les
-joues, bride les yeux. On a souvent épilogué sur la signification de
-ce sourire, où certains ont voulu voir de la cruauté ou du cynisme. A
-le regarder attentivement, on n’y aperçoit que la joie de vivre chez
-une créature saine et belle, expression traduite par le peintre d’une
-manière supérieure.
-
-Franz Hals fut d’ailleurs le peintre de la Hollande joyeuse et bien
-vivante. «Après Rembrandt, Franz Hals! La rayonnante gaîté après
-la mélancolie la plus profonde; le rire après la douleur... Ici,
-nous sommes en pleine Hollande heureuse et triomphante et la joie
-du triomphe s’épanouit dans l’œuvre du maître de Haarlem. Comme se
-déploie le ciel du printemps sur les campagnes fleuries de sa ville
-natale.....» (Armand Dayot).
-
-S’il exécuta de nombreux portraits de personnages graves, des réunions
-de confréries ou de sociétés, il affectionnait peindre les visages
-rubiconds de buveurs, les faces épanouies des servantes d’auberge. Les
-modèles ne lui manquaient pas dans les estaminets où il fréquentait,
-car il était lui-même grand buveur et bien souvent ses élèves devaient
-le ramener, le soir, en état d’ébriété complète.
-
-Mais telle était sa facilité de travail que, malgré les déréglements
-de sa vie, il a laissé une œuvre considérable. Franz Hals appartient
-à cette glorieuse famille des peintres de la Flandre occidentale qui
-compte Rubens, Van Dyck, Jordaens, Teniers; ces grands noms sont
-évocateurs de couleur puissante, de force, de réalisme, d’observation
-humaine. Hals les égale par l’intensité de vie qu’il donne à ses
-personnages et par la verve débordante dont il les anime. Pour sa
-facilité, elle était proverbiale et pouvait se comparer à celle de
-Rubens. Il exécutait, quand il était en verve, un portrait en quelques
-heures.
-
-Van Dyck, étant venu d’Angleterre en Flandre, voulut voir Franz
-Hals dont il appréciait les œuvres et dont il avait entendu vanter
-l’habileté d’exécution. Il se présenta chez l’artiste; on dut l’aller
-chercher au cabaret. Très mécontent d’être dérangé, Hals ne se presse
-pas; il ignore d’ailleurs le nom du visiteur. Quand il arrive, Van
-Dyck demande à être portraituré; Hals refuse d’abord, et il ne faut
-pas moins que la promesse d’une somme importante pour le décider. De
-fort mauvaise humeur, il prend une vieille toile, des pinceaux et, deux
-heures après, il tend à son modèle un portrait merveilleux d’exécution
-et de ressemblance. Van Dyck remercie, paie la somme convenue, puis
-demande à l’artiste s’il pourrait à son tour essayer de lui faire son
-portrait. Hals fut étonné de l’offre, et plus surpris encore en voyant
-son hôte travailler. Il devina alors:
-
---Mais qui diable êtes-vous donc? Antoine Van Dyck, certainement!
-
-Presque toujours ses élèves ramenaient Franz Hals ivre, et le
-couchaient. Une fois dans son lit, le peintre bredouillait une prière
-qui se terminait invariablement par ces mots: «Mon Dieu, recevez-moi au
-Ciel!» Ses élèves, conduits par Brauwer, résolurent de lui faire une
-farce. Ils percèrent quatre trous au plafond, par lesquels on descendit
-des cordes qu’ils attachèrent aux quatre pieds du lit. Quand Franz
-Hals, ivre comme de coutume, prononça sa phrase habituelle, le lit,
-tiré par des mains invisibles, quitta le sol et monta vers le plafond.
-Épouvanté de voir sa prière exaucée le peintre s’empressa de crier:
-«Pas encore, Seigneur, pas encore!»
-
-Mais avec l’âge, son penchant à la boisson ne fait que grandir; ses
-stations à la taverne deviennent plus prolongées. Son talent ne diminue
-pas mais sa production se ralentit. La gêne vient, puis la misère. Il
-doit à tout le monde. Il paye son boucher en lui offrant un de ses plus
-beaux chefs-d’œuvre: _Le joyeux trio_. Comme il est resté fier, des
-sociétés de bienfaisance dissimulent la charité qu’elles lui font en
-lui commandant deux tableaux qu’il exécute, sans aucune défaillance de
-pinceau, à l’âge de quatre-vingt-quatre ans.
-
-On ne sait rien de ses dernières années et de sa mort. Il fut inhumé
-dans le chœur de la Groote Keerke de Saint-Bavon. Pour tout mausolée,
-une simple pierre tombale, avec les lettres F. H.
-
-Sa veuve lui survécut quelques années, dans une pauvreté extrême. Elle
-obtint de la ville, comme secours, une aumône de quatorze sous par
-semaine.
-
-_La Bohémienne_ fut vendue 301 livres, en 1782, à la vente Menars. Elle
-passa plus tard dans la collection La Caze. Elle figure aujourd’hui au
-Louvre dans la salle hollandaise, derrière la grande salle des Rubens.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.58.--Largeur: 0.52.--_Figure en buste grandeur nature._
-
-
-
-
-DECAMPS
-
-LES SONNEURS
-
-SALLE TOMY-THIERRY
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_Les Sonneurs_
-
-
-La scène se passe vraisemblablement dans la tour du clocher d’une
-église de village, un jour de fête carillonnée. C’est le moment
-d’annoncer l’office: l’enfant de chœur a déjà revêtu le surplis blanc
-et la soutane écarlate. A la corde qui met la cloche en branle, quatre
-vigoureux paysans sont accrochés et tirent de toute la force de leurs
-bras. Une partie de cette ardeur, ils l’ont sans doute puisée dans
-les bouteilles qu’on aperçoit jonchant le sol, à côté d’un monceau
-d’habits. Dans le feu de l’action, l’un d’eux a laissé choir sa
-pantoufle et ses bas, tirés par l’effort, descendent et tirebouchonnent
-sur ses jambes maigres. Tous ces gaillards ont l’air de joyeux drilles
-pour qui la sonnerie dominicale des cloches semble être l’occasion de
-vider quelque bouteille. Le peintre n’a pas situé son épisode; sans
-doute est-ce une réminiscence de son séjour dans le Midi. En tous
-cas, nous sommes dans un pays où le vin est en honneur. Tout près de
-la fenêtre à vitraux, on aperçoit le sacristain qui, le verre en main
-et avec une évidente béatitude, fait raison à un jeune homme assis
-devant lui dans l’embrasure. L’enfant de chœur lui-même, près de la
-porte, tient un flacon qu’il se dispose à aller boire en cachette, dans
-quelque coin.
-
-Ce petit tableau est d’une fantaisie charmante; l’effort musculaire
-des sonneurs y est traduit avec une vérité, un réalisme parfaits. Par
-la minime importance de l’épisode, par l’abondance du détail et la
-minutie de l’exécution, cette œuvre se place parmi les meilleures de
-cette forme d’art qu’on appelle la peinture de genre, et dans laquelle
-excella Decamps.
-
-«A cette peinture, écrit M. Charles Clément, manquent en tout ou en
-partie les grandes qualités de l’art, l’importance et l’élévation du
-sujet, la force, la noblesse de la composition, la beauté des types,
-des gestes, des ajustements, mais elle rachète son infériorité par la
-vérité des détails, l’habileté de la facture, l’agrément de la couleur,
-la justesse de la pantomime, l’arrangement, en un mot, par l’excellence
-de ce qui dépend avant tout de l’observation et de l’exécution.
-Un peintre de genre a de l’esprit, du savoir-faire, du talent. Il
-étonne, intéresse, séduit; il n’émeut pas, il n’est pour rien dans ces
-nombreuses et admirables créations du génie qui, de siècle en siècle,
-peuplent l’imagination de ceux qui savent et qui pensent.»
-
-A cet égard, Decamps est beaucoup mieux qu’un peintre de genre. S’il
-n’était que le plus brillant et le plus amusant de nos anecdotiers,
-on ne comprendrait pas l’unanime admiration dont bénéficie son œuvre.
-Mais il ennoblit la plus vulgaire de ses compositions par une admirable
-compréhension de la lumière. Peu de peintres ont possédé à un aussi
-haut degré le don de capter le soleil et d’en illuminer ses toiles.
-Ce fut son étude constante et la plupart de ses tableaux n’ont pas
-de sujet, ils ne sont qu’un prétexte pour lui de jouer en virtuose
-avec les rayons et les ombres. Il a porté l’art du clair-obscur à
-une perfection qui l’apparente aux plus grands maîtres. On en trouve
-précisément la preuve dans _les Sonneurs_ où vibre une lumière intense
-qui anime les coins les plus sombres de la toile.
-
-Decamps rêva toute sa vie d’être autre chose qu’un peintre de genre.
-Il s’essaya dans la peinture de style et y montra de réelles qualités.
-On pourrait citer, parmi ces œuvres d’un ordre plus haut _La Pêche
-miraculeuse_, _la Défaite des Cimbres_, et surtout _le Christ au
-Prétoire_. Il songea même à peindre à fresque: «L’esprit d’invention
-ne me manquait pas, écrivait-il, et j’aurais tiré parti de l’idée la
-plus saugrenue, si l’on m’eût accordé une salle quelconque. Ce que
-j’eusse produit eût été fort attaquable, j’en conviens; enfin organisé
-d’une manière particulière, ce que j’eusse produit fût un peu sorti de
-ce système de plafonnage usé... J’ai la conviction que la nécessité
-où je me suis trouvé de ne produire que des tableaux de chevalet m’a
-totalement détourné de ma voie naturelle...»
-
-Il est peut-être heureux, pour la gloire de Decamps, qu’il n’ait pu
-donner sa mesure dans la peinture murale: il avait trop la passion
-du détail pour se plier aux nécessités de la fresque qui sacrifient
-précisément le détail à la masse; en outre, la fresque exige une teinte
-claire, vive, légère et Decamps peignit toujours dans une gamme sombre
-où domine le clair-obscur. Enfin, la fresque n’est abordable qu’aux
-dessinateurs impeccables; or, trop souvent, faute d’étude, le dessin de
-Decamps manque de sûreté.
-
-Mais qu’importe ce qu’il eût pu ou voulu être? Ce n’est pas un mérite
-si mince de trouver matière à un tableau dans un minuscule épisode de
-la vie intime et de nous y intéresser à force d’esprit, de fantaisie,
-d’humour et aussi de science.
-
-Pour bien juger Decamps, il faut songer qu’il se forma tout seul,
-sans maître sinon sans étude. Mais faute de maître, son étude fut
-incomplète. Il n’est presque jamais irréprochable, mais ses défauts,
-qui sont incontestables, ne peuvent faire oublier ses éminentes et
-rares qualités. Il plait et charme par la saveur un peu âpre de son
-talent, et par l’originalité de son invention, et le pittoresque
-soutenu de ses anecdotes.
-
-_Les Sonneurs_ furent achetés par M. Tomy-Thierry; ils figurent
-au Louvre dans les salles du deuxième étage, réservées à la riche
-collection du donateur.
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-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 0.58.--Largeur: 0.48.--_Figures: 0.32._
-
-
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-
-HOLBEIN
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-ANNE DE CLÈVES
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
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-
-_Anne de Clèves_
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-Qui croirait, à contempler cette placide figure de femme, qu’on a
-devant les yeux une des nombreuses épouses de Henri VIII, le terrible
-monarque anglais! Rien n’indique, dans son attitude, qu’elle redoute
-la fin tragique de l’une de ses devancières, Anne de Boleyn, décapitée
-sur l’ordre de son époux. Elle nous apparaît, au contraire, infiniment
-tranquille, avec un bon visage d’Allemande sans passions qui nous la
-ferait prendre pour une religieuse, n’était le costume somptueux dont
-elle est revêtue.
-
-Lorsque Holbein fit le portrait d’Anne de Clèves, elle n’était pas
-encore la femme de Henri VIII, ce qui explique peut-être son beau
-calme. Elle ne connaissait pas le roi sanguinaire qui allait devenir
-son époux. Celui-ci, ayant jeté ses vues sur elle, avait dépêché
-Holbein sur le continent avec mission de peindre la jeune princesse
-qu’il n’avait jamais vue. La flatterie dans le portrait était le
-moindre défaut du grand peintre d’Augsbourg. Cette fois, cependant,
-il s’efforça au rôle de courtisan. Anne de Clèves n’était pas belle,
-il nous la montre, sinon jolie, du moins suffisamment agréable. Au
-surplus, sa coiffure, malgré la richesse des broderies et des perles,
-n’est pas faite pour l’avantager: collée au front et sur les joues
-elle supprime complètement la chevelure, cet ornement naturel des
-visages féminins. En dépit de traits irréguliers et un peu vulgaires,
-la physionomie n’est pas sans agréments; les yeux ont de la bonté,
-la bouche de la douceur. On se surprend à plaindre la malheureuse
-princesse qui dut à ce portrait de devenir l’épouse d’un tel homme.
-
-On ne saurait rien deviner des grâces de la jeune femme sous le riche
-mais inélégant costume qui l’emprisonne. La robe est d’un velours aux
-grands plis raides. Largement échancré en carré, le corsage laisse voir
-la poitrine à travers une guimpe de dentelles; il est garni d’un ample
-galon bordé de perles et orné de cabochons sertis de gemmes; le cou est
-encerclé d’un collier de pierreries où pend une croix en grenats. La
-ceinture, la jupe et les manches sont également soutachées d’ornements
-d’or recouverts de pierreries. De l’ampleur des manches sortent les
-mains, des mains fuselées et baguées, que la princesse tient croisées
-devant elle.
-
-Ce portrait d’Anne de Clèves, merveilleuse symphonie de pourpre et
-d’or, est un incomparable chef-d’œuvre. Quand il le vit, Henri VIII en
-fut enthousiasmé. Le modèle lui plut, puisqu’il l’épousa, mais il ne
-se montra pas moins satisfait du talent de l’artiste. «Je pourrais,
-disait-il, faire six pairs avec six laboureurs, mais de six pairs je ne
-ferais pas un Holbein.»
-
-Plus heureuse qu’Anne Boleyn, Anne de Clèves eut la chance de mourir
-de sa belle mort. Quand elle eut cessé de plaire, Henri VIII ne la fit
-pas décapiter; il se contenta de la répudier. Mais on devine quelle dut
-être son existence auprès de son royal époux et, plus d’une fois, son
-doux et tranquille visage se voila de larmes et se contracta dans les
-affres de la peur. Celle qui lui succéda, Catherine Howard, eut moins
-de bonheur. Après quelques années, Henri VIII lui faisait trancher la
-tête.
-
-Ce gros homme balourd avait l’apparence d’un rustre et la férocité
-d’un Néron. Son règne ne fut qu’une longue suite de perfidies et de
-crimes. Comme tous les tyrans, il avait l’âme inquiète, soupçonneuse,
-et quiconque avait attiré sa défiance était marqué pour l’échafaud.
-Il a figuré, dans une époque de chevalerie, comme un monstrueux
-anachronisme, et il a souillé l’histoire d’Angleterre d’une page
-sanglante. Quand il était las de ses femmes, ce Barbe-Bleue couronné
-les livrait tranquillement au bourreau.
-
-Après la mort de l’infortunée Jeanne Seymour, Henri VIII songea, avant
-de se tourner vers Anne de Clèves, à épouser Christine de Danemark,
-duchesse de Milan. Cette princesse, qui n’avait que seize ans, était
-déjà veuve, et sa réputation de beauté étant parvenue jusqu’au roi
-d’Angleterre, celui-ci lui fit offrir la couronne. C’est Holbein qui
-fut chargé de la négociation et, suivant l’usage, il devait peindre
-la jeune femme qu’il convoitait. Mais l’ambassade de l’artiste échoua
-piteusement. Dès les premières ouvertures, la princesse se récria:
-
---Je n’ai qu’une tête, répliqua-t-elle, et je tiens à la garder sur mes
-épaules.
-
-Christine de Danemark devint plus tard duchesse de Lorraine.
-
-Malgré son échec, Holbein, nous l’avons vu, ne perdit pas la confiance
-de son terrible maître. Aussi, malgré les offres brillantes du
-bourgmestre de Bâle qui l’invitait à revenir dans cette ville où il
-avait si longtemps vécu, il refusa de quitter l’Angleterre. Il y mourut
-de la peste, en 1544, âgé seulement de quarante-six ans.
-
-Le portrait d’Anne de Clèves est peint sur vélin collé sur toile; il
-faisait partie de la collection de Louis XIV. Protecteur des arts comme
-il l’était des lettres, le Grand Roi a donné à la France les plus
-beaux tableaux de ses musées. Celui-ci figure au Louvre dans la Grande
-Galerie, à la travée de peinture allemande.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.65.--Largeur: 0.48.--_Figure à mi-corps, petite nature._
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-P. PRUD’HON
-
-L’ENLÈVEMENT DE PSYCHÉ
-
-SALLE DES SEPT CHEMINÉES
-
-
-[Illustration]
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-
-_L’Enlèvement de Psyché_
-
-
-La légende mythologique de Psyché est bien connue: Psyché était une
-jeune fille d’une si idéale beauté que l’Amour lui-même s’en éprit et
-l’enleva. C’est ce gracieux épisode que Prud’hon a traité dans son
-magnifique chef-d’œuvre.
-
-Le tableau représente la scène de l’enlèvement. La jeune Psyché,
-portée par des Amours ailés, est mollement étendue entre les bras de
-ses ravisseurs. Sa tête charmante, inclinée à droite, ne trahit aucune
-crainte ni aucune colère; le regard aigu qui filtre sous les paupières
-baissées, les lèvres entr’ouvertes pour le sourire, l’abandon complet
-de tout le corps disent, au contraire, l’enivrement voluptueux, la
-complaisante acceptation de l’aventure. Un de ses bras est négligemment
-replié sur l’épaule; l’autre, relevé d’un geste plein de grâce
-au-dessus de la tête, maintient du bout des doigts l’extrémité d’un
-voile de gaze qui flotte et bouillonne autour d’elle. Il n’est rien
-de plus idéalement beau que la chaste nudité de ce corps de vierge
-dont les chairs blondes semblent pétries de lumière. Ses jambes fines
-reposent sur le cou d’un jeune Amour à figure rieuse et aux cheveux
-ébouriffés. Les deux autres maintiennent le buste de la jeune fille;
-l’un d’eux, celui du premier plan, à demi ployé sous le charmant
-fardeau, lève les yeux vers la blonde Psyché, qu’il contemple d’un
-air d’adoration. Au-dessous d’eux Zéphyr, le vent complice du rapt,
-déchaîne un tourbillon de nuées qui facilite l’envol du groupe vers
-l’azur.
-
-Cet admirable tableau, l’un des plus beaux de l’école française, est
-surtout remarquable par sa conception et sa traduction spéciales de
-l’antique, très différentes de celles en honneur dans l’école de David.
-A cette école Prud’hon n’emprunte rien, sinon le goût des sujets puisés
-dans l’antiquité païenne.
-
-Mais avec quelle grâce supérieure il l’interprète! La beauté n’est
-pas pour lui un laborieux assemblage de lignes impeccables, ayant
-le poli et la rigidité du marbre. Sous son pinceau prestigieux, la
-froide statue s’anime, les chairs vivent, un sang généreux circule;
-sur l’épiderme de ses créations, il épand ce je ne sais quoi
-d’indéfinissable et d’insaisissable dont seuls Léonard de Vinci et
-Corrège possédaient le secret. Aussi bien, Prud’hon n’est-il pas de son
-siècle; il a de la beauté le sens profond et idéal des grands peintres
-de la Renaissance. J’ai nommé Vinci et Corrège: c’est jusqu’à ceux-là
-qu’il faut remonter pour trouver un terme de comparaison avec le talent
-du maître français. Ils sont d’ailleurs ses modèles préférés, pendant
-la durée de son séjour à Rome. Passionnément, il les étudie, scrutant
-leurs procédés, cherchant à deviner leur technique, à s’attribuer leur
-coloris. Corrège surtout l’éblouit et l’enchante. Il se désespère
-devant la transparence de ses chairs, la fluidité de ses ombres,
-l’audace de ses raccourcis. A force d’étude, il pénètre les arcanes de
-cet art admirable; il en comprend l’élévation, la beauté; il le fait
-sien à son tour et, sur ses toiles, nous retrouvons toute la grâce et
-la volupté païennes du grand maître parmesan. Et l’on peut dire de lui
-sans exagération qu’il a été le Corrège français.
-
-«Au milieu de son temps, écrit Théophile Gautier, Prud’hon est un fait
-imprévu. Il a créé une grâce nouvelle et trouvé une veine de beauté
-inconnue. Sa manière de comprendre l’antique diffère complètement
-de celle de ses contemporains. Les statues que les élèves de David
-dessinent avec une sécheresse sculpturale, il semble les voir au clair
-de lune, argentées de molles lumières, baignées d’ombres et de reflets,
-ondoyantes, effumées sur les contours, enveloppant et noyant leurs
-lignes dans une vague brume. A la mythologie de l’empire il applique le
-flou du Corrège. Il a la vapeur, le mystère, la rêverie, et aussi un
-divin sourire qui n’appartient qu’à lui. Mais n’allez pas croire à un
-talent efféminé; Prud’hon sait, quand il le faut, être mâle, sérieux
-et grand. Quoi de plus tragique que _La Justice et la Vengeance divine
-poursuivant le Crime_?»
-
-Nous avons dit ce que fut son séjour dans la Ville Éternelle:
-un perpétuel enchantement, une admiration sans limite pour les
-chefs-d’œuvre de la Renaissance, une fervente adoration pour Corrège et
-Vinci.
-
-A son retour, il est un maître et bientôt ses toiles font sensation.
-L’Empire a escamoté la Révolution. Napoléon favorise les arts; il
-ne tarde pas à distinguer Prud’hon. Il lui confie le portrait de
-l’impératrice, que le peintre a représentée assise dans les jardins de
-la Malmaison.
-
-A ce chef-d’œuvre, Prud’hon en ajoute un autre: _L’Enlèvement de
-Psyché_ que nous donnons ici. Bientôt, il est célèbre, on se dispute
-ses toiles, ses portraits, il est de l’Institut et il meurt couvert de
-gloire.
-
-_L’Enlèvement de Psyché_ figura au Salon de 1808. Il fut payé 15.450
-francs en 1839; il atteindrait aujourd’hui un chiffre fantastique s’il
-était remis en vente. La duchesse de Sommariva, qui possédait cette
-magnifique toile, la légua, en 1888, au musée du Louvre, qui l’a mise
-en belle place dans la Salle des Sept Cheminées, également appelée
-Salle du Sacre, où se trouvent les œuvres de David et des autres
-peintres du début du XIXe siècle.
-
-       *       *       *       *       *
-
-Hauteur: 1.93.--Largeur: 1.54.--_Figure grandeur nature._
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-
-PH. DE CHAMPAIGNE
-
-PORTRAIT DE RICHELIEU
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
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-
-_Le Cardinal de Richelieu_
-
-
-Philippe de Champaigne! Une noble figure d’homme et de peintre. Son
-admirable existence s’est partagée entre la pratique de toutes les
-vertus chrétiennes et le culte fervent et passionné de l’art. Il
-réalise le type accompli de «l’honnête homme», tel qu’on le concevait
-au XVIIe siècle.
-
-Bien que né à Bruxelles, Philippe de Champaigne peut être revendiqué
-par la France où s’écoula toute sa vie. Peu de temps après son arrivée
-à Paris, il eut l’heureuse fortune de se voir employé par Duchesne,
-premier peintre de Marie de Médicis, à la décoration du Luxembourg,
-entreprise par la reine-mère. Peu de temps après, Duchesne mourait; le
-jeune artiste héritait de sa charge, de son logement dans le palais et
-il épousait sa fille.
-
-A cette époque, Marie de Médicis n’était pas encore brouillée avec
-Richelieu. Elle lui recommanda son peintre, dont elle était charmée. Le
-cardinal, qui faisait embellir à ce moment ses châteaux de Richelieu et
-de Bois-le-Vicomte, employa fréquemment Philippe de Champaigne. Bientôt
-survint la guerre entre la reine-mère et le cardinal-ministre: ce fut
-pour Marie de Médicis la persécution, l’internement et l’exil. Le
-peintre, très dévoué à sa bienfaitrice, ressentit une véritable douleur
-du traitement indigne que lui faisait subir Richelieu. Il ne l’aima
-jamais. Chargé des travaux de Bois-le-Vicomte et du palais Cardinal,
-il laissait traîner les travaux, imaginant toutes sortes de prétextes
-pour ne pas les continuer. Le jeu était d’autant plus dangereux que
-le rude ministre devinait bien les motifs de ce mauvais vouloir. Mais
-il aimait le talent de Philippe de Champaigne; il employa les procédés
-les plus flatteurs pour le ramener à lui. Il lui envoya son confident,
-Le Boutilhier de Chavigny, pour lever ce qui lui resterait de rancune.
-Champaigne s’obstina. Peu habitué à la résistance, Richelieu s’indigna.
-Rencontrant un jour le peintre, il lui dit sur un ton courroucé: «Vous
-ne voulez pas être à moi, parce que vous êtes à la reine-mère.»
-
-Mais le cardinal avait l’âme trop grande pour ne pas comprendre la
-dignité d’un tel caractère. Il l’en estima davantage et affecta, en
-plusieurs rencontres, de lui en donner publiquement des marques.
-Un jour, voulant le regagner tout à fait, il lui fit dire par Des
-Bournais, son valet de chambre, qu’il pouvait demander ce qu’il lui
-plairait pour l’avancement de sa fortune et des siens. Mais Champaigne
-répondit:
-
---Si Monsieur le Cardinal peut me rendre plus habile peintre que je ne
-suis, c’est la seule chose que je demanderai à Son Éminence; sinon, je
-me tiens pour satisfait de l’honneur de ses bonnes grâces.
-
-Cette réponse fut rapportée à Richelieu et ne l’offensa point,
-précisément parce qu’il y vit une hauteur d’âme à laquelle les gens de
-cour ne l’avaient sans doute pas accoutumé.
-
-Néanmoins Philippe de Champaigne ne refusa pas de travailler pour le
-cardinal. S’il ne recherchait pas les commandes, il ne croyait pas
-devoir blesser gratuitement le ministre qu’il n’aimait pas, mais qu’il
-savait lui vouloir du bien.
-
-Plusieurs fois il eut l’occasion de peindre l’Éminence rouge, comme
-on disait alors, tantôt dans des compositions allégoriques, tantôt
-seule avec sa barrette sur la tête. La _National Gallery_, de Londres,
-possède trois beaux portraits du cardinal, l’un de face, les deux
-autres de profil, exécutés par Philippe de Champaigne pour le sculpteur
-Mocchi, chargé d’exécuter le buste du grand homme d’État.
-
-Mais le plus beau est sans contredit celui que possède le Louvre.
-Félibien raconte que, pendant les séances de pose, le cardinal
-s’entretenait familièrement avec le peintre, l’interrogeant sur son
-art, s’informant de sa famille et déployant pour lui plaire toutes les
-grâces de sa vaste intelligence et de son grand esprit.
-
-Richelieu est représenté debout, revêtu de son costume cardinalice.
-Par-dessus la soutane rouge, on aperçoit le surplis de dentelle qui
-jette une note claire dans cette pourpre symphonie. Sur les épaules
-est jeté l’ample manteau rouge, dont les plis, drapés avec un art
-admirable, descendent jusqu’à terre. Un large ruban de moire bleue
-supporte la croix du Saint-Esprit. Du col empesé émerge la tête fine
-et volontaire du cardinal; une soyeuse chevelure encadre le front haut
-derrière lequel bouillonne l’un des plus puissants cerveaux des temps
-modernes; l’œil est vif, scrutateur, la lèvre serrée et prompte à
-marquer la colère. La moustache relevée et la barbe taillée en pointe
-donnent une allure martiale à ce prélat qui déposait volontiers la robe
-pour endosser le harnais de guerre. La main droite tient la barrette
-cardinalice, pendant que la main gauche, avec son index tendu, semble
-donner un ordre. L’ensemble du personnage est élégant, la silhouette
-est élancée, car le cardinal de Richelieu est gentilhomme. Le portrait
-se détache en rouge vif sur un fond de draperie sombre qui donne tout
-son relief à la belle effigie du grand ministre de Louis XIII.
-
-Le portrait de _Richelieu_ appartient à l’ancienne collection et
-provient de l’hôtel de Toulouse. Il figure dans la Grande Galerie
-du Louvre, à la travée réservée aux peintres flamands. Philippe de
-Champaigne n’en reste pas moins l’une des plus pures gloires de l’art
-français.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 2.22.--Largeur: 1.55.--_Figure en pied grandeur naturelle._
-
-
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-
-LANCRET
-
-L’AUTOMNE
-
-SALLE DU XVIIIe SIÈCLE
-
-
-[Illustration]
-
-
-
-
-_L’Automne_
-
-
-Dans un paysage de verdure où se mêlent les teintes d’or de l’automne,
-un joyeux pique-nique se déroule sur l’herbe. Le cadre de cette fête
-champêtre est délicieux. Un clair soleil illumine le ciel et projette
-sa clarté sur la campagne, dont on aperçoit les vallonnements et les
-parties boisées escaladant les collines qui ferment l’horizon. C’est
-l’époque des vendanges, la récolte joyeuse par excellence; du laborieux
-essaim des vendangeuses fusent des rires et des chansons. On les
-voit ici, sur la gauche du tableau, s’affairant à la cueillette des
-grappes, mais à leur attitude on devine que les langues fonctionnent
-au moins autant que les faucilles. Le groupe du premier plan ne paraît
-s’intéresser que fort peu au travail de la vendange; il semble se
-préoccuper davantage de faire honneur au plantureux dîner étalé sur une
-serviette, dans l’herbe épaisse. Des deux femmes qui prennent part au
-repas, l’une est presque entièrement étendue à terre et, s’appuyant sur
-le coude, s’incline sur une assiette bien garnie; l’autre, assise, a
-sans doute apaisé sa faim, car elle regarde devant elle dans l’attitude
-du repos. En face d’elles, un convive emplit son assiette. A côté de
-la nappe, se trouve un flacon de dimension respectable et le panier
-d’où ont été extraits les comestibles. Derrière ce groupe couché, se
-tient une jeune femme, son panier de vendangeuse à la main; à gauche,
-un âne et son conducteur sont placés, attendant que la cueillette
-vienne garnir le double faix destiné à recevoir le raisin. A droite,
-un paysan, le verre en main, conte fleurette à une jeune fille assise
-qui, le panier passé dans le bras, semble l’écouter avec intérêt.
-
-Tout l’art gracieux de Lancret s’épanouit dans cette toile charmante.
-La composition en est habile et parfaitement distribuée, peut-être même
-avec un peu trop de symétrie. Avec des dons de premier ordre, Lancret a
-plus de savoir-faire que de spontanéité; il ordonne ses toiles avec un
-soin minutieux qui rappelle la manière des petits maîtres hollandais.
-Élève de Watteau, il ne possédait pas la souplesse, l’imprévu, ni
-surtout l’inspiration du maître, mais il a du brillant et de la
-virtuosité. Parfois ses personnages sont figés, ils ressemblent un peu
-trop à de jolies figurines de Saxe embarrassées dans leurs atours de
-porcelaine ramagée, mais ils sont si pimpants, si frais qu’on éprouve à
-les regarder un plaisir qui ne se lasse pas. En cela, Lancret est bien
-de son siècle. Il semble avoir vu le monde et les choses de son temps à
-travers un voile de gaze rose qui teinterait tout de couleurs tendres
-et aimables. Il naquit et vécut à l’époque la plus superficielle mais
-aussi la plus brillante de l’histoire du monde, époque charmante qui
-faisait dire à Talleyrand que ceux qui ne l’ont pas connue ne savent
-pas ce qu’est la joie de vivre. Jamais l’esprit ne fut plus fin, la
-politesse plus raffinée, l’élégance plus exquise; la vertu ne se parait
-pas d’austérité, le vice lui-même revêtait des dehors aimables. A la
-cour et à la ville le ton et les manières étaient toujours du meilleur
-aloi: on causait, on intriguait, on madrigalisait, toujours avec
-esprit; les femmes les moins instruites écrivaient des billets galants
-en un style adorable dont le secret est à jamais perdu. Et, en faveur
-de tant de jolies qualités, on se sent plein d’indulgence pour la
-frivolité qu’elles masquaient si bien.
-
-De ce siècle délicieux et futile, Lancret fut un des peintres les
-plus caractéristiques. Chez lui, non plus, il ne faut pas chercher
-la profondeur, l’élévation des idées, mais il posséda au plus haut
-degré l’art de plaire, un art qui n’est pas à la portée de tous. Qu’il
-peigne des marquises ou des paysannes, on sent toujours flotter
-autour des jupes et des corsages un capiteux parfum de poudre à la
-maréchale; qu’il représente les bosquets de Versailles ou les arbres
-d’une campagne villageoise, c’est toujours la même nature soignée,
-jolie, sans poussières ni boues. Regardez son tableau de l’_Automne_:
-ne vous semble-t-il pas que ces vendangeuses penchées sur les ceps ont
-des bonnets bien empesés et des corsages bien brillants pour la dure
-besogne à laquelle elles se livrent? Quant aux jolies gourmandes du
-premier plan, paysannes elles aussi, on les prendrait plutôt, sinon
-pour de grandes dames, du moins pour des soubrettes plus accoutumées à
-évoluer dans le boudoir de leur maîtresse qu’à manier le panier et la
-faucille du vendangeur.
-
-Mais à quoi bon insister sur ces invraisemblances? Au XVIIIe siècle, la
-campagne n’existait pas, elle se bornait tout entière dans les limites
-des parcs royaux. Cette époque de raffinement exigeait l’élégance
-jusque dans les hardes du paysan.
-
-Il ne faut donc pas juger les tableaux de Lancret avec les mêmes yeux
-qui ont vu les toiles poignantes et rudes de Millet. Les temps ne sont
-plus les mêmes, ni les goûts. Et l’admiration que nous avons pour les
-uns ne doit pas nous rendre injustes pour les autres. On ne saurait
-nier, en effet, que l’œuvre de Lancret ne soit charmante. S’il était
-nécessaire d’en prouver la valeur, il nous suffirait de rappeler que
-bien des peintres, après lui, ont essayé de ressusciter le genre sans y
-parvenir. L’élégance et la grâce ne s’acquièrent pas; elles sont un don
-de nature. Ne les possède pas qui veut.
-
-L’_Automne_ faisait partie d’une série des quatre saisons peinte par
-Lancret pour le château de la Muette. Il fut exposé au Salon de 1738;
-il figure aujourd’hui au Louvre, dans la salle du XVIIIe siècle.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.68.--Largeur: 0.88.--_Figures: 0.25._
-
-
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-
-L. DAVID
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-MADAME SERIZIAT
-
-SALLE DU SACRE
-
-
-[Illustration]
-
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-
-
-_Madame Seriziat_
-
-
-La jeune Mme Seriziat est à demi assise sur un coin de table dont le
-tapis rouge fait ressortir la blancheur de la robe. Elle porte un
-vêtement de campagne, et la gerbe qu’elle tient dans sa main semble
-indiquer qu’elle rentre d’une promenade dans les champs. Un large
-chapeau de paille doublé de dentelle, encadre sa jolie tête blonde et
-y est maintenu par un ruban de velours vert noué sous le menton. La
-taille est serrée par une ceinture à gros nœud de même couleur. La
-robe n’a pas de prétentions à l’élégance. Largement échancrée sur la
-poitrine, elle laisse apercevoir une chemisette par l’ouverture de
-laquelle apparaît un coin d’épaule nue. La main droite, tombant le
-long du corps, tient un bouquet de fleurs des champs où domine la note
-écarlate du coquelicot; la main gauche, appuyée contre la table, serre
-la menotte d’un tout jeune enfant, son fils, qui tourne de trois-quarts
-sa bonne figure joufflue.
-
-Tout est simplicité dans ce tableau charmant: simplicité dans
-l’attitude et simplicité dans l’exécution. Quant au visage de Mme
-Seriziat, il est tout bonnement exquis: sans être absolument régulier,
-il attire et séduit par la grâce même des lignes et surtout par le
-sourire des yeux et des lèvres. C’est un poème de jeunesse heureuse et
-de printanière fraîcheur.
-
-C’est dans des œuvres de ce genre qu’il convient de juger David, bien
-plus que dans les grandes compositions inspirées de l’antique. Là, il
-dépouille complètement son personnage un peu froid de chef d’école
-pour se souvenir seulement qu’il est peintre et un grand peintre.
-
-En présence de la nature vivante, il ne songe plus qu’à la scruter, à
-la comprendre, à l’exprimer; il va chercher l’âme au fond des yeux.
-Cet impeccable dessinateur, si souvent accusé de froideur, anime
-ses portraits d’une chaleur vibrante qui les fait respirer, penser,
-vivre. Que de portraits de David on pourrait citer, comme celui de Mme
-Chalgrin, du pape Pie VII, dans les yeux desquels se lisent comme en
-un livre ouvert les sentiments intérieurs! Est-il possible d’exprimer
-avec plus d’éloquence et de vérité la tranquille beauté et le souriant
-bonheur de la jolie Mme Seriziat? Et quel sens de l’harmonie! Tout
-est composé, charpenté pour la satisfaction des yeux et l’équilibre
-de l’ensemble: les couleurs y sont choisies avec un art incomparable,
-l’une faisant valoir l’autre, et assemblées discrètement, sans tapage
-ni outrance. Pour ses portraits de femmes, David semble avoir à dessein
-éclairci les couleurs de sa palette; plus de bitume, plus de tonalités
-moroses, la couleur est claire, transparente; elle vibre, elle chante
-sur les épidermes délicats et les chevelures ondoyantes.
-
-«Peindre sans arrière-pensée, voilà le plaisir unique qu’offre à
-David le portrait. Il n’a même plus à s’occuper de composition, de
-perspective et, de fait, il ne se met guère en frais pour camper
-ses personnages; il les asseoit simplement sur une chaise ou dans
-un fauteuil, les installe devant leur bureau. S’il peint un groupe,
-il ne cherche pas davantage; il procède avec le laisser-aller d’un
-photographe... Qu’il peigne des jeunes filles ou des femmes séduisantes
-par leur beauté ou par leur grâce, ou simplement par le charme de
-leur âge, il met à les peindre une ingénuité, une aisance dépourvue
-de toute espèce d’affectation qui séduit immédiatement le cœur.»
-(Léon Rosenthal.) Devant un portrait, David ne se surveille plus.
-N’attribuant à ces travaux, dans son œuvre, qu’une importance très
-minime, il oublie toute contrainte d’école et s’abandonne.
-
-Mme Seriziat, «la bonne Émilie» comme on l’appelait dans la famille
-de David, était la belle-sœur du peintre. Celui-ci avait exécuté ce
-portrait pendant son incarcération à la prison du Luxembourg, après
-le 9 thermidor. Quand il figura au salon de l’An IV, son auteur était
-encore gardé à vue dans sa maison.
-
-On sait, en effet, que David, conventionnel exalté, s’était lié
-d’amitié avec Robespierre et qu’il avait voté les motions les plus
-révolutionnaires de la farouche Assemblée.
-
-On l’accuse même d’avoir gouaillé au passage de la charrette qui
-conduisait la reine à l’échafaud. Quoi qu’il en soit, le caractère de
-David ne fut jamais égal à son génie. Quand, Robespierre abattu, il fut
-lui-même décrété d’accusation, il monta à la tribune pour se défendre.
-«Il était pâle, écrit un témoin oculaire, et la sueur qui tombait de
-son front roulait de ses vêtements jusqu’à terre, où elle imprimait de
-larges taches.» Il renia lâchement Robespierre, l’accusant de l’avoir
-«trompé par ses sentiments hypocrites». Ce n’est pas à cette bassesse
-mais à son génie seul qu’il dut de ne pas porter à son tour sa tête
-sous le couperet de Samson.
-
-Acquis par l’État en 1902, le portrait de Mme Seriziat figure dans la
-Salle des Sept Cheminées, appelée aussi Salle du Sacre, avec la plupart
-des autres œuvres de David.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.32.--Largeur: 0.97.--_Figure grandeur nature._
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-REMBRANDT
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-VIEILLARD LISANT
-
-GRANDE GALERIE
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-[Illustration]
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-_Vieillard lisant_
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-Devant une hutte au toit de chaume, un vieillard est assis tenant un
-gros livre et lisant. Quel personnage a voulu représenter Rembrandt?
-Est-ce un de ces ermites qui fuyaient le monde, aux premiers temps de
-la chrétienté, et se réfugiaient dans le désert pour s’y consacrer à
-la pénitence, à la prière et à l’étude? N’est-il pas plutôt une pure
-fantaisie de l’artiste qui, trouvant à peindre une tête caractéristique
-de vieillard, lui a donné la figure et les attributs d’un Saint-Jérôme?
-Quoi qu’il en soit des intentions du peintre, il a déployé dans ce
-tableau sa coutumière supériorité. Sous son pinceau, la moindre
-ébauche s’éclaire de traits fulgurants. Dans ce _Vieillard lisant_, de
-proportions si médiocres, il y a autant de génie d’exécution que dans
-sa grande toile de _la Ronde de Nuit_. Examinons cette tête d’homme:
-le large front dégarni, dont quelques mèches argentées précisent le
-contour et que des rides sillonnent, semble lourd de pensées; sous
-les sourcils broussailleux les yeux baissés dénotent l’attention que
-l’homme apporte à sa lecture. Bien que fripée par l’âge, la tête est
-belle, de cette beauté vigoureuse et intelligente dont Rembrandt
-ennoblit toutes ses créations. Une superbe barbe blanche, qui laisse
-entier le modelé d’une bouche parfaite, achève de donner du caractère
-à cette figure de savant. L’in-folio que le liseur tient devant lui
-est maintenu d’aplomb par deux mains osseuses qui sont deux merveilles
-d’exécution. Le vêtement, de couleur sombre, est comme noyé dans une
-sorte de pénombre qui laisse toute leur valeur à la tête et aux mains,
-les jambes enveloppées de haillons troués restant dans la pénombre.
-
-Dans ce tableau se manifeste dans tout son éclat cette science du
-clair-obscur que Rembrandt a portée aux dernières limites de la
-perfection. L’ombre et les clartés se distribuent et s’opposent avec
-une habileté que les plus grands peintres, après lui, ont vainement
-essayé d’atteindre. On a dit de Rembrandt qu’il est un magicien de la
-lumière: nulle part, mieux qu’en ce petit tableau, on n’en trouve une
-plus éclatante preuve. Nous sommes en présence d’un homme qui lit: les
-deux choses vraiment importantes sont la tête et le livre et c’est à
-cela seul que l’artiste s’attache. Qu’importe le vêtement, qu’importent
-les accessoires si la tête pense et si le livre est en pleine lumière!
-Or, la tête vit d’une vie intense, éclairée par des reflets qui se
-projettent en vigueur sur le visage, accusant les rides et faisant
-éclater toute la pensée des yeux et du front.
-
-Quand on songe aux essais de rénovation entrepris de nos jours et
-si l’on contemple les œuvres de Rembrandt, on s’aperçoit que nos
-contemporains n’ont rien inventé; ils ont seulement tenté de restaurer
-des traditions trop négligées et de ramener l’art à la noblesse de
-la grande peinture. Quoi qu’on essaye aujourd’hui, c’est toujours à
-l’un ou l’autre des glorieux ancêtres qu’on doit remonter, mais l’art
-de Rembrandt plane à des hauteurs tellement sublimes que les plus
-vigoureux des peintres modernes ont dû renoncer à gravir ce lumineux
-Thabor.
-
-Rembrandt est peut-être le génie le plus complet et le plus divers que
-l’histoire de l’art ait jamais connu. Dans sa peinture se trouvent
-réalisés, devançant l’œuvre des siècles, tous les efforts, toutes les
-conquêtes péniblement et fragmentairement acquises par la suite. Les
-classiques amoureux de la forme ne peuvent le renier, car il fut un des
-plus prodigieux dessinateurs connus; les coloristes lui ont emprunté
-les plus brillants effets de leur palette. Quant aux impressionnistes,
-ils peuvent le réclamer comme leur maître, comme leur précurseur. Bien
-avant eux, il avait découvert la division des tons, leur juxtaposition
-et l’effet lumineux que l’on peut en tirer. Je ne veux pas dire qu’il
-avait inventé cette division puisque les mosaïstes de Byzance la
-pratiquaient déjà, mais ce n’est pas du tout le même travail; l’idée
-n’était pas nouvelle, mais l’application à la peinture n’avait jamais
-été faite. Il emploie d’ailleurs cette division avec une sagacité
-consommée; tantôt par épaisseur ou demi-pâtes, tantôt par glacis et
-tous ces travaux sont enchevêtrés à tel point que l’œil le plus exercé
-peut à peine suivre les variations du travail. Ses figures sont des
-êtres vivants qui nous regardent à travers trois siècles, dont les
-bouches parlent et dont l’épiderme remue; la transposition est telle
-que, si l’on s’approche, on ne voit, les unes à côté des autres ou
-superposées, que des couleurs crues et heurtées. Et cependant, avec ces
-superpositions, le génie de Rembrandt a su faire un ensemble, créer
-une harmonie et charpenter de ces toiles où les tonalités les plus
-violentes se fondent, se pénètrent dans la plus délicate et la plus
-intime cohésion.
-
-Rembrandt, comme Shakespeare, a tout vu de l’humanité, il en a tout
-étudié. Toutes les émotions, toutes les passions sont inscrites dans
-son œuvre. Mais c’est surtout la lumière qui est son triomphe, il en
-sait toutes les ressources, il la distribue en ondées blondes, il en
-caresse les visages, il en ouate l’atmosphère, elle s’épand partout,
-elle dore même l’ombre de ce ton qui est la marque inimitable du Maître.
-
-Le _Vieillard lisant_ a été légué au Louvre par M. Kaempfen, ancien
-directeur des Musées nationaux; il figure aujourd’hui dans la grande
-galerie, à la travée d’art hollandais.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.39.--Largeur: 0.53.--_Figure grandeur demi-nature._
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-
-COROT
-
-PAYSAGE
-
-SALLE DES ÉTATS
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-
-[Illustration]
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-
-_Paysage_ (_Souvenir de Mortefontaine_)
-
-
-«Un jour, racontait Corot, je me suis permis de faire quelque chose
-«de chic», laissant ma brosse aller à sa volonté; lorsque ce fut
-terminé, je fus pris de remords et ne pus fermer les yeux de toute la
-nuit. Aussitôt qu’il fit jour, je courus à ma toile et, avec rage, je
-grattai avec mes ongles tout mon travail de la veille. A mesure que
-mes fioritures disparaissaient, je sentais ma conscience devenir plus
-calme, et une fois que le sacrifice fut accompli, je respirai plus
-librement, car je me sentais réhabilité à mes propres yeux.»
-
-Tout Corot est dans cette anecdote qui nous le montre tel qu’il était,
-ayant voué à l’art un culte exclusif, peignant les arbres avec la même
-émotion religieuse que les primitifs italiens mettaient à peindre, dans
-la calme retraite du cloître, leurs idéales Madones; chacune de ses
-peintures est un hymne vibrant à la nature. C’est cette qualité qui
-fait son œuvre supérieure.
-
-Un Corot n’éblouit pas pour attirer l’attention; mais quand une fois on
-l’a vu, on ne peut plus s’en détacher et l’entour devient vulgaire. On
-pénètre avec lui dans un sanctuaire, d’où la foule bruyante est exclue,
-on écoute le silence, on jouit d’une quiétude adorable.
-
-Corot savait saisir les moindres beautés de ce qui s’offrait à sa vue.
-Là où ses camarades ne trouvaient rien à peindre, il discernait des
-paysages insoupçonnés et brossait des toiles magnifiques. Il possédait
-une incomparable faculté de vision. «La nature, aimait-il à dire, est
-une éternelle beauté». Nul peintre, dans aucun temps, ne porta aussi
-haut l’art d’exprimer cette beauté souveraine des choses.
-
-«La peinture de Corot est douce, sans chocs ni contrastes éclatants, le
-mariage des tons y est poussé si loin que le ton pur s’y affaiblit en
-nuances infinies dans une harmonie parfaite, mais presque monochrome et
-légèrement voilée. Ces tableaux ne sautent pas vivement aux yeux; une
-espèce de fumée grise, vapeurs ou poussière, rampe sur les terrains,
-enveloppe les arbres, passe lentement au-dessus des eaux, émousse les
-rayons lumineux. Déchirons ce léger voile: d’immenses profondeurs où
-tout se baigne dans les ombres transparentes et les tièdes clartés
-s’ouvrent à nos yeux ravis, ce qui fait dire à l’artiste: «Pour bien
-entrer dans ma peinture, il faut avoir au moins la patience de laisser
-fuir le brouillard, on n’y pénètre que lentement, et quand on y est on
-doit s’y plaire.» (Théophile Sylvestre.)
-
-Cette description fidèle du paysage de Corot s’applique à la lettre à
-la belle toile que nous donnons ici et qui porte le titre: _Souvenir de
-Mortefontaine_.
-
-Sur le bord d’un lac aux eaux transparentes, reflétant comme un miroir
-les frondaisons et les collines, l’artiste a placé la masse imposante
-d’un grand arbre dont les branches vigoureuses et touffues emplissent
-le paysage. Dans la sérénité de cette nature exquise, se profilent,
-minuscules atomes dans cette immensité, des enfants qui cherchent
-des fleurs dans l’herbe ou détachent les feuilles basses d’un tronc
-d’arbre. Mais ces personnages ne jouent qu’un rôle épisodique; le
-vrai protagoniste de la toile, c’est le colosse vigoureux dont la
-majestueuse ampleur domine tout et c’est sur lui qu’il faut admirer
-l’art prestigieux du peintre. A travers le feuillage épais, la lumière
-filtre et se répand en ondes claires, diaphanes, d’une adorable teinte
-gris de perle.
-
-Corot est «l’homme des gris», le peintre du crépuscule. Cela ne veut
-pas dire que son art soit étroitement limité. Les deux aurores, comme
-les Égyptiens les appelaient, Isis et Nephtys, l’aurore du jour et
-l’aurore de la nuit, se révélèrent à Corot sans réserve; il savait
-traduire en impressions subtiles et cependant très lisibles, la
-tranquillité, la fraîcheur, le tremblotement indescriptible de la vie
-qui s’éveille, l’éloignement indécis des choses familières, tout le
-mystère et la magie de cet instant délicieux. Il invoquait la déesse
-pour ses tableaux, et ce ne fut jamais en vain. «Lorsque le soleil se
-couche, disait-il, le soleil de l’art se lève.»
-
-Le gris d’aurore, le mot avait une signification froide et sombre
-avant la venue de Corot, lui qui sut rendre le frisson charmant de
-la fraîcheur du matin. Aussi beaux que l’aurore dont ils sont nés,
-apparaissent ses fins gris-perle, et sa palette semble en contenir une
-infinité, d’une égale délicatesse et s’harmonisant magnifiquement.
-Ces peintures d’aurore sont exquises, et elles sont vraies; elles
-portent en elles la certitude de l’absolue réalité, parce que, chez
-l’artiste, l’intensité du sentiment ne nuisait jamais à l’acuité de la
-vision. «Je prie tous les jours le bon Dieu, disait-il, qu’il me rende
-enfant, c’est-à-dire qu’il me fasse voir la nature et la rendre comme
-un enfant, sans parti-pris.» Sa prière a été exaucée, ses paysages, il
-les a vus et exprimés comme il voulait; ils gardent une impérissable
-jeunesse.
-
-Le musée du Louvre possède de nombreux chefs-d’œuvre de Corot. Le
-_Souvenir de Mortefontaine_ est un des plus beaux. Il figure dans la
-Salle des États, réservée à la peinture moderne.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.64.--Largeur: 0.88.--_Figures: 0.12._
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-
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-
-LÉONARD DE VINCI
-
-LA BELLE FERRONNIÈRE
-
-GRANDE GALERIE
-
-
-[Illustration]
-
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-
-_La Belle Ferronnière_
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-
-Ce portrait, connu sous le nom de _la Belle Ferronnière_, ne représente
-pas, comme on le croit communément, la maîtresse de François Ier, mais
-bien Lucrezia Crivelli, aimée de Louis Sforce duc de Mantoue.
-
-Cette jeune femme posée de trois quarts tourne la tête presque de
-face. On n’aperçoit que le haut de son buste émergeant derrière une
-balustrade de fenêtre. Les cheveux, très exactement divisés en bandeaux
-sur le haut de la tête, s’appliquent sur les tempes, bordant les yeux
-et se relevant vers les oreilles qu’ils dissimulent entièrement: sur
-cette chevelure bien lissée est posée, comme un mince diadème, une
-chaînette d’or fermée, au milieu du front, par un de ces cabochons
-ouvrés qu’on appelait alors et qu’on appelle encore une _ferronnière_.
-D’où le nom sous lequel est connu ce tableau. Le visage est d’un ovale
-légèrement arrondi; les traits, réguliers, sont d’une beauté que ne
-parvient pas à diminuer le disgracieux agencement de la coiffure.
-L’ensemble de cette femme a quelque chose de robuste et d’énergique.
-Le cou est cerclé d’un collier à trois rangs de perles: bien que d’une
-ligne très pure, il a plus de vigueur que de finesse; ce n’est pas le
-col effilé des patriciennes florentines de Botticelli. Les épaules
-tombantes et la poitrine développée s’enferment dans un corsage de
-velours rouge ouvert en carré, et orné aux épaules de crevés maintenus
-par des rubans.
-
-Dans cette figure, comme dans toutes celles de Vinci, il y a quelque
-chose d’énigmatique et de troublant. Examinez ces yeux scrutateurs et
-profonds, qui rappellent ceux de _la Joconde_: quelles mystérieuses
-pensées se cachent derrière ce regard, quels secrets enferment ces
-lèvres minces, étroitement closes? Cette femme est une femme de la
-Renaissance: elle vit à une époque étrange, à la fois policée et
-barbare, où les intrigues se dénouent fréquemment par le poison, où les
-amours se terminent par le poignard. Elle est la maîtresse de Ludovic
-Sforza, prince magnifique mais violent, dont la tendresse est aussi
-dangereuse que la colère et qui gouverne ses États par la terreur.
-Et c’est bien de la peur qui se lit dans les yeux grands ouverts de
-Lucrezia Crivelli, comme à l’attente de la disgrâce de son terrible
-maître. Sur ce point, l’énigme demeure entière; ce que nous savons
-de cette femme ne peut nous aider à la déchiffrer, mais le génie du
-peintre a traduit magnifiquement l’angoisse de ce regard se révélant
-sous le calme apparent de l’attitude.
-
-Est-il bien nécessaire d’insister sur la beauté de cette œuvre? En
-parlant de Vinci, quels mots trouver pour exprimer l’admiration qu’il
-suscite? Aucun peintre n’a poussé si loin l’art d’animer une figure et
-de la charger de pensées; il a le don miraculeux d’amener l’âme dans
-les yeux et il semble que l’on va entendre parler le personnage.
-
-Léonard de Vinci est l’un des plus étonnants artistes dont l’histoire
-nous ait transmis le nom, en même temps qu’un des plus vastes esprits
-du monde. Comme peintre il occupe la même place que les rois au-dessus
-de leurs sujets; il domine l’art de tous les siècles, comme un Jupiter
-dans l’Empyrée. Michel-Ange et Raphaël, ces deux étonnants génies, ne
-sont que des princes dans cette cour dont il est le souverain. Comme
-intelligence, il est universel.
-
-Raffaëlli, dans ses _Promenades d’un artiste au musée du Louvre_, écrit
-sur Léonard de Vinci cette page: «Grand, beau cavalier, élégant, de
-jolie figure, pratiquant tous les sports, tous les exercices du corps,
-musicien consommé, improvisateur, chanteur doué d’une belle voix et
-capable de s’accompagner sur la lyre, et construisant, au besoin, un
-luth d’argent de toutes pièces: grand ordonnateur de fêtes, peintre,
-sculpteur, ingénieur, écrivain, esthète, savant en toutes choses,
-mécanicien, inventeur d’une machine volante, de la scie circulaire, de
-pièces automatiques, etc.»
-
-L’auteur de _la Joconde_ devança beaucoup d’hommes de science dans
-leurs recherches, et trouva la théorie de Copernic sur le mouvement de
-la terre, la classification de Lamarck en vertébrés et invertébrés, les
-lois du frottement, de la respiration, de la gravitation, les ondes de
-la lumière et de la chaleur, l’emploi de la vapeur comme force motrice
-dans la navigation, les aéroplanes, la chambre obscure, l’attraction
-magnétique, le canon se chargeant par la culasse, etc.
-
-C’est à la cour de Ludovic Sforza qu’il peignit vers 1496, le portrait
-de Lucrezia Crivelli, suivante de la duchesse Béatrice d’Este, dont
-le duc était devenu amoureux. Lucrezia succédait, dans les faveurs du
-prince, à Cecilia Gallerani, une femme célèbre par sa beauté et que le
-duc dut éloigner sur la plainte de son épouse outragée, la duchesse
-Béatrice. L’histoire ne dit pas si celle-ci fut plus enchantée de voir
-monter au rang de favorite sa propre demoiselle d’honneur. En tout cas
-la liaison ne fut pas de longue durée. Ludovic dut se mettre à la tête
-de ses troupes pour combattre les Français, qu’il avait appelés en
-Italie, puis trahis. Vaincu à Novare, il fut fait prisonnier et enfermé
-au château de Loches, où il mourut (1510).
-
-Ce magnifique tableau, acheté par Louis XIV, figure dans la Grande
-Galerie, à la travée des peintres italiens.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 0.62.--Largeur: 0.44.--_Figure en buste grandeur nature._
-
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-
-
-EUGÈNE FROMENTIN
-
-CHASSE AU FAUCON EN ALGÉRIE
-
-SALLE THOMY THIÉRY
-
-
-[Illustration]
-
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-
-_Chasse au faucon en Algérie_
-
-
-La course frénétique des chasseurs nous a conduits dans ce coin
-pittoresque de la plaine algérienne où la verdure d’une herbe courte
-s’oppose à la grisaille des rochers brûlés de soleil. La solitude
-s’emplit de mouvement et de clameurs, une foule bariolée s’agite;
-les vêtements des cavaliers, les harnais des chevaux, les armes
-damasquinées scintillent et mêlent leurs notes claires et violentes.
-C’est la fin de la chasse. Guidés par le vol des faucons, les Arabes,
-au triple galop de leurs montures, ont forcé le lièvre qui gît sur le
-sol. Les rapaces, difficilement maintenus par des valets, se jettent à
-la curée. Adossés contre le rocher et dressés sur leur selle marquetée
-d’argent, le vieux chef arabe et sa suite, faucon au poing, assistent
-à la scène. Au deuxième plan, des chevaux tenus en bride et encore
-écumants de la course fournie, piaffent et s’impatientent. Hommes et
-bêtes forment un ensemble chatoyant, vibrant, qui papillote sous l’azur
-du ciel d’Afrique. Tout cela est dans une gamme claire, chantante, d’un
-coloris brillant qui donne bien l’impression d’un Orient lumineux et
-pittoresque.
-
-Eugène Fromentin restera, dans l’histoire de l’art, le peintre de
-l’Algérie, du moins un des premiers qui la découvrirent pour la faire
-aimer. Non l’Algérie du Sud, égarée dans la fournaise du soleil et dans
-les sables, mais l’Algérie accessible à tous, celle des Arabes, des
-cités paisibles parmi des ruines, des palmeraies fraîches oubliées,
-comme des corbeilles de fête, au bord du désert, l’Algérie des
-fantasias cérémonieuses et brillantes, des mosquées, des champs de
-bataille encore fumants, des tribus vagabondes. On peut regretter qu’il
-se soit borné à voir l’Arabe hors de sa tente, dans la lumière des
-sables et du ciel et qu’il n’ait pas osé, au lieu de ne l’étudier que
-dans les manifestations extérieures de sa vie, se pencher jusqu’à son
-foyer, dans la familiarité de ses mœurs.
-
-Jules Claretie constate très justement que Marilhat avait rapporté
-d’Orient des paysages empreints d’une mélancolie profonde, Decamps des
-scènes étincelantes, Delacroix de grandioses spectacles, et qu’à son
-tour Fromentin a trouvé sur cette terre lumineuse une note personnelle
-que ses prédécesseurs y eussent vainement cherchée, puisqu’il la
-portait en lui. La gamme de Fromentin est douce, ses tons favoris sont
-les demi-teintes.
-
-Devant cette terre splendide, toute décorée de noblesse par des siècles
-d’histoire, Fromentin demeure cependant un Parisien de pure race.
-Ses Arabes ont de l’esprit jusque dans les plis de leurs burnous. Il
-n’aimait pas voir le laid: il le transformait à travers les mailles
-d’or de son imagination. Dans ses tableaux qui n’ont pas la vibration
-hardie du désert, la sensation de son étendue monotone, le désert
-pourtant ne perd rien de sa grandeur; car l’intelligence du poète, plus
-infinie que l’espace des dunes, dépassait par son effort l’horizon qui
-n’est vide, comme celui de la mer, que pour le passant incapable de
-s’émouvoir et de comprendre. Ses yeux retiennent la configuration des
-choses aussi profondément que son âme pénètre les âmes. Son observation
-toujours attentive ne néglige rien de la vie: aussi l’exactitude de ses
-travaux, pareille à celle des documents d’une histoire, est affirmée
-par tous les voyageurs.
-
-Dès qu’il a mis les pieds sur la terre d’Afrique, il est séduit,
-conquis pour toujours et il exhale son enthousiasme en pages
-éloquentes. Car Fromentin est aussi bon écrivain qu’habile artiste.
-Il est l’auteur presque célèbre de _Dominique_, un roman loué par
-tous les contemporains et dont la lecture est toujours agréable; il
-collabore à la _Revue de Paris_ et à la _Revue des Deux-Mondes_. S’il
-n’avait recherché la gloire dans la peinture, il l’aurait certainement
-trouvée dans les belles-lettres. «Tout ici m’intéresse, écrit-il.
-Plus j’étudie cette nature, plus je crois que, malgré Marilhat et
-Decamps, l’Orient reste encore à faire. Pour ne parler que des hommes,
-ceux qu’on vous fait sont des bourgeois. Le vrai peuple arabe, en
-haillons et plein de vermine, avec ses ânes misérables et teigneux, ses
-chameaux en guenilles passant, noirs et rougis par le soleil, devant
-ces horizons splendides, cette grandeur dans les attitudes, cette
-beauté antique dans les plis de tous ces haillons, voilà ce que nous ne
-connaissons pas. Somme toute, au point de vue du travail, je n’ai point
-à me plaindre et, du train dont je vais, je promets de vous rapporter
-un album assez intéressant.»
-
-Il rapporte mieux qu’un simple album: il rapporte deux volumes
-d’impressions et les motifs de nombreuses toiles: c’est toute
-l’Algérie, lumineuse et chatoyante qu’il ramène dans ses bagages et
-qu’il détaillera sans relâche de son pinceau brillant. Il a mieux vu
-l’Algérie que Marilhat, Decamps et Delacroix; il l’a vue en poète et
-en psychologue. Et comme exécutant, il les égale par le charme de ses
-arrangements sombres et clairs, par la précision d’un style désireux de
-dire, au delà des formes, l’âme des êtres et des choses.
-
-_La Chasse au faucon_ fut exposée au Salon de 1863 et acquise par
-Thomy-Thiery qui la légua au Louvre ainsi que toute sa collection. Elle
-figure au deuxième étage, dans la salle qui porte le nom du donateur.
-
-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.62.--Largeur: 1.16.--_Figures demi-nature._
-
-
-
-
-CORRÈGE
-
-LE SOMMEIL D’ANTIOPE
-
-SALON CARRÉ
-
-
-[Illustration]
-
-
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-_Le Sommeil d’Antiope_
-
-
-Antiope, nonchalamment couchée sur une draperie bleue, un bras arrondi
-au-dessus de la tête, dort sans se douter que le secret de ses charmes
-est trahi et que Jupiter, sous la forme d’un satyre, mais conservant
-encore, malgré ce déguisement, sa majestueuse beauté d’Olympien, a
-soulevé le voile qui les cachait d’une main libertine et curieuse.
-Penché vers la nymphe, le dieu contemple ce beau corps assoupli par
-l’abandon du sommeil. Dans sa blancheur tiède et blonde, baignée de
-demi-teintes qui en noyent les contours et lui donnent les rondeurs
-de la vie, sous ce torse d’une grâce si molle et si tendre, on suit
-pourtant les détails d’anatomie perdus dans la masse par une science
-qui se dissimule sous le charme; car il ne faut pas oublier que Corrège
-est, avec Michel-Ange, un des plus savants dessinateurs du monde. Aux
-pieds de l’Antiope, l’Amour, ayant près de lui son carquois, fait
-semblant de dormir, couché sur le gazon, dans une pose d’insouciance
-enfantine; mais croyez bien qu’il ne dort que d’un œil, voit tout
-le manège et le favorise. Un riche paysage, étouffé et sourd, avec
-des tons de velours fauve, sert de fond à cette voluptueuse scène
-mythologique et fait admirablement ressortir la blancheur dorée de
-l’Antiope, foyer de lumière du tableau. Bien qu’elle ait la beauté
-d’une Nymphe, Antiope reste une femme. Ce n’est pas un morceau de
-marbre, elle vit, elle palpite et le gonflement de la respiration
-soulève sa souple poitrine.
-
-On demeure stupéfait d’admiration devant la grâce voluptueuse de
-Corrège qui créa tout un monde charmant de formes ondoyantes, de divins
-sourires, de lumières argentées, d’ombres transparentes et de reflets
-magiques. Corrège, s’il n’inventa pas absolument le clair-obscur,
-en tira du moins des harmonies nouvelles et des effets inconnus.
-Son entente du raccourci et de la perspective des corps lui permet,
-par l’inattendu des aspects, les courbes imprimées aux lignes, les
-têtes qui plafonnent ou se penchent en avant, les poses hardiment
-projetées, de changer l’aspect habituel des figures et des groupes,
-car ce gracieux, ce délicat, ce tendre est aussi un homme d’une
-science profonde; il possède la force comme il possède la grâce et les
-Apôtres géants du dôme de Parme sont là pour le prouver. Personne,
-pas même Michel-Ange, n’a dessiné d’un style plus grand et plus fier.
-De plus, son dessin est enveloppé d’une couleur admirable. Corrège
-est peut-être le plus original des peintres. Il se forma tout seul et
-tira tout de lui-même. Quelques recherches qu’on ait faites, on n’a
-pu retrouver avec certitude le nom d’aucun de ses maîtres et il ne
-paraît pas qu’il soit jamais sorti de son pays natal. Ses prétendus
-voyages à Rome, à Florence, ne sont rien moins que prouvés. Il ne doit
-rien qu’à son génie et à la nature qui l’avait si heureusement doué.
-Cette perfection, il l’acquit tout de suite et comme sans effort. A
-vingt ans à peine, il était déjà en possession complète de son talent.
-A peine si, dans ses deux ou trois premiers tableaux, on aperçoit
-quelque sécheresse et quelque symétrie qui les rattachent à l’école
-antérieure. Comme Raphaël, dans une vie assez courte, il parcourut le
-cycle tout entier de l’art, avec cette différence qu’il travaillait
-seul et n’avait pas, pour prêter des mains à sa pensée, une armée
-d’élèves enthousiastes et respectueux, pour la plupart grands peintres
-eux-mêmes. Sans avoir été pauvre, comme le racontent des biographes
-plus amis du pathétique que du vrai, il n’eut pas cette vie éclatante,
-bienheureuse, protégée des dieux et des hommes, qui fut la récompense
-du peintre d’Urbino. Quoiqu’il n’épargnât rien pour en éterniser la
-durée, qu’il employât les couleurs les plus chères, les toiles les plus
-soigneusement préparées, ses chefs-d’œuvre furent payés, de son vivant,
-des prix médiocres. Mais la postérité, séduite par le charme enivrant
-de ses Vierges et de ses Nymphes, lui a donné un trône d’ivoire parmi
-les dieux de l’art, dans l’Olympe de la peinture. (Théophile Gautier.)
-
-Corrège n’est pas, comme Rubens, un praticien par excellence pour
-lequel la peinture consiste surtout dans le maniement du pinceau; c’est
-un vrai poète qui peint pour exprimer des idées et des sentiments. Dans
-tous les arts, les hommes les plus puissants n’ont pas de procédés. Les
-instruments sont les mêmes pour tout le monde; pour apprendre à les
-manier avec génie, il faut en avoir. Inépuisable dans ses inventions
-ingénieuses, toujours nouveau dans ses souriantes mythologies, Corrège
-a ajouté aux symboles antiques la séduction d’une jeunesse immortelle.
-Véritable poète de la Renaissance italienne par le charme souverain de
-sa fantaisie, il reste, par la douce émotion de son cœur, un homme de
-tous les pays et de tous les temps. D’autres, peut-être, ont été plus
-majestueux et plus austères; nul n’a mieux exprimé la beauté dans son
-sourire, la vie dans sa grâce.
-
-_Le Sommeil d’Antiope_ a longtemps fait partie de la galerie des ducs
-de Mantoue. Acheté d’abord par Charles Ier, il passa ensuite dans le
-cabinet du banquier Jabach, puis dans celui de Mazarin. Les héritiers
-du cardinal le vendirent à Louis XIV. Il est aujourd’hui l’un des plus
-beaux joyaux du Salon Carré.
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-Hauteur: 1.90.--Largeur: 1.14.--_Figures grandeur nature._
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-WATTEAU
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-L’EMBARQUEMENT POUR CYTHÈRE
-
-SALLE DU XVIIIe SIÈCLE
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-[Illustration]
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-_L’Embarquement pour Cythère_
-
-
-Quoiqu’il n’ait peint que des fêtes galantes et des sujets tirés
-de la comédie italienne, Antoine Watteau est un grand maître. Il a
-créé un aspect nouveau de l’art et vu la nature à travers un prisme
-particulier. Son dessin, sa couleur, ses types, ses agencements
-lui appartiennent. Il est original. Il a la grâce, l’élégance, la
-désinvolture et son art est sérieux si son genre peut sembler frivole.
-Son œuvre est une fête perpétuelle. Ce sont des concerts, des bals,
-des entretiens galants, des rendez-vous de chasse, des décamérons dans
-les grands parcs à terrasses, à statues et à fontaines mythologiques,
-des Mezzetins donnant des sérénades à des Isabelles, des Colombines
-jouant de l’éventail et de la prunelle avec des Léandres, des
-cavaliers relevant de belles dames assises sur l’herbe: tout ce qu’une
-imagination heureuse peut inventer de plus riant et de plus aimable.
-En voyant ces toiles si gaies, si spirituelles, si claires de ton, où
-les lointains bleuissent comme les paradis de Breughel de Velours, on
-serait tenté de croire, chez l’artiste, à une bonne humeur inaltérable
-et à un joyeux éblouissement de la vie. Ce serait se tromper. Watteau
-était valétudinaire, mélancolique, voyait tout en noir et n’avait de
-rose que sur sa palette.
-
-La plupart des tableaux de Watteau sont à Berlin. Le Louvre n’en
-possède qu’un petit nombre, mais il a l’heureuse fortune de pouvoir
-montrer son chef-d’œuvre _l’Embarquement pour Cythère_.
-
-Au bord d’une mer dont l’azur vague se confond avec celui du ciel
-et des lointains, près d’un bouquet d’arbres aux branches légères
-comme des plumes, se dresse une statue de Vénus ou plutôt un buste
-de la déesse terminé en gaine à la façon des Termes et des Hermès.
-Des guirlandes de fleurs s’y suspendent: un arc et un carquois y sont
-attachés. Non loin de la déesse, sur un banc, une jeune femme jouant de
-l’éventail, semble hésiter à partir pour l’île de Cythère. Un pèlerin
-agenouillé près d’elle lui chuchote à l’oreille de galantes raisons
-pour la convaincre et un petit Amour, le camail sur les épaules, la
-tire par le pan de sa robe. Il doit être du voyage sans doute. A côté
-de ce groupe, un cavalier prend par les mains, pour l’aider à se lever,
-une jeune beauté assise sur le gazon. Un autre emmène sa belle, qui
-ne résiste plus, et dont il entoure du bras le fin corsage. Au second
-plan, trois groupes d’amoureux, le camail au dos, le bourdon à la
-main, se dirigent vers la barque où sont déjà arrivés deux groupes de
-pèlerins de la tournure la plus svelte et la plus coquette. Avec quelle
-élégance la femme qui va entrer dans l’esquif relève par derrière,
-d’un petit tour de main, la traîne de sa robe! Il n’y a que Watteau
-pour saisir au vol ces mouvements féminins. La barque est sculptée,
-dorée et porte à sa proue une chimère ailée, cambrant son torse et
-renversant sa tête dans une coquille à cannelures. Des rameurs demi-nus
-la manœuvrent, et de petits Amours en déploient la tente. Au-dessus
-de l’esquif, dans des tourbillons de légères vapeurs, pareilles à des
-gazes d’argent, volent, se roulent et jouent des Cupidons enfants, dont
-l’un agite une torche.
-
-Voilà bien à peu près les principaux linéaments de la composition et la
-place des personnages. Mais quels mots pourraient exprimer ce coloris
-tendre, vaporeux, idéal, si bien choisi pour un rêve de jeunesse et de
-bonheur, noyé de frais azur et de brume lumineuse dans les lointains,
-réchauffé de blondes transparences sur les premiers plans, vrai comme
-la nature et brillant comme une apothéose d’Opéra! Rubens et Véronèse
-reconnaîtraient Watteau pour un des leurs. L’auteur de l’_Embarquement
-pour Cythère_ est assurément le plus coloriste des peintres de l’école
-française. (Théophile Gautier.)
-
-«Si Watteau, écrivent les Goncourt, a fait une nature plus belle que
-la nature, il le doit au poète dont est doublé le peintre. Regardez
-dans tous ces berceaux, ces bocages, dans toute cette ombre feuillue,
-regardez les trous, les jours, les percées, qui mènent toujours
-l’œil à du ciel, à des perspectives, à des horizons, à du lointain,
-à de l’infini, à de l’espace lumineux et vide qui fait rêver.
-L’ennoblissement dont il revêt son paysage, à lui, c’est la poésie du
-peintre-poète, poésie avec laquelle il _surnaturalise_, pour ainsi
-dire, le coin de nature que peint son pinceau. Des paysages idéalisés,
-des paysages atteignant, dans leur composition poétique, un certain
-surnaturel, auquel l’art matériel de la peinture ne semble pas pouvoir
-monter, voilà le caractère du paysage de Watteau.»
-
-Watteau composa une réplique légèrement réduite mais d’une facture
-plus poussée de son _Embarquement_; cette toile orne aujourd’hui l’un
-des salons de l’ambassade française à Berlin, mais pour le charme et
-la fluidité des lointains, la séduction de l’ensemble, le tableau du
-Louvre l’emporte de beaucoup sur celui de Berlin.
-
-Celle toile valut à Watteau son admission à l’Académie de peinture, en
-1770. Elle figure aujourd’hui dans la Salle du XVIIIe siècle.
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-       *       *       *       *       *
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-Hauteur: 1.27.--Largeur: 1.92.--_Figures: 0.30._
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-PATER
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-LA TOILETTE
-
-SALLE LA CAZE
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-[Illustration]
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-_La Toilette_
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-L’intérieur d’une élégante au XVIIIe siècle. On est au petit matin,
-ou, pour mieux dire, au petit matin des jolies femmes pour qui le jour
-commence alors que le soleil est depuis longtemps levé. Rien n’est plus
-salutaire à la conservation du teint qu’un sommeil prolongé, dans la
-molle tiédeur du lit. Aussi l’agréable personne représentée ici, dans
-son déshabillé charmant, offre un visage reposé et des joues délicates
-dont l’épiderme, pour employer le style de l’époque «semble pétri de
-lis et de roses». Une demi-obscurité règne dans la pièce; la lumière
-trop vive du dehors pourrait incommoder la belle paresseuse. Elle est
-assise devant sa toilette, jolie table garnie de dentelles couverte
-de boîtes de poudre à la maréchale, de pâtes d’amande et de mouches.
-Dans le miroir dressé devant elle, elle surveille le détail compliqué
-de sa coiffure, à laquelle s’occupe activement une soubrette. Une
-matinée très élégante est jetée sur ses épaules, laissant apercevoir
-une gorge fort avenante et les bras les plus jolis du monde. En tous
-temps, l’ajustement d’une élégante a été une affaire d’importance:
-on s’en aperçoit au nombreux personnel qui s’y emploie ici. Pendant
-qu’une femme de chambre seconde la coiffeuse, d’autres s’occupent à
-diverses tâches; l’une, près de la cheminée, fait chauffer la chemise
-de fine toile, une autre approche du feu un récipient contenant l’eau
-pour les ablutions. Une fillette, placée là on ne sait pourquoi, suit
-d’un œil intéressé toutes les phases de la toilette. Il en est une,
-cependant, qui ne semble apporter qu’une attention médiocre à ce qui
-se passe autour d’elle: cachée derrière le miroir et courbée sur sa
-chaise, son regard mutin paraît faire des signes d’intelligence à un
-personnage qu’on ne voit pas. Comme il arrive invariablement dans les
-tableaux de cette époque, l’artiste n’a pas manqué d’y ajouter la note
-libertine destinée à pimenter l’anecdote. Caché derrière une tenture
-qu’il soulève à demi, un jeune abbé de cour passe une tête curieuse et
-s’absorbe dans la contemplation de la maîtresse du logis.
-
-Tout est charmant dans cette composition, où l’aimable et spirituel
-talent de Pater a prodigué les détails. Comme Watteau et Lancret, il
-excelle dans cet art coquet, libertin et gracieux du XVIIIe siècle,
-dont l’idéal était le joli et la fonction d’orner les petites maisons
-des grands seigneurs et les boudoirs des marquises. Quelles jolies
-têtes de femmes, quelles sveltes tournures, quels élégants costumes
-galamment portés! Comme tout cela a bon air et vit aisément dans cette
-atmosphère de luxe et de plaisir! Comme on sent bien qu’en peignant
-ces élégances d’alcôve et de ruelles, l’artiste exprime exactement le
-goût, la fantaisie et le caprice de son siècle! De même que le siècle
-précédent, solennel et pompeux, avait engendré des peintres comme
-Poussin ou Lebrun, de même la Régence jouisseuse et le règne frivole
-qui suivit suscitèrent d’aimables talents, tels que Lancret, Watteau,
-Hilair, Pater, Boucher, qui surgirent spontanément de cette atmosphère
-galante, comme Vénus de l’écume des flots. Avec le même goût de la
-peinture gracieuse et libertine, ils eurent tous le don précieux de la
-mesure, ce goût inné qui les empêcha de convertir le marivaudage en
-grossièreté. Quelque osé que puisse être le sujet traité, il se rachète
-toujours par une élégance de bonne compagnie, par un tour spirituel et
-malicieux qui frôle sans insister, qui fait sourire et jamais rougir.
-
-A ces qualités rares, ils ajoutèrent--et Pater plus que les autres--une
-science du coloris qui les fait reconnaître au premier regard. A
-aucune époque, la peinture n’a trouvé de teintes aussi délicates ni
-aussi précieuses. En considérant _la Toilette_, de Pater, on est
-aussitôt conquis et ravi par cette adorable symphonie de tons où le
-bleu et le rose forment les dominantes. Et qu’on ne dise pas que
-c’est là un art facile: la savante disposition des valeurs révèle au
-contraire une maîtrise supérieure. Quelle délicatesse, par exemple,
-dans le rose tendre de la robe que porte la soubrette assise devant
-le feu et comme elle se fond harmonieusement avec le rouge plus
-sombre de la femme inclinée devant elle. Rien de heurté, ni de banal,
-dans ces associations qui, sous le pinceau d’artistes moins habiles,
-deviendraient si facilement vulgaires.
-
-Pater peut être considéré comme l’un des meilleurs de nos «petits
-maîtres» français. Tandis que Watteau plaçait de préférence ses
-personnages dans le plein air de la campagne, avec des lointains roses
-et des ciels merveilleux, Pater cherchait plus volontiers ses sujets
-dans les intérieurs luxueux et coquets. Il a été surtout le peintre
-des boudoirs et des chambres à coucher du XVIIIe siècle. Par son
-genre, il rappelle Terburg, le plus aristocratique des Hollandais: il
-possède autant de finesse et d’esprit que lui, mais il l’emporte par la
-délicatesse et l’élégance. Et s’il n’a pas acquis, malgré ses belles
-qualités, la gloire d’un Watteau ou d’un Fragonard, il en faut accuser
-son dessin qui n’est pas toujours irréprochable.
-
-_La Toilette_ fut souvent appelée _la Toilette de la mariée_; on l’a
-également reproduite sous le titre: _Le Désir de plaire_. Ce minuscule
-tableau peut être considéré comme un des plus charmants bijoux que nous
-ait légués le XVIIIe siècle, pourtant si fertile en jolies œuvres.
-
-_La Toilette_ fut donnée au Louvre par M. La Caze et figure dans la
-salle qui porte le nom du célèbre collectionneur.
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-Hauteur: 0.37.--Largeur: 0.46.--_Figures: 0.23._
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-RAPHAËL
-
-PORTRAIT DE JEUNE HOMME
-
-GRANDE GALERIE
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-[Illustration]
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-
-_Portrait de jeune homme_
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-Sur un balustre de fenêtre, un jeune garçon est appuyé. Son corps porte
-tout entier son poids sur le coude droit et la jolie tête repose sur la
-main ouverte. De son toquet de velours s’échappent de longues boucles
-blondes qui donnent une sorte de mièvrerie féminine à cette figure
-d’adolescent. Le visage est d’une parfaite pureté de lignes; le nez, la
-bouche, le menton sont d’un dessin délicat et charmant. Quant aux yeux,
-largement ouverts, ils révèlent tout à la fois l’heureuse insouciance
-de l’âge et une réflexion très appliquée; bien que paraissant fixés sur
-un point déterminé, quelque chose de vague, de flou y flotte, comme
-s’ils suivaient attentivement un rêve passionnant.
-
-Toute la grâce de Raphaël est transcrite sur cette image et tout son
-art se révèle dans la pose abandonnée et pensive du modèle. Quel est
-ce jeune homme; quel nom porta-t-il dans le monde de la Renaissance;
-joua-t-il plus tard un rôle quelconque dans l’histoire? On ne sait pas.
-Certains commentateurs, séduits par la beauté du modèle et se rappelant
-que celle du peintre lui avait valu le nom de divin Raphaël, ont cru
-pouvoir affirmer que c’était le portrait même du maître. La date du
-tableau détruit cette légende: à cette époque Raphaël avait dépassé
-l’âge de cette toile et n’aurait pu se peindre que de mémoire. Or, il y
-a trop de vie dans cette tête pour admettre que le grand artiste aurait
-peint «de chic» une œuvre si parfaite.
-
-D’autres affirment avec moins d’énergie que ce portrait n’est pas
-l’œuvre de Raphaël, mais celle d’un certain Francesco Ubertini,
-surnommé Bacchiacca. Comme rien ne démontre ce dire et que d’ailleurs
-la toile en cause est un chef-d’œuvre, comme d’autre part,
-l’insinuation est toute récente, rien n’oblige à l’accepter; tout, au
-contraire, invite à l’attribuer à Raphaël plutôt qu’à un inconnu. Au
-surplus tout, dans cette toile, trahit la main de Raphaël; c’est la
-même technique que l’on retrouve dans son propre portrait du musée des
-Offices; c’est celle de tous ses autres portraits, avec la même grâce,
-la même onctueuse habileté, les mêmes clartés de palette.
-
-Il n’est pas jusqu’au coloris où l’on ne retrouve le faire habituel du
-grand maître d’Urbino. C’est la même tonalité discrète, presque neutre
-qui a fait dire aux romantiques, acharnés à détruire sa gloire, que
-Raphaël était un médiocre coloriste. Certes, il fut moins coloriste
-que les Vénitiens, mais si parfois sa couleur était froide elle avait
-toujours cette distinction parfaite par où se révèlent les grands
-maîtres.
-
-Raphaël a connu cette disgrâce de voir contester son génie; certaines
-écoles, dans les temps modernes, se sont laissé entraîner à cette
-aberration de honnir Raphaël comme l’inspirateur du culte de l’antique.
-Rien de plus injuste et de plus faux. Le grand artiste ne s’inspira
-jamais de l’antiquité qu’il connaissait à peine. Au surplus, toute
-polémique est aujourd’hui éteinte; Raphaël a reconquis sa splendide
-royauté.
-
-Le _Portrait de jeune homme_ figure au Louvre dans la Grande Galerie, à
-la travée réservée aux œuvres de Raphaël.
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-Hauteur: 0.59.--Largeur: 0.44.--_Figure grandeur nature._
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-TABLE DES MATIÈRES
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-                                                           Pages.
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-  _Préface_                                                    5
-  _Vulcain présentant à Vénus les armes d’Énée_, par
-     F. Boucher                                               13
-  _Balthazar, comte de Castiglione_, par Raphaël              19
-  _Hélène Fourment et ses enfants_, par Rubens                25
-  _Madame Récamier_, par Louis David                          31
-  _Le Concert champêtre_, par Giorgione                       37
-  _Portrait d’Heindrickje Stoffels_, par Rembrandt            43
-  _Portrait de l’Infante Marguerite_, par Vélasquez           49
-  _Jésus-Christ marchant au Calvaire_, par Simone Memmi       55
-  _La Source_, par Ingres                                     61
-  _La Femme hydropique_, par Gérard Dow                       67
-  _Madame de Pompadour_, par Quentin La Tour                  73
-  _Une Jeune Princesse_, par Constantin Netzcher              79
-  _La Mauvaise Compagnie_, par Jan Steen                      85
-  _Érasme_, par Hans Holbein                                  91
-  _Le Mariage de sainte Catherine_, par Corrège               97
-  _Conversation_, par Lancret                                103
-  _La Dentellière_, par Jan van der Meer (Vermeer)           109
-  _Charles Ier d’Angleterre_, par Van Dyck                   115
-  _Élisabeth d’Autriche, femme de Charles IX_, par
-     F. Clouet                                               121
-  _La Barque du Dante_, par Delacroix                        127
-  _Le Roi Ferdinand_, par le Greco                           133
-  _Les Pèlerins d’Emmaüs_, par Rembrandt                     139
-  _Sujet pastoral_, par F. Boucher                           145
-  _Les Noces de Cana_, par Gérard David                      151
-  _Mademoiselle de Lambesc et le comte de Brionne_, par
-     Nattier                                                 157
-  _Jeanne d’Aragon_, par Raphaël                             163
-  _La Kermesse_, par P.-P. Rubens                            169
-  _Monsieur et Madame Angerstein_, par Sir Thomas
-     Lawrence                                                175
-  _Les Glaneuses_, par J.-F. Millet                          181
-  _La Bohémienne_, par Franz Hals                            187
-  _Les Sonneurs_, par Decamps                                193
-  _Anne de Clèves_, par Holbein                              199
-  _L’Enlèvement de Psyché_, par P. Prud’hon                  205
-  _Le Cardinal de Richelieu_, par Ph. de Champaigne          211
-  _L’Automne_, par Lancret                                   217
-  _Madame Seriziat_, par Louis David                         223
-  _Vieillard lisant_, par Rembrandt                          229
-  _Paysage_ (_souvenir de Mortefontaine_), par Corot         235
-  _La Belle Ferronnière_, par Léonard de Vinci               241
-  _Chasse au Faucon en Algérie_, par Eugène Fromentin        247
-  _Le Sommeil d’Antiope_, par le Corrège                     253
-  _L’Embarquement pour Cythère_, par Watteau                 259
-  _La Toilette_, par Pater                                   265
-  _Portrait de jeune homme_, par Raphaël                     271
-
-
-
-
-INDEX ALPHABÉTIQUE
-
-
-                                                           Pages.
-
-  PRÉFACE                                                      5
-  BOUCHER            Vulcain présentant à Vénus les armes
-                       d’Énée                                 13
-    ----             Sujet pastoral                          145
-  CHAMPAIGNE (de)    Le Cardinal de Richelieu                211
-  CLOUET (François)  Élisabeth d’Autriche, femme de
-    Charles IX                                               121
-  CORRÈGE (LE)       Le Mariage de sainte Catherine           97
-    ----             Le Sommeil d’Antiope                    253
-  COROT              Paysage (souvenir de Mortefontaine)     235
-  DAVID (Louis)      Madame Récamier                          31
-    ----             Madame Seriziat                         223
-  DECAMPS            Les Sonneurs                            193
-  DELACROIX          La Barque du Dante                      127
-  DOW                La Femme hydropique                      67
-  FROMENTIN          Chasse au faucon en Algérie             247
-  GÉRARD DAVID       Les Noces de Cana                       151
-  GIORGIONE          Le Concert champêtre                     37
-  GRECO (LE)         Le Roi Ferdinand                        133
-  HALS               La Bohémienne                           187
-  HOLBEIN            Érasme                                   91
-    ----             Anne de Clèves                          199
-  INGRES             La Source                                61
-  LANCRET            Conversation                            103
-    ----             L’Automne                               217
-  LAWRENCE           Monsieur et Madame Angerstein           175
-  L. DE VINCI        La Belle Ferronnière                    241
-  MEMMI              Jésus-Christ marchant au Calvaire        55
-  MILLET             Les Glaneuses                           181
-  NATTIER            Mademoiselle de Lambesc et le comte
-                       de Brionne                            157
-  NETZCHER           Une Jeune Princesse                      79
-  PATER              La Toilette                             265
-  PRUD’HON           L’Enlèvement de Psyché                  205
-  QUENTIN LA TOUR    Madame de Pompadour                      73
-  RAPHAËL            Balthazar, comte de Castiglione          19
-    ----             Jeanne d’Aragon                         163
-    ----             Portrait de jeune homme                 271
-  REMBRANDT          Portrait d’Heindrickje Stoffels          43
-    ----             Les Pèlerins d’Emmaüs                   139
-    ----             Vieillard lisant                        229
-  RUBENS             Hélène Fourment et ses enfants           25
-    ----             La Kermesse                             169
-  STEEN (Jan)        La Mauvaise Compagnie                    85
-  VAN DER MEER       La Dentellière                          109
-  VAN DYCK           Charles Ier d’Angleterre                115
-  VÉLASQUEZ          Portrait de l’Infante Marguerite         49
-  WATTEAU            L’Embarquement pour Cythère             259
-
-
-       *       *       *       *       *
-
-
-    Corrections.
-
-    Page  73: «habituellemente» remplacé par «habituellement» (Il était
-                habituellement quinteux).
-    Page 110: «Duk» remplacé par «Dirk» (Dirk van Bleyswijck).
-    Page 127: «deux» remplacé par «d’eux» (l’un d’eux s’accroche à la
-                poupe).
-    Page 184 et suivantes: au lieu de «Franz Hals» il convient de lire
-                «Frans Hals».
-    Page 247: «frénétiqne» remplacé par «frénétique» (La course
-                frénétique des chasseurs).
-    Page 266: «anecdocte» remplacé par «anecdote» (destinée à pimenter
-                l’anecdote).
-    Page 266: «cet» remplacé par «cette» (vit aisément dans cette
-                atmosphère).
-    Page 267: «lontains» remplacé par «lointains» (avec des lointains
-                roses).
-
-
-
-
-
-
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-
-End of Project Gutenberg's Le musée du Louvre, tome 1 (of 2), by Armand Dayot
-
-*** END OF THIS PROJECT GUTENBERG EBOOK LE MUSÉE DU LOUVRE, TOME 1 (OF 2) ***
-
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-Archive Foundation and how your efforts and donations can help, see
-Sections 3 and 4 and the Foundation information page at
-www.gutenberg.org
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-501(c)(3) educational corporation organized under the laws of the
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-Lake City, UT 84116, (801) 596-1887. Email contact links and up to
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-Professor Michael S. Hart was the originator of the Project
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-<pre>
-
-Project Gutenberg's Le musée du Louvre, tome 1 (of 2), by Armand Dayot
-
-This eBook is for the use of anyone anywhere in the United States and most
-other parts of the world at no cost and with almost no restrictions
-whatsoever.  You may copy it, give it away or re-use it under the terms of
-the Project Gutenberg License included with this eBook or online at
-www.gutenberg.org.  If you are not located in the United States, you'll have
-to check the laws of the country where you are located before using this ebook.
-
-Title: Le musée du Louvre, tome 1 (of 2)
-
-Author: Armand Dayot
-
-Release Date: January 24, 2016 [EBook #51023]
-
-Language: French
-
-Character set encoding: UTF-8
-
-*** START OF THIS PROJECT GUTENBERG EBOOK LE MUSÉE DU LOUVRE, TOME 1 (OF 2) ***
-
-
-
-
-Produced by Claudine Corbasson, Hans Pieterse and the
-Online Distributed Proofreading Team at http://www.pgdp.net
-(This file was produced from images generously made
-available by The Internet Archive/Canadian Libraries)
-
-
-
-
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-
-</pre>
-
-<hr class="full" />
-
-<p class="sansrf nobreak"><a href="#note">Au lecteur</a></p>
-
-<p class="sansrf nobreak"><a href="#toc">Table des matières</a></p>
-
-<p class="sansrf nobreak sepb"><a href="#index">Index alphabétique</a></p>
-
-<div class="figcenter">
-  <img src="images/couverture.jpg" alt="couverture" title="couverture" width="412" height="600" />
-</div>
-
-<div class="npage">
-<p class="sep4 cent">LES GRANDS MUSÉES DU<br />
-MONDE ILLUSTRÉS EN COULEURS</p>
-
-<h1>LE MUSÉE<br />DU LOUVRE</h1>
-
-<p class="cent cs7">Publié sous la direction de M. ARMAND DAYOT, Inspecteur général des Beaux-Arts</p>
-
-<p class="sep3 cent cs8">OUVRAGE ILLUSTRÉ DE 90 PLANCHES HORS TEXTE EN COULEURS</p>
-
-<p class="sep2 cent"><span class="esp">PIERRE LAFITTE &amp; </span>C<sup>ie</sup><br />
-<span class="cs8">ÉDITEURS&nbsp;&nbsp;::&nbsp;&nbsp;90, CHAMPS-ÉLYSÉES&nbsp;&nbsp;::&nbsp;&nbsp;PARIS<br />
-<span class="esp">1912</span></span></p>
-</div>
-
-<div class="npage">
-<p class="talgnr cs7"><span class="esp">COPYRIGHT 1912</span><br />
-<span style="text-decoration: underline;">BY PIERRE LAFITTE &amp; C<sup>ie</sup></span></p>
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_5">5</div>
-
-<h2 class="esp">PRÉFACE</h2>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">NOTRE <i>étonnement est toujours aussi grand, en parcourant
-notre admirable musée du Louvre, de le voir si peu
-fréquenté. Trop souvent le bruit des pas y résonne comme
-en un temple sans fidèles. Dans ce merveilleux sanctuaire d’art
-où, siècle par siècle, «l’idéal de tous les peuples» s’est, en quelque
-sorte, cristallisé en d’incomparables chefs-d’œuvre, bien rares
-sont les fervents qui viennent porter leur hommage et purifier leur
-goût. Parfois, sous la conduite d’un employé d’agence, des étrangers
-le parcourent et l’animent d’une rumeur passagère. Quant au
-Parisien, ne l’y cherchez pas: on l’y voit si peu!</i></p>
-
-<p><i>Par la facilité même qu’il a d’entrer au Louvre à tout instant
-il remet toujours au lendemain la visite projetée... De même du
-provincial, venu à Paris pour ses affaires ou ses plaisirs. Il aura
-la plupart du temps tout vu, les promenades, les cabarets, les
-hippodromes, les théâtres, tout, sauf notre grand musée national.</i></p>
-
-<p><i>A quoi tient cette indifférence de nos compatriotes pour les
-musées? Serait-ce inaptitude à apprécier les œuvres d’art? Je ne
-le pense pas, le Français ayant d’instinct le goût du Beau,
-d’ailleurs certifié par les merveilles d’art de notre pays. Alors?
-J’accuserais plus volontiers l’insuffisance actuelle de l’enseignement
-artistique dans les écoles, insuffisance qui permet à un
-jeune homme, d’ailleurs pourvu de parchemins, d’ignorer l’existence
-<span class="pagenum" id="Page_6">6</span>
-d’un Velazquez ou d’un Rembrandt. Que ce bon élève, un jour,
-pénètre dans le Louvre, il sera dès l’abord ahuri, confondu par
-l’entassement de ces peintures auxquelles il ne comprend rien,
-dont il ignore tout, l’origine, l’époque et jusqu’au nom de l’auteur.
-Et ces notions élémentaires qui lui manquent, s’il lui prend fantaisie
-de les chercher, il ne les trouvera qu’en d’énormes volumes de
-critique, alourdis de considérations savantes et dont il ne pourra
-pas dégager la substance. Mais le guide précis, clair, facile à
-suivre, qui le renseignera brièvement sur la valeur d’une œuvre,
-la vie de son auteur, les traits essentiels de son talent, où
-se le procurer? Inutile de le chercher dans les bibliothèques,
-il n’y existe pas. Il est encore à faire.</i></p>
-
-<p><i>Ou, plutôt, il était encore à faire car, si la vanité ne nous
-aveugle pas, nous croyons pouvoir affirmer qu’il est fait
-maintenant et c’est ce guide nécessaire que nous vous présentons.</i></p>
-
-<p><i>La pensée directrice de cet ouvrage, c’est de propager le
-goût du Beau, de développer le sens artistique par la constante
-contemplation des plus admirables chefs-d’œuvre de la
-peinture. Posséder les musées chez soi, à portée de la main
-à toute heure, à tout instant, quelle heureuse fortune! Le musée
-chez soi, c’est-à-dire évoquer la fidèle image de la toile qu’on
-aime, faire revivre et prolonger à son gré l’émotion ressentie
-devant les œuvres admirées jadis et qu’on ne reverra peut-être
-plus! Quel précieux privilège de pouvoir contempler ainsi tous les
-tableaux célèbres, épars dans les musées les plus lointains, à
-Madrid, à Amsterdam, à Saint-Pétersbourg, à Rome!</i></p>
-
-<p><i>Et quel concours miraculeux nous fournit la science moderne!</i></p>
-
-<p><i>La photographie noire, sans lumière, uniforme de tons, a
-désormais vécu pour faire place à la photographie des couleurs.
-Ah! l’admirable découverte, en vérité! Grâce à elle, la peinture
-<span class="pagenum" id="Page_7">7</span>
-nous est restituée tout entière; c’est le tableau lui-même qui revit
-sous nos yeux. Regardez, tout s’y trouve, exactement rendu, le
-velouté des chairs, le chatoiement des étoffes, le scintillement des
-bijoux, la transparente légèreté des ciels, la profondeur lumineuse
-des ombres. Les nuances les plus fines, les frottis les moins
-appuyés y sont traduits avec la même précision que les plus
-forts empâtements. Cela n’est-il pas merveilleux, et n’est-il pas
-juste de dire que, possédant un tel ouvrage, on possède réellement
-le musée chez soi?</i></p>
-
-<p><i>Quelques lecteurs s’étonneront peut-être de rencontrer dans
-une sorte de désordre des œuvres très différentes d’époque, d’école
-et de genre. Mais cette apparente confusion n’est pas involontaire.
-Elle est le résultat de considérations faciles à justifier.</i></p>
-
-<p><i>L’ouvrage que nous présentons au public n’est pas, en effet,
-purement didactique, au sens étroit du mot. Il est fait, certes, pour
-instruire, mais pour instruire sans ennui. Un volume d’enseignement,
-en matière d’art, implique généralement une classification
-soit par époques, soit par écoles, classification d’où se dégage
-toujours une certaine monotonie. Donner tout d’une traite l’école
-flamande, par exemple, c’est la redite obligatoire et continue des
-scènes d’intérieur et des scènes de cabaret, fatigantes à la longue,
-quelle que soit d’ailleurs la valeur intrinsèque de l’œuvre, de même
-que l’œil se fatiguerait aussi d’une suite ininterrompue de
-Madones italiennes ou de Descentes de Croix, fussent-elles signées
-des plus grands noms.</i></p>
-
-<p><i>Ici, au contraire, la fantaisie seule nous a guidés comme seule,
-dans un musée, elle guide les pas du promeneur qui s’arrête à
-son gré devant la toile qui l’attire, portrait, allégorie, scène
-d’histoire ou peinture de genre.</i></p>
-
-<p><i>Pareil à ce visiteur, nous n’avons prétendu faire qu’une libre
-promenade à travers le Louvre, promenade intéressante au plus
-<span class="pagenum" id="Page_8">8</span>
-haut point, toujours pleine d’imprévu, où chaque pas amène une
-surprise et une émotion nouvelles, fixant au passage les œuvres
-glorieuses qui rayonnent dans notre grand musée. N’est-ce point
-là la meilleure méthode et la plus attrayante? Nous l’avons pensé
-et c’est elle que nous avons adoptée dans la présentation de ce
-volume.</i></p>
-
-<p><i>Au hasard de la course, les époques, les écoles, les nationalités
-vont se confondre. L’école flamande voisinera souvent avec l’école
-française, un Hollandais avec un Espagnol, un romantique avec
-un primitif comme les fleurs les plus diverses dans un merveilleux
-jardin. Sans plus d’égards pour les genres, portraits, allégories,
-sujets religieux, paysages, tableaux mythologiques alterneront au
-cours de ces pages, l’un nous reposant de l’autre et nous permettant
-de les mieux goûter tous. Ainsi conduite, la promenade est
-sans fatigue; elle s’égaie de rencontres inattendues; elle puise le
-meilleur de son charme dans son infinie variété.</i></p>
-
-<p><i>Variété qui n’enlève rien, d’ailleurs, à la portée éducative de
-l’ouvrage, bien au contraire, chaque planche étant accompagnée
-d’une notice explicative. Cette notice, nous l’avons voulue claire,
-précise, documentaire, débarrassée de considérations générales et
-dégagée des querelles d’école, assez courte pour n’être pas fatigante,
-assez longue pour être complète. Sur chaque œuvre reproduite
-elle dira tout ce qu’on en peut dire sous une forme résumée:
-l’événement qui en amena l’exécution, les qualités qui la distinguent,
-les particularités de la composition, du dessin ou du coloris,
-le tout fortifié par l’opinion autorisée d’un critique éminent. Du
-peintre lui-même nous saurons, dès le premier contact, ce qu’il
-importe d’en savoir, son caractère, son histoire, les anecdotes
-intéressantes de sa vie, les traits essentiels de son talent. Et
-lorsque le lecteur rencontrera plus loin un autre tableau du même
-peintre, il le reconnaîtra de lui-même avant d’avoir lu le nom, sur
-<span class="pagenum" id="Page_9">9</span>
-la physionomie générale de l’œuvre, comme on reconnaît de loin
-un ami dans la rue avant même de distinguer les traits de son
-visage. Par la diversité des artistes et des œuvres, les similitudes
-et les différences de chacun d’eux se fixeront dans son esprit, et
-les classifications s’opéreront automatiquement, sans effort. Et,
-peu à peu, par une lente progression, sans même qu’il s’en aperçoive,
-il aura meublé son esprit et formé son goût.</i></p>
-
-<p><i>Un tel résultat suffirait à justifier cet ouvrage, ou plutôt cette
-série d’ouvrages, puisque, au</i> Louvre<i>, succéderont les</i> Offices <i>et le</i>
-Palais Pitti <i>de Florence, la</i> National Gallery <i>de Londres, l’</i>Académie
-<i>de Venise, le</i> Prado <i>de Madrid, les musées d’Allemagne et
-d’Autriche, etc.</i></p>
-
-<p><i>Puissions-nous, par cette publication à la fois séduisante et
-éducative, avoir contribué à faire pénétrer dans le public français,
-d’une sensibilité artistique si grande, mais, cependant, il faut bien
-le reconnaître, trop souvent ignorant des merveilles qui peuplent
-nos musées nationaux et ceux de l’étranger, le goût de l’éternelle
-Beauté et le désir d’en pénétrer le mystère.</i></p>
-
-<div class="figright" style="width:500px;">
-  <img src="images/im-009.jpg" alt="signature: Armand Dayot" title="signature: Armand Dayot" width="500" height="86" />
-   <p class="cent"><i>Inspecteur général des Beaux-Arts.</i></p>
-</div>
-
-<h2 id="Page_10"><span class="cs7">FRANÇOIS BOUCHER</span><br />
-VULCAIN PRÉSENTANT A VÉNUS<br />
-LES ARMES FORGÉES POUR ÉNÉE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU XVIII<sup>e</sup> SIÈCLE</div>
-
-<div  id="Page_11" class="artpage">
-  <img src="images/im-011.jpg" alt="" title="" width="400" height="499" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-011.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-011.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_13">13</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Vulcain présentant à Vénus les Armes d’Énée</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">BOUCHER, affirme le Nécrologe de 1771, «possédait à un degré
-supérieur toutes les grandes parties de l’art de la peinture et il
-eût pu s’essayer et se distinguer dans tous les genres; mais né
-sensible, aimable et voluptueux, il se vit presque toujours entraîné vers
-les Grâces dont il fut généralement appelé le peintre.» Sensible, aimable
-et voluptueux: en ces trois termes se résume la physionomie du
-<span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle tout entier, avec son élégance spirituelle et son dévergondage
-raffiné; dans ces trois mots également s’enferme tout l’art de
-Boucher, peintre des fêtes galantes et des mythologies gracieuses. Ses
-conceptions personnelles s’adaptaient merveilleusement au goût de
-l’époque. Il devait réussir dans une cour brillante et libertine dont
-M<sup>me</sup> de Pompadour était la reine; il en devint bientôt le peintre officiel.
-Aussi bon courtisan qu’artiste habile, il employa le meilleur de son
-talent à célébrer Vénus, la déesse d’amour et de beauté, délicat
-hommage à la favorite royale, sa protectrice, souveraine toute-puissante
-dans le fastueux Olympe de Versailles. Par goût naturel, il aime
-d’ailleurs à faire jouer la lumière sur les chairs roses et nacrées des
-femmes; son œuvre entière est un hymne permanent à la jeunesse, à la
-beauté et à l’amour.</p>
-
-<p>Parmi ces toiles allégoriques, celle que nous donnons ici est l’une
-des plus belles. A droite du tableau, Vulcain, assis sur une peau de
-tigre, tend à la déesse les armes qu’il vient de forger. Portée sur un
-nuage et appuyée sur une de ses nymphes, Vénus à demi nue les
-<span class="pagenum" id="Page_14">14</span>
-examine négligemment. Son corps nonchalamment étendu est une
-merveille de grâce aisée et de beauté indolente. Au premier plan, on
-aperçoit le char de la divinité, attelé de colombes. Sur le devant de la
-toile, un Amour tresse des guirlandes de roses. Dans le ciel baigné
-d’une lumière diaphane, d’autres Amours se poursuivent en jouant.</p>
-
-<p>S’il obtint les suffrages unanimes de ses contemporains, l’art de
-Boucher éprouva les rigueurs de la postérité. De l’engouement exagéré
-on en vint sans transition à l’absolu mépris. On lui reprochait la mollesse
-de son dessin, l’incorrection de ses anatomies, le conventionnel
-de sa peinture. Malgré la part de vérité contenue dans ces critiques, il
-faut avouer que nous sommes très mal placés aujourd’hui pour juger
-Boucher, qui fut surtout et avant tout décorateur. Pour asseoir un
-jugement équitable, il faudrait voir ses œuvres dans le cadre pour lequel
-elles avaient été peintes, panneaux sculptés où courent des guirlandes,
-trumeaux ouvragés et précieux, tympans dorés et festonnés d’arabesques;
-on leur trouve aussitôt toute leur signification esthétique et
-toute leur harmonie. Dépouillées de ce soutien nécessaire, les toiles
-de Boucher ressemblent à des diamants qu’on aurait dessertis de leur
-alvéole d’orfèvrerie.</p>
-
-<p>«Son œuvre est prodigieuse sous son aspect léger, prodigieuse par
-la fécondité de l’effort qu’elle représente, et prodigieuse aussi par la
-facilité d’expression qu’on y découvre, facilité, il faut bien le dire, plus
-rare chez ceux qui s’obstinent à pénétrer le mystère de la nature que
-chez ceux dont la faculté d’observation s’arrête à la surface des choses. Et
-telle était cette incroyable facilité, qui constituait le fond du talent de
-Boucher que ce dernier traita avec la même assurance, sinon avec le
-même bonheur, tous les sujets, depuis les sujets de sainteté jusqu’aux
-grivoiseries les plus déshabillées, caressant avec une égale aisance de
-pinceau les voiles de la Vierge dans ses tableaux de Nativité et les
-splendeurs nacrées de Miss Murphy voluptueusement étendue au milieu
-des draperies bouleversées de l’alcôve.» (Armand Dayot.)</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_15">15</span>
-Ce qu’on ne peut, sans injustice, contester à Boucher, c’est l’harmonieuse
-beauté de sa composition, l’incomparable fluidité de sa couleur,
-la clarté de ses atmosphères et surtout cette élégance parfaite, un peu
-maniérée mais exquise, où se matérialisent à nos yeux, en quelque sorte,
-l’esprit et le goût de la Régence et du règne de Louis XV.</p>
-
-<p class="sep2">David le savait bien, lui qui avait travaillé plus que tout autre à
-réagir contre cet art. Un jour qu’il entendait certains de ses élèves
-tourner en dérision le peintre des Bergeries et des Boudoirs, il alla
-vers eux, fort en colère, et leur cria: «N’est pas Boucher qui veut!»</p>
-
-<p>On peut en croire David; il était bon juge. Boucher est resté inimitable
-dans un genre qu’il a créé et dont aucun peintre après lui n’a pu
-retrouver le secret. Ses élèves s’évertuèrent à le continuer, et n’y réussirent
-point. Sous leur pinceau, l’habileté du maître devint du procédé,
-sa grâce de l’afféterie, son tour galant de la fadeur.</p>
-
-<p>On est aujourd’hui revenu de l’injustice dont a longtemps souffert
-l’art de Boucher. Sans le classer au rang des grands maîtres on s’accorde
-à le reconnaître comme un peintre délicat et charmant, parfois
-incorrect mais jamais banal, dont on regarde toujours les œuvres avec
-plaisir et intérêt, parce qu’elles sont élégantes, spirituelles, brillantes
-comme la société dont elles reflètent les goûts, les qualités et les défauts.</p>
-
-<p><i>Vulcain présentant les armes d’Énée à Vénus</i> figura au Salon
-de 1757. Il y obtint un grand succès. Il fut acquis par le roi Louis XV
-pour être reproduit en tapisserie par la manufacture royale des
-Gobelins. Plus tard, il passa du Garde-Meuble au Musée du Louvre,
-qu’il n’a plus quitté. On le voit aujourd’hui dans la salle du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 3.20.—Largeur: 3.20.—<i>Figure grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_16"><span class="cs7">RAPHAËL</span><br />
-BALTHAZAR<br />
-COMTE DE CASTIGLIONE</h2>
-
-<div class="artroom">SALON CARRÉ</div>
-
-<div  id="Page_17" class="artpage">
-  <img src="images/im-017.jpg" alt="" title="" width="400" height="493" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-017.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-017.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_19">19</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Balthazar, Comte de Castiglione</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">IL y a quelques mois à peine, ce magnifique portrait de Raphaël
-voisinait encore, au Salon Carré, avec la fameuse <i>Joconde</i> de
-Vinci, récemment enlevée à l’admiration du monde par une main
-criminelle. Côte à côte, les deux tableaux rayonnaient d’un éclat incomparable
-dans cette salle illustre, dans ce Saint des Saints de l’Art, qui
-ne renferme cependant que des chefs-d’œuvre. A la place laissée vide
-par la Mona Lisa—et qu’elle ne reprendra peut-être plus—Balthazar
-Castiglione trône aujourd’hui et son fin sourire de diplomate
-succède à la troublante énigme des yeux et des lèvres de la Joconde.</p>
-
-<p>A contempler l’impeccable perfection de ce portrait, on devine que
-Raphaël mit toute son âme à l’exécuter. Castiglione fut, en effet, son
-ami le plus cher et son conseiller le plus sûr. C’est à lui que le grand
-artiste écrivait: «Je vous dirai que, pour peindre une beauté féminine,
-j’ai besoin de vous avoir avec moi pour choisir la plus belle.»</p>
-
-<p>Castiglione méritait cet honneur. La nature l’avait orné des dons les
-plus brillants. Son extérieur était séduisant, son visage agréable, ses
-manières affables et courtoises. Il aimait les arts avec passion, les comprenait
-et les encourageait. D’un savoir et d’une intelligence remarquables,
-à la fois soldat et lettré, il maniait l’épée comme un Sforza et
-la plume comme Machiavel. De même que celui-ci écrivit le <i>Livre du
-Prince</i>, Castiglione laissa au monde cet immortel monument de l’esprit
-de la Renaissance: le <i>Livre du Courtisan</i>. Du courtisan il fut lui-même
-le type accompli, sans bassesse comme sans effort, par la souplesse de
-<span class="pagenum" id="Page_20">20</span>
-son esprit et la sincérité de son attachement à ses princes. Il guerroya
-d’abord dans l’armée du duc d’Urbin et le servit ensuite comme diplomate.
-Puis il passa successivement au service du pape Clément VII et
-de l’empereur Charles-Quint. Léon X le créa cardinal. Charles-Quint lui
-donna le titre d’évêque d’Avila. Soldat, littérateur, diplomate, évêque,
-cardinal, Castiglione, avec ses qualités multiples, réalise la plus
-complète et la plus brillante personnification du grand seigneur cultivé
-de la Renaissance italienne.</p>
-
-<p>Il se montra toujours très attaché à Raphaël, qu’il avait connu très
-jeune et dont il avait deviné le génie. Très en faveur auprès des princes
-et à la cour pontificale, il contribua à faciliter ses débuts. C’est à son
-influence que le jeune peintre dut ses premières commandes. Raphaël
-ne se montra pas ingrat. Devenu riche et parvenu au faîte de la gloire,
-il ne cesse de voir un bienfaiteur dans ce patricien qui ne se pose qu’en
-ami. Il sait d’ailleurs quelle science, quel goût sûr, quelle hauteur
-d’esprit se dissimulent sous les dehors élégants du grand seigneur.
-Lorsqu’il est embarrassé sur un point quelconque d’histoire ou s’il hésite
-dans la composition d’un groupe ou d’un ensemble, c’est au jugement
-de Balthazar Castiglione qu’il fait appel. Quand Jules II confia à
-Raphaël la décoration de ses appartements au Vatican, le rude pontife
-décréta la destruction des fresques précédemment peintes, et dont
-certaines étaient signées des grands noms de Pérugin et de Sodoma.
-Désolé de cette profanation, Raphaël s’en ouvrit à Castiglione qui l’encouragea
-à résister aux desseins du pape. Fort de cet appui, le peintre
-se présenta devant Jules II, essuya sa colère, mais réussit à sauver les
-œuvres menacées. Chargé de peindre des figures allégoriques dans la
-Chambre de la Signature, Raphaël, peu cultivé malgré ses facultés
-d’assimilation, trouva un guide toujours prêt, un conseil toujours
-autorisé auprès de Balthazar Castiglione, et l’harmonie ordonnée, l’unité
-de conception dans la variété infinie des motifs indiquent bien l’importante
-contribution documentaire que celui-ci fournit au peintre.</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_21">21</span>
-Tel nous le dépeint l’histoire, tel nous le voyons dans le portrait du
-Louvre. Les yeux vifs et pénétrants disent l’intelligence, les lèvres
-minces la finesse; Raphaël, dont l’amitié conduisait le pinceau, a su
-embellir le personnage d’une aristocratique distinction. L’ensemble du
-tableau est dans une tonalité grise, atténuée, peu habituelle aux peintres
-de cette époque et qu’on ne retrouvera qu’un siècle plus tard chez un
-autre artiste de génie, Vélazquez. Tout s’harmonise admirablement
-dans ce tableau, le vêtement, le visage, le fond même, comme si l’ensemble
-baignait dans une lumière uniforme, très douce et tamisée par
-un écran.</p>
-
-<p>Cette manière, dont Raphaël lui-même n’usa que très rarement,
-démontre la prodigieuse souplesse de son art, qui s’adaptait à tous les
-genres et se transformait complètement suivant le sujet à traiter, tour à
-tour aimable ou grandiose, plein de suavité ou de puissance et toujours
-égal par le génie.</p>
-
-<p>Cette œuvre est l’une des dernières de Raphaël. Il la peignit en 1517,
-trois ans avant sa mort.</p>
-
-<p>Après la mort de Castiglione, le tableau passa au duc de Mantoue,
-à qui Charles I<sup>er</sup> d’Angleterre l’acheta. On le retrouve plus tard dans la
-collection d’un amateur hollandais, Van Asselin, chez lequel Rembrandt
-et Rubens le copièrent. A l’époque où Mazarin l’acquit, ce portrait était
-estimé 3.000 francs. A la mort du cardinal-ministre, il entra, grâce à
-Louis XIV, dans le domaine national. Primitivement peint sur bois, il
-a été transporté sur toile.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.67—Largeur: 0.62—<i>Figure à mi-corps, grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_22"><span class="cs7">RUBENS</span><br />
-HÉLÈNE FOURMENT<br />
-<span class="cs8">ET SES ENFANTS</span></h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_23" class="artpage">
-  <img src="images/im-023.jpg" alt="" title="" width="400" height="542" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-023.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-023.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_25">25</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Hélène Fourment et ses enfants</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">PIERRE-PAUL RUBENS est un des peintres les plus puissants
-et les plus féconds dont fasse mention l’histoire de l’art. Son
-œuvre est immense; il n’est pas un grand musée d’Europe qui
-ne possède plusieurs toiles signées de lui, et cela s’explique si l’on
-songe que, de son vivant, il travailla beaucoup en Italie, en Espagne,
-en France et que les princes étrangers, lors de la vente qui suivit sa
-mort, se disputèrent à prix d’or les tableaux demeurés dans son atelier.
-Le Louvre est particulièrement riche en œuvres du grand peintre;
-celle que nous donnons ici compte parmi les plus belles.</p>
-
-<p>Elle représente Hélène Fourment, seconde femme de Rubens, avec
-deux de ses enfants. La jeune femme est assise tenant un de ses enfants
-dans ses bras tandis que l’autre, une fillette, placée devant elle, relève
-son tablier en un geste gracieux. Entre les deux enfants, on aperçoit un
-oiseau qui s’envole.</p>
-
-<p>Rubens s’était marié deux fois, d’abord le 3 octobre 1609, avec
-Isabelle Brandt, fille de Jean Brandt, secrétaire de la Régence, peu
-après son retour à Anvers, lorsqu’il eut quitté le service du duc de
-Mantoue. Il avait à cette époque trente-deux ans, sa jeune épouse dix-huit.
-Elle lui donna deux fils dont les portraits figurent aujourd’hui à
-la galerie Lichtenstein, à Vienne. Elle mourut à l’âge de trente-cinq ans
-et Rubens éprouva, de cette perte, un profond chagrin. «En vérité,
-écrit-il, j’ai perdu une excellente compagne; elle n’avait aucun des défauts
-de son sexe; point d’humeur chagrine, point de ces faiblesses de
-<span class="pagenum" id="Page_26">26</span>
-femme, mais rien que de la bonté et de la délicatesse. Une semblable
-perte me paraît bien sensible et puisque le seul remède à tous les maux
-est l’oubli qu’engendre le temps, il faudra sans doute espérer de lui
-mon secours, mais qu’il me sera difficile de séparer la douleur que me
-cause sa mort du souvenir que je dois garder toute ma vie à cette
-femme chérie et vénérée!»</p>
-
-<p>L’apaisement se fit plus vite que ne l’avait espéré Rubens. Quatre
-ans après, le 6 décembre 1630, il épousait, à l’âge de cinquante-quatre
-ans, la jolie Hélène Fourment, nièce de sa première femme, qui n’avait
-que seize ans. On connaît d’elle, outre le tableau reproduit ici, un
-autre portrait aussi célèbre, généralement désigné sous le titre du <i>Chapeau
-de paille</i>.</p>
-
-<p>Le portrait d’Hélène Fourment avec ses enfants est une merveille
-de légèreté et de transparence. «Ce ne sont, écrit Gautier, que frottis
-pénétrés de lumière, que touches lâchées et jetées comme au hasard
-mais qui expriment ce qu’elles veulent dire mieux que le travail le
-plus poussé. Dans cette toile d’une fraîcheur délicieuse, Rubens a tempéré
-sa rouge ardeur. Il est blond, argenté, nacré comme le satin et la
-lumière.»</p>
-
-<p>Rubens n’avait que soixante-trois ans quand il mourut, en pleine
-puissance de son génie, sans avoir subi cette déchéance qui, bien souvent,
-gâte la fin des plus grands artistes. Il fut enterré dans le caveau
-de messire Fourment, son beau-père. «Ces messieurs, relate le registre
-mortuaire de la paroisse, ont contribué tous ensemble aux dépens
-de transport et la quête a produit 9 gros 10 sous. Le convoi a eu lieu
-avec 60 flambeaux ornés de croix de satin rouge et la musique de Notre-Dame.
-Nous avons chanté le <i>Miserere</i> avant la messe, puis le <i>Dies
-iræ</i> et d’autres psaumes. Il a été exposé avec 6 cierges. Les frais de
-l’église, fixés d’abord à 6 livres, se sont montés à 69 gros 3 sous qui
-ont été payés.» Sa veuve, Hélène Fourment, fit construire derrière le
-chœur de l’église Saint-Jacques une chapelle où fut transportée sa dépouille.
-<span class="pagenum" id="Page_27">27</span>
-Sur l’autel se trouve le <i>Saint Georges</i> où l’artiste, dit-on, s’était
-représenté avec ses deux femmes, Isabelle Brandt en Vierge Marie,
-Hélène Fourment en Marie-Madeleine.</p>
-
-<p>La succession de Rubens s’élevait à 700.000 florins. La veuve et les
-fils du premier lit, Albert et Nicolas Rubens, se firent adjuger, en plus
-des portraits qui leur revenaient, un certain nombre de toiles. Le reste
-fut vendu aux enchères publiques. Cette vente, qui ne comprenait pas
-moins de trois cent quatorze toiles ou dessins, eut lieu, le 17 mars 1642,
-dans une auberge d’Anvers, au <i>Souci d’or</i>, dont la tenancière, la veuve
-Sagers, reçut de la famille 474 florins pour prix des rafraîchissements
-servis aux agents et amateurs, parmi lesquels se trouvaient, avec l’envoyé
-du roi d’Espagne, les représentants de l’empereur d’Allemagne,
-de l’électeur de Bavière, du roi de Pologne (Gustave Geffroy). Les dessins
-et une grande quantité de tableaux furent acquis par le banquier
-Jabach qui, plus tard, revendit une partie de sa collection à Louis XIV.</p>
-
-<p>Quant au portrait d’Hélène Fourment, il appartenait vers le milieu du
-<span class="cs7">XVII</span><sup>e</sup> siècle, à M. de La Live de Jully; à la vente de ce collectionneur,
-M. Randon de Boisset l’acheta 20.000 livres; quelques années après, en
-1777, il passe dans la collection du comte de Vaudreuil qui le paye
-18.000 livres. Il est enfin acquis, pour 20.000 livres, par la Couronne, en
-1784. Il figure aujourd’hui dans la partie de la grande galerie du
-Louvre réservée à la peinture flamande.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.13.—Largeur: 0.82.—<i>Figure petite nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_28"><span class="cs7">LOUIS DAVID</span><br />
-MADAME RÉCAMIER</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU SACRE</div>
-
-<div  id="Page_29" class="artpagew">
-  <img src="images/im-029.jpg" alt="" title="" width="600" height="436" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-029.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-029.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_31">31</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Madame Récamier</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">DAVID est peut-être, de tous les peintres, celui qui a été le plus
-glorifié et le plus honni. Porté aux nues par ses contemporains,
-il fut traîné aux gémonies par la génération suivante.
-L’accord s’est fait aujourd’hui sur son œuvre, grâce au recul du temps
-qui éteint les haines d’écoles et de partis. David, peintre d’histoire, ne
-jouit plus que d’une estime modérée et toute notre admiration s’adresse
-désormais à David portraitiste. Ce jugement de la postérité aurait surpris
-et surtout irrité le peintre, s’il avait pu le deviner. A ses yeux, la
-peinture d’histoire, inspirée de l’antique, comptait seule; il s’en était
-servi comme instrument pour abattre le maniérisme et la fadeur du
-<span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle; il lui devait son titre de chef d’école. Quant aux portraits,
-il les considérait comme un délassement de ses grands travaux et comme
-un art inférieur, bon tout au plus à procurer un revenu sûr et immédiat.
-A M<sup>me</sup> de Verninac, sœur de Delacroix, dont il a fait un délicieux
-portrait et qui désirait le voir figurer au Salon de l’an VIII, il écrit:
-«Il serait ridicule qu’un artiste comme moi exposât simplement un
-portrait tel bon qu’il soit.» Et pour adoucir son refus, il ajoute: «Je
-suis occupé en ce moment à faire encore une autre belle femme,
-M<sup>me</sup> Récamier. C’est un tout autre genre de beauté. Je pense qu’elle
-voudra que son portrait soit exposé; alors j’aurai l’honneur de vous
-en prévenir et de vous prier en même temps d’y joindre le vôtre.»</p>
-
-<p>C’est en 1800 que David commença le portrait de Jeanne-Françoise-Julie-Adélaïde
-Bernard, femme du richissime banquier Récamier. Sa
-<span class="pagenum" id="Page_32">32</span>
-grande fortune, sa réputation de beauté et d’esprit la faisaient rechercher
-dans les salons de l’époque; elle y brillait sans efforts, par la
-seule vertu de son charme et de sa bonté. Cette femme célèbre chargea
-David, alors dans toute sa gloire, de fixer ses traits. Le peintre aborda
-ce portrait avec enthousiasme, certains disent avec amour; il s’était
-adjoint, pour dessiner les accessoires, un jeune artiste nommé Ingres,
-qui devait à son tour devenir illustre.</p>
-
-<p>David avait placé son modèle dans une pose charmante. A demi-couchée
-sur un lit de repos, M<sup>me</sup> Récamier tourne vers la droite son joli
-visage. Elle porte une robe légère de linon blanc, d’où sortent ses pieds
-nus croisés l’un sur l’autre. Un ruban noir maintient la chevelure bouclée.</p>
-
-<p>Le portrait si bien commencé ne fut jamais fini. Un beau jour, David
-apprit que M<sup>me</sup> Récamier le quittait pour se faire peindre par
-Gérard, son élève. Il en conçut du dépit et abandonna son ouvrage. Le
-portrait demeura à l’état d’ébauche, mais quelle ébauche! Devant
-cette œuvre magistrale, où la couleur est simplement indiquée par des
-frottis légers qui la rendent transparente, lumineuse, on se réjouit presque
-du hasard qui empêcha David d’appliquer la pâte épaisse, souvent
-terne et lourde, de son pinceau. Tel qu’il nous est parvenu, ce portrait
-est un véritable chef-d’œuvre, autant par la maîtrise de l’exécution que
-par la sobriété, la distinction et l’harmonie des lignes.</p>
-
-<p>Gérard, dans son portrait de M<sup>me</sup> Récamier, ne fut pas moins heureux
-que son maître. Comme lui, il réussit à produire un chef-d’œuvre.
-On peut comparer les deux toiles qui se trouvent au Louvre. Celle de
-Gérard a peut-être plus de fraîcheur et de séduction, on y devine le
-souci du peintre à flatter son modèle; celle de David se distingue par
-plus d’harmonie dans l’ensemble, par plus de fermeté, par plus de vérité
-aussi. Rien ne ressemble moins à David peintre d’histoire que David
-portraitiste: devant la nature vivante tombait sa froideur systématique;
-il l’attaquait avec une absolue sincérité, ne cherchant ni à l’interpréter
-<span class="pagenum" id="Page_33">33</span>
-ni à l’orner; sur les traits mobiles du modèle, à force d’étude et de précision,
-il saisissait l’âme et la fixait. Il doit à cette probité scrupuleuse
-une gloire de bon aloi que ses meilleures et ses plus vastes compositions
-d’histoire n’auraient pu lui assurer. «Il ne reculait même pas devant
-l’horreur, malgré son amour de la beauté classique. Ce qui fait la
-gloire de David, c’est sa grande science du dessin fortifiée par l’étude
-incessante du modèle, anoblie et comme ramenée au type général par
-la familiarité de l’antique. Sans doute les personnages de ses tableaux
-se figeaient parfois en statues, mais jamais ses portraits. Pendant une
-longue période, l’autorité de David fut immense, incontestée, sans
-rivale. Il s’était emparé, en maître despotique, du domaine de l’art. Ces
-dominations ne s’acquièrent pas sans une rare puissance et, pourquoi
-ne pas dire le mot, sans génie.» (Théophile Gautier.)</p>
-
-<p>Le portrait de M<sup>me</sup> Récamier, n’ayant pas été achevé, demeura la
-propriété de l’artiste qui l’oublia dans un coin de son atelier. Il le
-suivit dans son exil à Bruxelles sans trouver acheteur. Il fut acquis par
-l’État en 1826, à la vente posthume du peintre, pour la somme de
-6.180 francs. On le mit au Louvre, d’où il ne sortit qu’une fois, en 1889,
-pour figurer à la centennale de l’Exposition universelle. Il est placé
-aujourd’hui dans la salle connue sous le nom de <i>Salle du Sacre</i>, où se
-trouvent réunies les œuvres les plus célèbres du grand peintre.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.70.—Largeur: 2.40.—<i>Figure grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_34"><span class="cs7">GIORGIONE</span><br />
-LE CONCERT CHAMPÊTRE</h2>
-
-<div class="artroom">SALON CARRÉ</div>
-
-<div  id="Page_35" class="artpagew">
-  <img src="images/im-035.jpg" alt="" title="" width="600" height="478" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-035.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-035.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_37">37</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Le Concert Champêtre</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">GIORGIO BARBARELLI, plus connu sous le nom de Giorgione,
-marque la transition entre la manière un peu sèche
-et naïve de l’art gothique et la géniale éclosion de l’art des
-Titien, des Tintoret et des Véronèse. Il naquit en 1477, la même année
-que Titien; mais tandis que celui-ci portait durant un siècle le sceptre
-de la peinture, Giorgione mourait à trente-trois ans dans la plénitude
-de son génie. Giorgione fut surtout un peintre de fresques. Venu tout
-jeune à Venise, il fut employé par les procurateurs de la Sérénissime
-et par les riches particuliers à décorer les palais officiels ou privés de
-la ville. Il avait commencé par peindre l’extérieur de sa propre maison
-de compositions fantaisistes, et bientôt cela devint une mode à Venise,
-si bien qu’avec le Titien, il fut chargé d’orner la façade du <span lang="it" xml:lang="it">Fondaco
-dei Tedeschi</span>, sorte d’hôtel consulaire des commerçants allemands,
-reconstruit en 1508 sur les rives du Grand-Canal. Giorgione fit preuve,
-dans le choix de ses compositions de la plus extraordinaire fantaisie
-et revêtit le tout d’un merveilleux coloris dont l’action corrosive de la
-lagune et du temps n’a pu complètement étouffer l’éclat.</p>
-
-<p>Cette originalité et cette splendeur de palette, disciplinées par
-beaucoup de science, on les retrouve entières dans les tableaux de
-Giorgione et notamment dans ce <i>Concert champêtre</i>, qui est une des
-merveilles du Salon Carré. «Il fut un des premiers qui fit preuve d’une
-véritable indépendance en osant ce qui n’avait pas été fait avant lui; il
-révéla à l’art vénitien son véritable tempérament en une forme amoureuse
-<span class="pagenum" id="Page_38">38</span>
-que la morale religieuse avait jusque-là empêchée, mais que
-l’esprit dévergondé de la Renaissance encouragea. Dans ses œuvres les
-chairs palpitent, les carnations savoureuses et fermes se modèlent dans
-de mystérieuses pénombres, sa couleur est dans une gamme chaude
-extrêmement harmonieuse. Nul mieux que lui ne donna à la peinture
-cette richesse de tons et cette solidité d’exécution, avec autant de souplesse,
-d’humour et de vie.» (Pierre Gusman.)</p>
-
-<p>A propos du <i>Concert champêtre</i>, nous ne saurions mieux faire que
-de citer la belle page de critique que lui consacre Théophile Gautier:</p>
-
-<p>«Au milieu d’un de ces paysages d’une richesse de ton étouffée et
-chaude dont Titien s’est souvenu plus d’une fois, de jeunes seigneurs
-font de la musique: l’un joue du luth et l’autre semble l’écouter. Au
-premier plan, une jeune femme nue, vue de dos, et assise sur un épais
-gazon d’un vert doré, approche de ses lèvres une flûte. A la gauche,
-une autre jeune femme, qui n’a d’autre vêtement qu’un bout de draperie
-blanche glissant de la hanche sur la cuisse, s’appuie sur le bord
-d’une espèce d’auge en marbre et y plonge, pour l’emplir, une bouteille
-de verre. Les deux jeunes seigneurs ont d’élégants costumes vénitiens
-dans le goût de ceux de Vittore Carpaccio; ils ne semblent nullement
-se préoccuper du contraste que présentent leurs riches habits avec la
-nudité de leurs compagnes. Le peintre, dans cette suprême indifférence
-artistique qui ne songe qu’à la beauté, n’a vu là qu’une heureuse opposition
-de belles étoffes et de belles chairs, et en effet il n’y a que cela.
-Le torse de la femme penchée sur la vasque, le dos de celle qui joue
-de la flûte, sont deux morceaux de peinture magnifiques. Jamais coloris
-plus blond, plus chaud, plus moelleux et d’une consistance plus
-riche ne revêtit d’opulentes formes féminines.</p>
-
-<p>«<i>Le Concert champêtre</i> de Giorgione, ce tableau sans sujet et
-sans anecdote, n’attire peut-être pas beaucoup la foule, mais soyez sûr
-que tous ceux qui cherchent les secrets de la couleur s’y arrêtent longuement,
-et, sans pousser le fétichisme comme sir David Wilkie à
-<span class="pagenum" id="Page_39">39</span>
-l’égard de <i>Los Borrachos</i> de Vélazquez jusqu’à en étudier un pouce
-carré seulement chaque jour, en font des pochades, des études, des
-copies complètes qu’ils gardent sur le mur de leur atelier comme le
-plus sûr étalon de coloris qu’un artiste puisse consulter. C’est Giorgione,
-on peut le dire, qui a fait la palette de Venise. Titien, Bonifazio,
-Tintoret, Paris Bordone, Palma vieux et jeune, Paul Véronèse, les plus
-illustres et les moins connus, y ont largement puisé. On peut dire à la
-gloire de Giorgione que Titien l’égala, mais ne le surpassa point.»</p>
-
-<p>Les œuvres authentiques de Giorgione sont très rares, ses fresques
-ayant presque complètement disparu, sous l’action du temps. Beaucoup
-de tableaux qui lui furent attribués ont été reconnus comme étant dus
-à Lorenzo Lotto, <span lang="it" xml:lang="it">Palma Vecchio</span> ou <span lang="it" xml:lang="it">Sebastiano del Piombo</span>. Mais
-outre le <i>Concert champêtre</i> du Louvre, il faut citer de lui deux
-œuvres maîtresses: <i>La Famille de Giorgione</i>, au palais Giovanelli, à
-Venise, et <i>Apollon et Daphné</i>, au Séminaire patriarcal de la même
-ville.</p>
-
-<p>Le <i>Concert champêtre</i> fit longtemps partie des collections des ducs
-de Mantoue, puis il fut acheté par le roi d’Angleterre Charles I<sup>er</sup>. Il
-passa ensuite aux mains du riche banquier Jabach, grand amateur de
-peinture. Mais Louis XIV, ayant vu ce tableau, manifesta le désir de
-le posséder et l’acheta au banquier. C’est ainsi que ce chef-d’œuvre,
-ainsi que nombre d’autres, entra dans notre patrimoine national.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.10.—Largeur: 1.38.—<i>Personnages en pied, grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_40"><span class="cs7">REMBRANDT</span><br />
-HEINDRICKJE STOFFELS</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_41" class="artpage">
-  <img src="images/im-041.jpg" alt="" title="" width="400" height="479" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-041.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-041.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_43">43</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Portrait d’Heindrickje Stoffels</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LE nom de Rembrandt brille d’un tel éclat au ciel de l’art que l’on
-peut se demander si l’immortel auteur de la <i>Ronde de Nuit</i>
-n’est pas le plus grand peintre que le monde ait connu. Ce qui
-surprend surtout, c’est qu’il ait pu rester toujours lui-même, c’est-à-dire
-génial, au milieu des traverses et des infortunes qui marquèrent son
-existence. Les splendeurs et la misère s’opposent dans sa vie comme
-la lumière et l’ombre dans ses tableaux; on semble même reconnaître,
-dans les œuvres de la période malheureuse, une fougue, une puissance,
-une sorte de fureur exaspérée qui se traduisent sur la toile en traits
-de feu.</p>
-
-<p>Le portrait d’Heindrickje Stoffels que nous donnons ici ne remonte
-pas à la période fastueuse de l’artiste, il ne date pas non plus des
-années de misère totale. Rembrandt a déjà connu la douleur en perdant
-sa femme adorée Saskia; mais il a trouvé une consolatrice et une
-amie dévouée en Heindrickje Stoffels, sa servante. Certains biographes
-ont fait grief au grand artiste de cette liaison, jugée par eux indigne
-d’un génie comme le sien. Une censure de cet ordre n’a que faire ici.
-Heindrickje Stoffels vient à Rembrandt au temps de ses plus grands
-ennuis et le sert fidèlement jusqu’à sa mort. Avec l’énergie et la clairvoyance
-d’un cœur aimant, elle s’applique à relever la fortune de son
-maître: elle entreprend la vente des collections du peintre, espérant
-ramener l’aisance. Cette vente ne produit guère que 5.000 florins. Rembrandt
-ne peut plus être sauvé; il ne peut plus payer sa maison de la
-<span class="pagenum" id="Page_44">44</span>
-<span lang="nl" xml:lang="nl">Joden Breestraat</span>, achetée à tempérament; les emprunts s’accumulent,
-aggravant sa détresse et bientôt il est déclaré en banqueroute. Heindrickje
-succombe à la peine, à l’âge de trente-six ans. Elle avait
-donné à Rembrandt deux enfants qui moururent jeunes.</p>
-
-<p>Rembrandt aimait profondément Heindrickje Stoffels; sa mort ouvrit
-une plaie nouvelle dans ce cœur qui saignait déjà par tant de blessures.
-Cette fidélité de la servante a reçu sa récompense; son nom survit,
-à l’ombre de celui du maître, et celui-ci a immortalisé son beau visage
-en de nombreuses toiles. On connaît plusieurs portraits de Heindrickje
-Stoffels; le musée de Berlin en possède un, mais celui du Louvre est
-le plus beau.</p>
-
-<p>Écoutons Théophile Gautier nous parler de cette peinture: «C’est
-une jeune fille de vingt-cinq ans à peu près, avec des traits réguliers
-un peu forts, des yeux bruns, des lèvres épaisses et vermeilles, des
-cheveux abondants et crêpelés d’un marron tirant sur le roux, une
-physionomie tranquille, avenante et douce. Une casaque bordée de
-fourrures lui couvre les épaules et laisse voir son col gras et souple,
-sa poitrine rebondie que couvre à demi une chemisette plissée. On ne
-saurait imaginer l’incroyable puissance de vie que Rembrandt a su
-prêter à cette figure baignée dans l’or fluide d’un coloris magique. Les
-ombres des joues, le clair-obscur du sol, le ton blond du linge, le
-bitume chaleureux et transparent de la fourrure et des cheveux dont
-le brun semble pénétré de soleil, la lumière du front et du nez, le
-travail étonnant de la brosse qui, avec son martelage, rend le grain de
-la peau et la solidité de la chair, font de ce portrait un des chefs-d’œuvre
-de l’art, une peinture sans rivale. Titien lui-même n’a pas cette
-force profonde de couleur et cette intensité de lumière. Son ambre pâlit
-un peu à côté de cet or.»</p>
-
-<p>Rembrandt a laissé aussi de nombreux portraits de sa première
-femme Saskia, qui était la parente d’Hendrick van Uylemborch, le
-marchand de tableaux d’Amsterdam. Jeune fille, elle avait posé
-<span class="pagenum" id="Page_45">45</span>
-souvent devant lui; elle lui servit plusieurs fois de modèle durant
-son mariage. Dans la toile qui est actuellement à Dresde, elle est
-représentée assise sur les genoux de son mari qui tient un verre en
-main: cette composition fut sévèrement jugée, on l’assimila méchamment
-à une scène de débauche. Le Musée Brera, à Milan, possède un
-beau portrait de Saskia, qui est d’une ravissante tonalité blonde. Sur
-les dernières effigies de la jeune femme figure le fameux collier de
-perles acheté pour elle par Rembrandt, et dont le prix fabuleux, ajouté
-à d’autres prodigalités, avait commencé la ruine du grand artiste.
-Saskia mourut à trente ans, après huit années d’une union heureuse.
-Des trois enfants qu’elle avait donnés à Rembrandt, un seul vécut, Titus,
-qui devait plus tard unir ses efforts à ceux de Heindrickje Stoffels pour
-essayer d’arrêter son père sur le chemin de la banqueroute.</p>
-
-<p>Mais une dernière douleur était réservée à Rembrandt; ce fils qu’il
-aimait tant mourut à son tour, le laissant seul au monde. Il ne tarda
-pas à le suivre dans la tombe, le destin ayant épuisé contre lui toutes
-ses cruautés. L’enterrement du génial et fastueux Rembrandt coûta
-13 florins, comme celui d’un matelot du port.</p>
-
-<p>Le magnifique portrait d’Heindrickje Stoffels, qui se trouvait autrefois
-dans le Salon carré, figure aujourd’hui à l’extrémité de la Grande
-galerie, dans la partie affectée à l’École hollandaise et dont les œuvres
-de Rembrandt, abondamment représentées au Louvre, occupent tout un
-panneau.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.72.—Largeur: 0.60.—<i>Buste grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_46"><span class="cs7">VELAZQUEZ</span><br />
-L’INFANTE MARGUERITE</h2>
-
-<div class="artroom">SALON CARRÉ</div>
-
-<div  id="Page_47" class="artpage">
-  <img src="images/im-047.jpg" alt="" title="" width="400" height="478" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-047.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-047.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_49">49</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Portrait de l’Infante Marguerite</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">ON raconte que Philippe III, roi d’Espagne, voyant des fenêtres
-de son palais un homme qui riait, dit gravement: «Ou cet
-homme est fou, ou il lit <i>Don Quichotte</i>.» On s’informa,
-l’homme lisait <i>Don Quichotte</i>.</p>
-
-<p>C’est de cette Cour austère, encore assombrie sous le règne suivant,
-que le génial Velazquez fut le peintre officiel. Il n’y jouit guère, à l’origine,
-que de l’amitié personnelle de Philippe IV, dont il a si souvent reproduit
-les traits. Le reste de la Cour l’estimait peu, le plaçait à peine au-dessus
-des bouffons et des fous chargés de dérider les tristes hôtes des
-palais royaux. N’était considéré comme artiste, à cette époque, que le
-peintre dont le talent était exclusivement consacré à l’Église. Velazquez
-reçoit huit livres pour trois portraits dont l’un est perdu et dont les
-deux autres, Philippe IV et le comte d’Olivarès, sont en Espagne. Un
-peu plus tard, on le gratifie d’un présent de trois cents ducats et d’une
-pension de même valeur, avec un logement. En 1644, le roi le nomme
-Inspecteur des Bâtiments, puis Maréchal du Palais, avec de forts
-appointements et un logis dans la maison du Trésor.</p>
-
-<p>Avec quelle joie le grand artiste devait-il saisir l’occasion de peindre
-les jeunes infants et infantes de la Cour! Ces figures fraîches, ces mines
-avenantes étaient le seul rayon dans ces palais d’où la joie et le rire
-étaient bannis. Toute la lumière de sa couleur, tous les chatoiements de
-sa palette se dépensent avec amour dans les nombreux portraits de
-l’infant don Balthazar Carlos, dans ceux des infants Philippe Prosper
-<span class="pagenum" id="Page_50">50</span>
-et don Fernand d’Autriche et surtout dans le célèbre tableau de <i lang="es" xml:lang="es">Las
-Meninas</i> qui est un morceau de vie transposé avec un bonheur inexprimable
-et une plénitude de moyens et d’effets qui n’ont jamais été
-surpassés.</p>
-
-<p>Parmi ces œuvres gracieuses il en est une que le Louvre a l’heureuse
-fortune de posséder; c’est le portrait de la mignonne infante Marie-Marguerite,
-qui devait devenir plus tard la femme de l’Empereur d’Allemagne
-Léopold I<sup>er</sup>.</p>
-
-<p>Devant cette peinture, l’admiration est unanime. «Voyez, s’écrie
-Raffaelli, le portrait de l’infante Marguerite, dans son harmonieuse et
-forte couleur, vraie perle de coloriste, où les tons passent les uns
-dans les autres sans jamais dire comment ni où, comme ils le font dans
-la nacre. Les gris-argent, le noir, le rose et le blond des petites filles
-forment toute l’harmonie du tableau de la reine-enfant.»</p>
-
-<p>Léon Bonnat n’est pas moins enthousiaste: «Ah! l’adorable infante,
-la pâle infante aux yeux bleus! Elle est debout dans son costume d’apparat,
-les bras écartés, étalés sur ses énormes paniers et elle tient à la
-main une rose pâle comme sa frêle personne. Est-elle assez malheureuse,
-la royale princesse, dans sa splendeur et ses atours, d’être ainsi
-astreinte à l’étiquette rigoureuse de la Cour! Ne la plaignons pas trop
-toutefois. Elle passe à la postérité grâce au génie du grand maître. Peut-on,
-en effet, voir un portrait plus ravissant que le sien? Ces tons gris,
-rosés, argentins, ces cheveux d’un blond cendré, ces nœuds, ces rubans,
-le tout se détachant sur des tentures rouges, carmin, violacées, que
-sais-je? Peut-on voir un plus heureux assemblage de tons délicats et
-n’est-ce pas vraiment d’une tendresse exquise?»</p>
-
-<p>Avant eux Théophile Gautier avait déjà célébré ce tableau:
-«Quelle délicieuse créature que cette petite infante Marguerite, avec
-son nœud rose dans ses cheveux blonds, et sa robe de taffetas gris de
-perle galonnée de dentelles noires! A travers la naïveté de l’enfance,
-on sent dans cette mignonne figure la dignité consciente de sa
-<span class="pagenum" id="Page_51">51</span>
-position. C’est une petite fille, mais une fille de roi, qui sera reine un
-jour.»</p>
-
-<p>Dans ce tableau comme dans tous ceux de Velazquez, le gris joue
-un rôle considérable. De bonne heure l’artiste avait été amené à constater
-que le gris était la base harmonique par excellence dans la nature,
-le lien subtil et souple qui permettait aux colorations les plus délicates
-de chanter et de vibrer dans les ondes de l’air, que cette nature, qu’on
-n’interroge jamais en vain, avait elle-même horreur du noir, qu’elle
-savait à merveille user du gris pour tempérer les oppositions de la
-lumière et amortir l’éclat trop entier ou trop vif des couleurs. Velazquez
-en vint donc à user largement du gris pour en faire l’étoffe de ses
-préparations et la caresse définitive de ses glacis; il a proclamé dans
-ses plus admirables chefs-d’œuvre la vertu souveraine du gris, ce gris
-divin de van der Meer et de Corot. Si quelque maître avait soupçonné
-cette vérité avant lui, témoin le <i>Balthazar Castiglione</i> de Raphaël,
-personne n’en avait formulé avec cette largeur d’initiative les principes
-féconds.</p>
-
-<p>Le portrait de l’<i>Infante Marguerite</i> fut peint par Velazquez en
-1659, la même année que le portrait en pied envoyé par Philippe IV à
-l’empereur d’Allemagne. Théophile Gautier, parcourant le Louvre en
-1830, regrettait que l’on n’eût pas ménagé une place dans le «radieux
-cénacle» du Salon carré, à la délicieuse petite infante. Son vœu est
-aujourd’hui réalisé: l’œuvre charmante de Velazquez y figure maintenant,
-entre Véronèse et Raphaël, et sollicite l’admiration des visiteurs,
-par la grâce puérile du modèle et la prestigieuse beauté de l’exécution.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.70.—Largeur: 0.59.—<i>Figure à mi-corps, grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_52"><span class="cs7">SIMONE MEMMI</span><br />
-JÉSUS-CHRIST MARCHANT AU CALVAIRE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DES PRIMITIFS</div>
-
-<div  id="Page_53" class="artpage">
-  <img src="images/im-053.jpg" alt="" title="" width="400" height="620" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-053.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-053.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_55">55</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Jésus-Christ marchant au Calvaire</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">EN Avignon, vers l’an 1330. Sur l’écran bleu d’un ciel d’été se profile
-en vigueur, à travers un réseau d’échafaudages, une masse
-énorme de murailles et de tours. C’est le Palais des Papes qui
-s’élève, sous l’active impulsion de Jean XXII. Non loin de là, sur la
-terrasse d’une riche demeure, trois personnes sont assemblées, deux
-hommes et une femme. Le plus jeune des deux hommes semble rêver
-devant le grandiose spectacle en écoutant le grondement du Rhône
-au pied du mur. Tout près de lui se tient, dans une pose étudiée, une
-jeune fille admirablement belle, au visage sérieux et pensif, dont le
-regard s’arrête fréquemment sur le troisième personnage. Celui-ci,
-d’âge mur, est assis devant un chevalet et son pinceau fixe sur la
-toile les traits de son modèle, Laure de Noves, immortalisée par
-l’amour de Pétrarque, le poète rêveur qui se tient immobile à ses
-côtés. Le peintre, c’est Simone de Martini, plus connu dans l’histoire
-de l’art sous le nom de Memmi.</p>
-
-<p>Le portrait de Laure n’est pas parvenu jusqu’à nous et c’est dommage
-si l’on en juge d’après les sonnets célèbres où Pétrarque glorifie cette
-peinture: «Certes, écrit-il, mon cher Simone a été dans le Paradis,
-d’où cette noble dame est venue; c’est là qu’il l’a vue et qu’il l’a peinte sur le
-papier pour faire connaître ici-bas son beau visage.»</p>
-
-<p>Vasari prétend que les sonnets de Pétrarque ont plus fait pour la
-renommée de Memmi que ses œuvres propres; il lui reconnaît cependant
-une valeur considérable. Cette valeur est d’ailleurs attestée par la
-<span class="pagenum" id="Page_56">56</span>
-faveur dont il jouit de son vivant et par les peintures, trop rares, que
-nous connaissons de lui.</p>
-
-<p>Memmi était né à Sienne, vers 1284. Il fut, croit-on, l’élève de Giotto.
-En tout cas, s’il ne travailla pas dans l’atelier du grand peintre florentin,
-il collabora avec lui à plusieurs ouvrages de grande importance,
-notamment à la décoration de l’église Saint-Pierre à Rome.</p>
-
-<p>Ces travaux lui avaient valu une grande réputation dont le bruit
-parvint jusqu’à Jean XXII, qui désira s’attacher Memmi. Celui-ci
-lui fut amené par le cardinal Annibal da Ceccano qui se rendait de
-Rome en France. Le pape accueillit le peintre avec honneur et lui
-confia la décoration de ses appartements privés, des salles du Conclave
-et de la chapelle pontificale. Il n’en reste malheureusement rien, cette
-partie du palais s’étant écroulée, un siècle plus tard, durant le siège
-qu’y soutint Pierre de Luna, l’antipape Benoît XIII.</p>
-
-<p>Les œuvres de Simone Memmi sont donc très rares. Il existe toutefois
-des fresques de lui au palais des Papes, mais elles sont ensevelies
-sous le badigeon criminel des chambrées militaires, installées là. On
-trouve quelques-uns de ses tableaux dans les musées de Florence, de
-Naples, de Munich, de Berlin. Ils suffisent, malgré leur petit nombre, à
-assurer la gloire du grand peintre de Sienne. N’oublions pas qu’il s’agit
-d’un artiste du <span class="cs7">XIV</span><sup>e</sup> siècle à son début, c’est-à-dire d’une époque où l’art
-ne s’était pas encore dégagé de la tradition byzantine, hiératique et
-froide. On peut dire de cet art qu’il constitue la période glaciaire de la
-peinture. Avec un beau courage, bien secondé d’ailleurs par Giotto,
-Memmi s’efforça de secouer ce joug, d’assouplir cette rigidité, d’animer
-les visages par la tendresse de l’expression, en un mot d’introduire la
-vie dans des corps jusque-là sans âme et sans mouvement. Les œuvres
-de Memmi se distinguent par une grâce un peu maniérée et par un
-goût très marqué pour la finesse de la décoration et la préciosité
-ornementale; elles sont de véritables ouvrages d’orfèvrerie.</p>
-
-<p>Cette manière toute personnelle se retrouve dans <i>le Christ marchant
-<span class="pagenum" id="Page_57">57</span>
-au Calvaire</i> que nous donnons ici et dont les proportions réelles
-ne sont pas sensiblement supérieures à celles de notre reproduction.</p>
-
-<p>Le Christ, vêtu d’une robe rouge, porte sa croix et s’avance vers la
-droite, entraîné par les bourreaux. Son corps est légèrement incliné,
-et sa tête se retourne à demi vers un soldat qui, derrière lui, écarte la
-Vierge et les saintes Femmes. Au fond, la Madeleine, vêtue d’une robe
-rouge, se dresse en gémissant, les cheveux épars. Elle est suivie d’une
-foule qui traverse un pont. A l’horizon, se profilent les remparts d’une
-ville.</p>
-
-<p>Memmi séjourna à Avignon durant de longues années. C’est là qu’il
-connut Pétrarque dont la famille, inféodée aux Gibelins, avait dû
-s’exiler de Florence. Une véritable amitié se noua, nous l’avons vu,
-entre le peintre et le poète. Memmi fut en grande faveur à la cour pontificale,
-d’abord auprès de Jean XXII, puis auprès de Benoît XII et
-surtout de Clément VI, le plus magnifique et le plus artiste des Papes
-d’Avignon, Memmi ne put collaborer aux grands travaux que le pontife
-rêvait d’entreprendre, car il mourut en 1344, deux ans à peine après
-l’avènement de Clément VI.</p>
-
-<p><i>Le Christ marchant au Calvaire</i> est une toile collée sur panneau et
-plâtrée. Il est impossible de suivre sa destinée durant le cours des
-siècles. Nous la trouvons en 1834 dans la collection de M. Saint-Denis.
-Elle fut acquise pour le compte de Louis-Philippe, au prix de 200 francs.
-Cet admirable petit tableau figure aujourd’hui dans la Salle des Primitifs,
-avec les peintures de l’École de Sienne.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.25.—Largeur: 0.10.</div>
-
-<h2 id="Page_58"><span class="cs7">INGRES</span><br />
-LA SOURCE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DUCHATEL</div>
-
-<div  id="Page_59" class="artpages">
-  <img src="images/im-059.jpg" alt="" title="" width="350" height="654" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-059.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-059.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_61">61</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Source</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">INGRES, grand amateur de formules lapidaires, émit un jour cet
-axiome: «Le dessin est la probité de l’art.» Inébranlable dans
-son culte de la forme, puisé d’abord dans l’atelier de David mais
-surtout à l’école de Raphaël, Ingres ne sacrifia jamais le dessin à la
-couleur. De celle-ci il ne s’inquiétait pas. Elle venait toujours, sûre,
-sobre et modeste. Elle suivait le dessin en esclave docile qui doit
-escorter son maître et marcher du même pas, mais à distance. «La
-couleur, disait-il, ajoute des ornements à la peinture, mais elle n’en
-est que la dame d’atours.»</p>
-
-<p>Dans aucune de ses œuvres peut-être, autant que dans <i>la Source</i>, l’admirable
-artiste n’a poussé aussi loin la science du dessin et la perfection
-de la forme. Avant d’arriver à l’exécution définitive, que de croquis,
-que de recherches, que d’études! Les mains, les jambes, la tête, les
-pieds, la position de l’amphore furent l’objet de longs essais, de remaniements
-sans nombre dont la trace se retrouve dans les cartons du
-peintre et qui attestent une défiance de soi que connurent seuls les
-maîtres supérieurs. A l’époque où il préparait <i>la Source</i>, raconte
-Théodore de Banville, Ingres, avec un carton sous le bras comme un
-écolier, s’abandonnait à une colère furibonde à la porte d’un musée
-qu’il trouvait fermé. Un de ses anciens élèves l’aborde et, cherchant
-à le calmer:—Oui, monsieur Ingres, le musée est fermé, mais qu’y
-allez-vous donc faire?—Apprendre à dessiner, répondit le grand
-homme, avec sa naïveté de conquérant têtu; car, en effet, il n’avait pas
-<span class="pagenum" id="Page_62">62</span>
-d’autre idée que celle-là et elle lui suffisait. Or, à ce moment-là, Ingres
-était un vieillard couvert de gloire; il avait produit ses plus beaux
-chefs-d’œuvre, et pour peindre <i>la Source</i>, il voulait encore apprendre
-à dessiner! Quelle belle et profitable leçon pour les <i lang="it" xml:lang="it">fa presto</i> vaniteux
-dont notre peinture contemporaine offre de si nombreux exemples!
-Qu’ils étudient, pour leur confusion, cet adorable corps de jeune fille, si
-frais, si chaste, si parfait, dont Charles Blanc a dit qu’elle était la plus
-belle peinture de l’école française.</p>
-
-<p>Cette jeune fille aux cheveux blonds épars sur les épaules se tient
-de face, nue, appuyée contre un rocher que couronnent de légères
-ramures; de son bras droit arrondi elle soutient sur son épaule gauche
-un vase d’argile dont l’ouverture, inclinée vers le sol et maintenue par
-sa main gauche, laisse s’échapper l’eau qui tombe dans le bassin en
-filtrant à travers ses doigts. Les jambes de l’enfant, une merveille de
-finesse et de gracilité, se reflètent dans le cristal de la source.</p>
-
-<p>Ingres aima toujours peindre les femmes; <i>l’Odalisque</i>, <i>la Baigneuse</i>,
-<i>le Bain turc</i>, <i>l’Age d’or</i> sont d’un artiste qui n’était pas insensible
-aux fascinations de la chair. «Il fut, écrit M. Henry Lapauze, un
-adorateur de la beauté féminine. Il la décrivit en des traits inimitables,
-d’un pinceau fervent, mais ses confessions restent toujours chastes, ses
-transports toujours contenus; il ne tombe jamais dans des matérialisations
-trop sensuelles.»</p>
-
-<p>De cette affirmation <i>la Source</i> nous fournit une éclatante preuve.
-Ce corps charmant et délicat, dépourvu de tout voile, n’éveille cependant
-en nous aucun autre sentiment qu’une profonde admiration pour
-son idéale beauté; les sens demeurent en repos devant cette nudité si
-adorablement pudique.</p>
-
-<p>La vue de ce tableau permet encore une autre constatation; elle
-démontre à l’évidence l’injustice des détracteurs d’Ingres qui lui contestent
-ses qualités de coloriste. Est-il possible de peindre des chairs de
-femme avec plus de chaleur et de vérité? Au surplus, Ingres avait, sur
-<span class="pagenum" id="Page_63">63</span>
-le coloris, des opinions arrêtées que les plus violentes attaques
-ne purent jamais ébranler. Il était, aussi bien que tout autre, mieux
-même que bien d’autres, maître de son pinceau comme de son crayon.
-«Mais composer une toile pour un effet, choisir un motif aigu
-ou puissant et le faire dominer dans une symphonie de tons, lui semblait
-un procédé indigne de l’art. Utiliser la couleur comme une matière
-plastique, peindre ce que l’on appelle «en pleine pâte», avec des
-rehauts, des surcharges, des glacis, des touches visibles et grumeleuses,
-lui apparaissait blasphématoire. Animer la peinture d’une chaleur
-sensuelle, prodiguer la splendeur criarde des étoffes éclatantes, la
-lourde somptuosité des brocarts, des damas, des velours, des orfèvreries,
-étaler des chairs nues et grasses, avec des reliefs trop voluptueux,
-des roseurs sanguines trop ardentes, des plis et des taches trop
-véridiques, excitaient son indignation et sa répugnance.» (Henry Lapauze.)
-Il n’en était pas moins un traducteur fidèle et passionné de la
-nature, on pourrait presque dire un réaliste. Nous aurons certainement
-l’occasion de l’examiner sous cet aspect dans certains de ses magnifiques
-portraits du Louvre, dont la place est naturellement indiquée
-dans cette galerie d’œuvres célèbres.</p>
-
-<p>On pourrait dire d’Ingres que, si d’autres peintres furent de plus
-brillants coloristes, aucun ne le surpassa pour l’impeccable correction
-du dessin. Cet amour passionné de la forme, il le tenait des grands
-artistes de la Renaissance et surtout de Raphaël. Quand on se réclame
-de tels maîtres, on peut attendre avec assurance le jugement de la
-postérité.</p>
-
-<p><i>La Source</i> fut léguée au Louvre par M<sup>me</sup> la comtesse Duchatel.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.65.—Largeur: 0.80.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_64"><span class="cs7">GÉRARD DOW</span><br />
-LA FEMME HYDROPIQUE</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_65" class="artpage">
-  <img src="images/im-065.jpg" alt="" title="" width="400" height="490" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-065.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-065.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_67">67</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Femme hydropique</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">INTÉRIEUR de riches bourgeois hollandais. Dans un fauteuil est
-assise une femme dont le visage exprime la souffrance. Agenouillée
-près d’elle et lui tenant la main, sa fille la regarde en pleurant.
-Derrière le siège une servante est penchée sur la malade et lui
-tend une cuiller contenant un remède. Au premier plan, debout, un
-médecin présente à la lumière de la fenêtre un flacon dont il examine
-attentivement le contenu.</p>
-
-<p>Mercier, dans son <i>Journal de Paris</i>, analyse ainsi cette scène:
-«C’est un drame dont le sujet, quoiqu’il ne soit qu’un événement de
-la vie privée, captive tous les suffrages. Vrai, simple, pittoresque et
-touchant, il produit un tout du plus bel accord par la concordance des
-parties et la grâce des positions.»</p>
-
-<p>D’après Théophile Gautier «il y a, dans <i>la Femme hydropique</i>, le
-chef-d’œuvre de Gérard Dow, du sentiment et une expression douloureuse
-et sympathique bien rendue, quoique l’artiste n’ait pas l’habitude
-de chercher le drame dans sa peinture, si calme, si polie, si soignée».</p>
-
-<p>La patience, la propreté hollandaises poussées aux dernières limites,
-voilà la caractéristique du talent de Gérard Dow.</p>
-
-<p>Abandonnons pour un instant la Femme hydropique aux soins de
-son entourage et examinons la chambre où se déroule ce drame
-domestique. Tout y est d’une netteté admirable, les moindres détails
-y sont notés avec une minutieuse précision. Devant la fenêtre dont
-toutes les vitres sont exactement encadrées dans leur alvéole de
-<span class="pagenum" id="Page_68">68</span>
-plomb, un rideau est tiré à demi dont on pourrait compter les plis
-et les anneaux. Le livre, posé sur le trépied, laisse voir les feuillets à
-demi soulevés et sur la tranche rouge on lit la signature de l’artiste
-et la date du tableau: G. DOV. OVT 65 JAER. Sur les plis de la
-lourde tenture relevée à droite, les plus fines arabesques du dessin
-se trouvent reproduites avec une prodigieuse exactitude. Et le lustre,
-cette petite merveille de clair-obscur, dont on aperçoit les branches,
-les anneaux, les bobêches, de quelle recherche du fini ne témoigne-t-il
-pas!</p>
-
-<p>Recherche d’autant plus extraordinaire chez Gérard Dow qu’il
-avait été durant plusieurs années l’élève de Rembrandt, le peintre des
-oppositions vigoureuses, des reliefs puissants et qui ne s’attardait pas
-au travail de marqueterie des accessoires.</p>
-
-<p>Mais on ne travaille pas avec un tel maître sans en retirer quelque
-fruit.</p>
-
-<p>A son école, il apprit le secret du clair-obscur dont nous voyons,
-dans <i>la Femme hydropique</i> précisément, qu’il savait fort bien user.
-Mais il tourna vers le précieux et le fini. Chacune de ses œuvres était
-soignée, fouillée, ciselée comme une pièce d’orfèvrerie. Rien ne lui
-semblait négligeable dans un tableau: le moindre accessoire avait à ses
-yeux autant d’importance que le sujet principal. Ces accessoires, il les
-multipliait même volontiers pour pouvoir satisfaire son goût de la minutie
-et du détail, témoin cette pendulette, dans le tableau qui nous occupe,
-dont on aperçoit les plus minces particularités et jusqu’au contrepoids
-pendant au bout de la double chaînette. Si l’on en croit Sandrard,
-il mettait parfois cinq jours pour peindre une main, mais, quand elle
-était finie, on en pouvait dénombrer les rides et les plis. Il peignait à
-la loupe, comme Breughel de Velours; c’est aussi à la loupe qu’il
-faut examiner ses tableaux: alors apparaît nettement le prodigieux
-labeur que représente chaque pouce carré de sa peinture.</p>
-
-<p>Sa minutie était proverbiale; on citait son atelier comme une
-<span class="pagenum" id="Page_69">69</span>
-merveille d’ordonnance et de netteté. Chaque jour, il le faisait nettoyer
-de fond en comble, afin qu’aucune parcelle de poussière ne vînt se
-poser sur les toiles en cours d’exécution. Il confectionnait lui-même ses
-pinceaux et broyait ses couleurs avec le plus grand soin. C’est à cela
-sans doute que ses tableaux doivent d’avoir traversé les siècles sans
-rien perdre de la fraîcheur de leur coloris.</p>
-
-<p>Loin de lui nuire, son goût pour la peinture orfévrie contribua à
-sa fortune. Ce genre plaisait à la Hollande méticuleuse, soignée, qui
-voyait dans ces intérieurs rangés et brillants comme une glorification
-de ses vertus domestiques. Gérard Dow exécutait de petits portraits
-qui étaient très recherchés et qu’il vendait fort cher. La Compagnie des
-Indes lui paya 4.000 florins pour un tableau qu’elle voulait offrir à
-Charles II, roi d’Angleterre.</p>
-
-<p>L’Électeur palatin, paya 30.000 florins <i>la Femme hydropique</i> et en
-fit don au prince Eugène de Savoie. Le tableau demeura dans la famille
-de Savoie, à Turin, jusqu’en 1800. A cette époque, le roi de Sardaigne
-Charles-Emmanuel IV, dont les États étaient occupés par les armées
-républicaines, offrit ce tableau au lieutenant-général Clausel, depuis
-maréchal de France, qui s’empressa d’en faire hommage à la nation. On
-le plaça au Louvre où il figure aujourd’hui dans la partie de la Grande
-galerie réservée aux peintres hollandais.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.83.—Largeur: 0.67.—<i>Figures: 0.32.</i></div>
-
-<h2 id="Page_70"><span class="cs7">QUENTIN LA TOUR</span><br />
-MADAME DE POMPADOUR</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE QUENTIN LA TOUR</div>
-
-<div  id="Page_71" class="artpage">
-  <img src="images/im-071.jpg" alt="" title="" width="400" height="544" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-071.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-071.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_73">73</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Madame de Pompadour</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SI Quentin La Tour fut un admirable pastelliste et un grand magicien
-de la couleur, la nature l’avait moins heureusement
-doté sous le rapport du caractère. Il était <ins id="cor_1" title="habituellemente">habituellement</ins>
-quinteux et fantasque. Très avancé dans les doctrines des Encyclopédistes,
-il affectait avec les grands une désinvolture frisant
-l’impertinence. On le voit reprocher au Dauphin que ses enfants sont
-fort mal élevés et qu’il se laisse duper par des fripons. Le roi lui-même
-doit subir ses boutades: pendant une séance de pose, il fatigue
-Louis XV par un éloge outré des étrangers:</p>
-
-<p>—Mais je vous croyais Français, lui dit le roi surpris.—Non, sire,
-répond hargneusement La Tour, je suis Picard, de Saint-Quentin.</p>
-
-<p>L’exécution du portrait de M<sup>me</sup> de Pompadour, notamment, est
-marquée de péripéties et d’incidents sans nombre. Quentin La Tour
-n’aime pas la favorite. De premières ouvertures lui sont faites en 1750,
-il les repousse; prié de se rendre à Versailles auprès de la marquise,
-il se contente de répondre à l’envoyé:</p>
-
-<p>—Dites à Madame que je ne vais pas peindre en ville.</p>
-
-<p>M<sup>me</sup> de Pompadour, dépitée, en écrit à son frère, le marquis de Marigny,
-qui est lié avec l’artiste. Son intervention amène un rapprochement et La
-Tour jette sur le papier deux préparations de son tableau. Puis il reste
-deux ans sans y travailler; tous les prétextes lui sont valables pour se
-dérober. A Marigny qui le presse il écrit qu’il se sent en proie «à un
-abattement, à un anéantissement qui lui font craindre la fièvre», et il
-<span class="pagenum" id="Page_74">74</span>
-veut essayer «si l’air lui fera du bien». Marigny se fâche alors, mais
-sans plus de résultat. M<sup>me</sup> de Pompadour, qui tient à son portrait,
-essaye de la douceur: «Je suis, lui mande-t-elle, à peu près dans le
-même embonpoint où vous m’avez vue à la Muette et je crois qu’il
-serait à propos de profiter du moment pour finir ce que vous avez si
-bien commencé. Si vous pouvez venir demain, je serai libre et avec si
-peu de monde que vous voudrez. Vous connaissez, Monsieur, le cas
-que je fais de vous et de vos admirables talents.»</p>
-
-<p>Vaincu par tant d’insistance, La Tour cède enfin et se rend à Versailles,
-sur la promesse qu’aucun fâcheux ne viendra interrompre le
-travail. Mais, en bon philosophe, il est bien résolu à «donner une leçon
-à ces gens-là». Dès que la marquise est installée, il se met à son aise,
-enlève les boucles de ses escarpins, son col, sa perruque, ses jarretières
-et se coiffe d’un bonnet de taffetas. Survient le roi:</p>
-
-<p>—Vous aviez promis, madame que votre porte serait fermée.</p>
-
-<p>—Je ne vous dérangerai pas, fait le roi souriant; je vais rester là
-bien tranquille. Continuez.</p>
-
-<p>—Il ne m’est pas possible d’obéir à Votre Majesté; je reviendrai
-lorsque madame sera seule: je n’aime point à être interrompu.</p>
-
-<p>Et il s’en fut.</p>
-
-<p>Enfin, après trois ans d’efforts et de mécomptes, le portrait fut
-achevé et figura au Salon de 1855. Malgré l’évidente mauvaise volonté
-mise par La Tour à peindre la favorite royale, les témoignages du
-temps s’accordent à reconnaître qu’il mit de la galanterie à l’embellir.
-Combien différente et plus véridique est la «préparation» du tableau,
-qui se trouve aujourd’hui au musée de Saint-Quentin!</p>
-
-<p>Mais, en dépit de son exécution volontairement flatteuse, ce portrait
-n’en est pas moins une œuvre de premier ordre, l’une des meilleures
-de La Tour. Sainte-Beuve lui a consacré une de ses pages les plus
-brillantes:</p>
-
-<p>«C’est la personne même, écrit-il, qui est de tout point merveilleuse
-<span class="pagenum" id="Page_75">75</span>
-de finesse, de dignité suave et d’exquise beauté. Tenant en main le
-cahier de musique avec légèreté et négligence, elle est tout à coup
-distraite. Elle semble avoir entendu du bruit et retourne la tête. Est-ce
-bien le roi qui vient et qui va entrer? Elle a l’air d’attendre avec
-certitude et d’écouter avec sourire. Sa tête ainsi détournée laisse voir le
-profil du cou dans toute sa grâce et ses petits cheveux très courts,
-délicieusement ondés, dont les boucles s’étagent et dont le blond se
-devine encore sous la demi-poudre qui les couvre à peine. La tête nage
-dans un fond bleuâtre qui, en général, est celui de tout le tableau. L’œil
-est partout satisfait et caressé; c’est de la mélodie plus encore que de
-l’harmonie... Il n’est rien dans ce boudoir enchanté qui ne semble faire
-sa cour à la déesse. Elle-même a les chairs et le teint d’un blanc lilas,
-légèrement azuré. Ce sein, ces rubans, cette robe, tout cet ensemble se
-marie harmonieusement. Tout dans la physionomie, dans l’attitude,
-exprime la grâce, le goût suprême, l’affabilité et l’aménité plutôt que la
-douceur, un air de reine qu’il a fallu prendre, mais qui se trouve
-naturel et se soutiendra sans trop d’efforts.»</p>
-
-<p>M<sup>me</sup> de Pompadour se déclara satisfaite du pastel, mais quand vint
-l’heure du règlement, les difficultés recommencèrent. La Tour ne
-demandait rien moins que quarante-huit mille livres! Après bien des
-pourparlers et des tiraillements, il dut se contenter de la moitié de
-cette somme, mais il ressentit de cette déconvenue une colère qui fut
-très longue à s’apaiser.</p>
-
-<p>Le portrait de M<sup>me</sup> de Pompadour passa, on ne sait comment, entre
-les mains du comte de Lespinasse d’Arlet, puis fut acquis, en 1797, par
-le Muséum des Arts. Il resta dans la poussière des réserves nationales
-jusqu’en 1838, date à laquelle il fut transféré au Louvre, où il figure
-aujourd’hui dans la salle des Pastels.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.70.—Largeur: 1.20.—<i>Figure grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_76"><span class="cs7">CONSTANTIN NETZCHER</span><br />
-UNE JEUNE PRINCESSE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE HOLLANDAISE—COLLECTION LA CAZE</div>
-
-<div  id="Page_77" class="artpage">
-  <img src="images/im-077.jpg" alt="" title="" width="400" height="563" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-077.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-077.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_79">79</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Une Jeune Princesse</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SUR la terrasse d’un parc majestueux, dans le goût de celui de
-Versailles, avec fontaines, balustrades, escaliers de marbre,
-divinités marines, une jeune princesse toute gracieuse est représentée.
-Une abondante chevelure blonde encadre son joli visage.
-Joufflue, potelée, de proportions déjà bien dessinées, la fillette
-conserve dans l’attitude éveillée et mutine cette native distinction qui
-trahit la race. Quelle fut cette princesse et quel nom laissa-t-elle
-dans l’histoire? Nous l’ignorons et cela n’enlève rien au charme de
-cette mignonne enfant. En un geste plein de naturel, sa main gauche
-tient une tige fleurie qu’elle se dispose à fixer dans un vase placé
-devant elle. La main droite retrousse légèrement la robe pourpre en
-forme de tablier pour maintenir la cueillette de fleurs dont certaines
-se sont déjà échappées et gisent à terre. Le mouvement
-qui soulève la robe laisse apercevoir d’élégants dessous en dentelle
-et la naissance d’une jambe agréablement tournée. Devant elle,
-sur la console de marbre qui supporte le vase, un perroquet au
-plumage multicolore est posé, tandis qu’à ses pieds un petit chien
-blanc et noir paraît jouer.</p>
-
-<p>Autant les personnages sont gracieux, autant le décor est grandiose.
-Dans le jardin, de grands arbres d’un vert sombre forment l’écran sur
-lequel se profile en vigueur le blond visage de la princesse. Des groupes
-de femmes en riche toilette traversent, au loin, les allées du parc.</p>
-
-<p>L’ensemble est très harmonieux dans son arrangement un peu
-<span class="pagenum" id="Page_80">80</span>
-apprêté, et la composition très habilement disposée pour laisser tout
-l’intérêt au portrait de l’enfant, objet unique de l’œuvre.</p>
-
-<p>Ce qu’il convient de remarquer dans ce tableau, peint par un Hollandais,
-c’est l’absence complète des caractères essentiels de la peinture
-hollandaise. A sa manière on devine qu’une révolution s’est
-accomplie, qu’une influence étrangère a pénétré l’art de Ter Borch et de
-Nicolas Maës. C’en est fait des scènes intimes, des réunions de cabaret,
-des joyeuses tablées de buveurs et de fumeurs. L’art n’a certes pas
-grandi—mais il s’est haussé de ton, il s’est orienté vers le pseudo-classicisme
-de l’art français, régenté par Le Brun. La France est alors
-à son apogée; la gloire du Roi-Soleil a conquis l’Europe et derrière
-ses armées victorieuses, c’est la langue française, la poésie française,
-la peinture française, le goût français qui franchissent les frontières et
-captivent les peuples. Un peu partout, à l’image de la France, on
-cherche à faire grand et si l’on ne parvient pas à égaler la majesté
-que Louis XIV imprime à tout, on s’efforce d’y atteindre; si la peinture
-hollandaise est mal préparée à imiter les solennelles et vastes
-compositions de Le Brun, du moins elle s’évertue à se grandir aussi.</p>
-
-<p>Les deux Netzcher, Gaspard et Constantin, le père et le fils, firent
-les premiers pas dans cette voie nouvelle. Gaspard Netzcher, d’ailleurs,
-bien qu’ayant travaillé dans l’atelier de Ter Borch à Deventer, ne se
-cachait pas d’affinités françaises. Tout jeune, il était venu en France
-et avait séjourné à Bordeaux, où il s’était marié. Dans son voyage de
-retour aux Pays-Bas, il s’était arrêté à Paris et les splendeurs entrevues
-l’avaient ébloui et conquis. L’art hollandais, si pittoresque dans
-son intime et rustique simplicité, lui parut dès lors inférieur ou tout
-au moins sans noblesse. Il résolut de ne pas le continuer et d’adopter
-un genre moins familier. Phénomène étrange, son pays ne lui tint pas
-rigueur de cet abandon de la tradition. Au contraire, Gaspard Netzcher
-jouit d’une vogue générale et acquit une fortune considérable. Les plus
-riches personnages d’Amsterdam et de La Haye se disputèrent la
-<span class="pagenum" id="Page_81">81</span>
-faveur de poser devant lui; il fit même plusieurs fois le portrait de
-Guillaume III. Peintre souple et brillant, il revêtait ses personnages
-d’une élégance un peu mignarde, plus agréable que vraie, mais qui
-devait séduire et flatter les bourgeois un peu lourds de Hollande.</p>
-
-<p>Bien qu’ayant rompu avec la tradition, Gaspard Netzcher traita
-parfois le tableau de genre et s’y montra supérieur. Ses scènes intimes
-n’ont pas le pittoresque de celles de Ter Borch, mais elles témoignent
-d’une habileté consommée et d’une science parfaite de la composition.
-On pourrait citer comme des modèles <i>La leçon de Basse viole</i> et la
-<i>Leçon de Chant</i> qui sont au Louvre, et sa <i>Dame donnant à manger
-à un perroquet</i>.</p>
-
-<p>Aussi habile que son père, Constantin Netzcher accentua davantage
-encore sa manière et, sans posséder ses brillantes qualités, il n’en donna
-pas moins bon nombre de portraits bien venus, méthodiquement
-ordonnés, placés dans un cadre un peu théâtral mais agréable. Il eut,
-pour le servir, une palette heureuse, chargée d’un coloris toujours frais,
-pimpant, et il savait mettre ses modèles dans la pose qui les faisait
-valoir le mieux. A ces dons de virtuose il ne joignait pas à un égal
-degré la vision exacte ni l’expression réelle de la vie. Il n’est pas moins
-un des plus charmants de ces «petits maîtres» hollandais qui nous
-ont laissé de si délicieux chefs-d’œuvre.</p>
-
-<p>La <i>Jeune Princesse</i> est entrée au Louvre avec tous les tableaux de
-la Collection La Caze, dont elle faisait partie.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.90.—Largeur: 0.52.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_82"><span class="cs7">JAN STEEN</span><br />
-LA MAUVAISE COMPAGNIE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE JAN STEEN</div>
-
-<div  id="Page_83" class="artpage">
-  <img src="images/im-083.jpg" alt="" title="" width="400" height="460" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-083.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-083.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_85">85</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Mauvaise Compagnie</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">VOICI une de ces scènes dans lesquelles la peinture hollandaise
-s’est toujours exercée avec bonheur. On y retrouve réunies
-toutes les qualités de cet art, si charmant dans sa vulgarité, à
-la fois jovial et précis, qui traite avec la même méticuleuse précision les
-épisodes religieux et les kermesses débraillées, avec le même réalisme
-la face exsangue du Christ mort et les trognes enluminées des buveurs.</p>
-
-<p>La scène représentée ici se passe probablement dans quelque estaminet
-de Leyde, peut-être même dans la propre maison de van Steen,
-qui fut, en même temps que peintre, cabaretier de son état et ivrogne
-endurci. Nous y voyons, dans le désordre consécutif aux séances de
-débauche, un type de paysan aisé, à la tête alourdie de vin, les yeux
-appesantis par l’ivresse, qui fait un effort pour ramasser sa pipe tombée
-à terre. On devine que le moindre faux mouvement lui fera perdre
-tout équilibre et qu’il tombera de sa chaise, ivre-mort, sur le sol. A
-côté de lui, sur un siège à haut dossier, une belle et robuste jeune
-femme—sans doute sa compagne d’orgie—esquisse de la main un
-mouvement de retrait de ses jupes comme pour éviter d’être heurtée
-par la chute inévitable de l’ivrogne. Sa figure a quelque chose de bestial,
-comme celle du buveur quelque chose de naïvement hébété. Et tandis
-que le triste fêtard somnole, insouciant de tout, les bonnes pièces qui
-l’entourent s’entendent à merveille pour le dévaliser. Debout à sa
-gauche, une deuxième femme, servante de l’auberge apparemment,
-explore les poches du dormeur, en retire sa montre qu’elle remet à une
-<span class="pagenum" id="Page_86">86</span>
-vieille usurière, dissimulée dans l’ombre, qui versera le prix du vol. Au
-deuxième plan, dans un fond de la pièce, un homme assis fume tranquillement
-sa pipe pendant qu’un musicien debout continue de jouer,
-pour couvrir le bruit du marchandage et tous deux contemplent la
-scène en riant.</p>
-
-<p>Ce tableau, l’un des meilleurs de van Steen, se recommande par le
-souci du détail épisodique, particulier à l’école hollandaise. Rien n’y
-est oublié de ce qui peut ajouter à l’intérêt de la scène. Avec un art
-supérieur, van Steen a prodigué tous les accessoires susceptibles
-d’aider à la compréhension parfaite de son œuvre. Peintre de genre
-de premier ordre, il nous décrit ce qu’il voit, comme il le voit, avec
-l’unique préoccupation de faire vrai. Par contre, les conceptions
-morales le laissent indifférent. S’il peint une scène d’orgie, ce n’est pas
-afin de montrer les effets de la débauche ni pour nous la faire détester.
-Tant de philosophie n’entre pas dans ses vues. Ce qu’il a jeté sur la
-toile, c’est l’épisode quotidien de l’ivresse qui chavire les cervelles et
-abrutit les corps. Aucun enseignement ne s’en dégage. Dans la disposition
-des personnages, on devine même que van Steen s’amuse de la
-mésaventure de son ivrogne et que la filouterie dont il est victime lui
-paraît un bon tour aimablement joué.</p>
-
-<p>Quoi qu’il en soit, l’œuvre est charmante de naturel et de malice.</p>
-
-<p>Jan Steen est le plus habile et le plus spirituel des maîtres hollandais
-au <span class="cs7">XVII</span><sup>e</sup> siècle, celui qui porta au plus haut point de perfection
-la peinture de genre. Il est observateur attentif, minutieux et, dans
-chaque objet qui sollicite son attention, l’acuité de son regard lui fait
-découvrir le côté comique, ridicule, sur lequel pourra s’exercer sa
-verve.</p>
-
-<p>Compatriote et contemporain de Gérard Dow et de Terborch, il
-n’a ni la manière large de celui-ci, ni la méticuleuse minutie de celui-là.
-Terborch est supérieur à Jan Steen par la correction merveilleuse de
-son dessin et l’harmonieuse fraîcheur de son coloris, mais van Steen
-<span class="pagenum" id="Page_87">87</span>
-l’emporte incontestablement par sa fantaisie, sa verve narquoise, sa
-vivacité joviale. Chacun d’ailleurs s’est enfermé dans un genre spécial:
-Terborch s’est fait le peintre des intérieurs riches et les personnages
-dont il peuple ses tableaux sont des gens de bonne compagnie, de
-mise correcte et de manières élégantes. Gérard Dow semble avoir
-choisi ses modèles dans la classe moyenne, et ses toiles finies,
-polies, orfévrées devaient plaire à la soigneuse bourgeoisie hollandaise.
-Jan Steen, lui, cherche ses sujets de tableau dans les cabarets et les
-lieux de plaisir. Le millier de toiles qui compose son œuvre est entièrement
-consacré à la peinture des ripailles, des orgies, des noces
-paysannes et des scènes burlesques. C’est le milieu qu’il préfère, c’est
-celui où il vit quotidiennement et il dépense à le traduire une fantaisie
-débordante, une gaîté énorme et un talent de premier ordre.</p>
-
-<p>Jan Steen avait d’ailleurs de qui tenir. Il avait travaillé longtemps
-à Haarlem dans l’atelier de van Ostade, puis à La Haye, dans celui de
-van Goyen, dont il épousa la fille. On n’a pas de renseignements très
-précis sur la vie de cet artiste qui semble avoir laissé à Leyde, sa ville
-natale, une fâcheuse réputation d’ivrogne et de débauché; ses peintures
-n’en étaient pas moins très goûtées, à cause de leur spirituelle
-drôlerie.</p>
-
-<p>De l’œuvre considérable de Jan Steen, le Louvre ne possède que
-trois tableaux: <i>la Fête dans l’intérieur d’une auberge</i>, <i>le Repas de
-famille</i>, et <i>la Mauvaise compagnie</i>.</p>
-
-<p>Ce dernier tableau fit partie de la collection Charles Cope de
-Londres. Il fut vendu 2250 florins à la vente Taylor et le Ministère
-des Beaux-Arts l’acquit, en 1881, pour la somme de 4750 francs. Il
-figure aujourd’hui à la salle Jan Steen.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.47.—Largeur: 0.36.—<i>Figures: 0.25.</i></div>
-
-<h2 id="Page_88"><span class="cs7">HANS HOLBEIN</span><br />
-PORTRAIT D’ÉRASME</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_89" class="artpage">
-  <img src="images/im-089.jpg" alt="" title="" width="400" height="487" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-089.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-089.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_91">91</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Érasme</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">HANS HOLBEIN est, sans nul doute, la plus grande figure de
-l’art allemand et son illustre contemporain Albert Dürer doit
-lui céder la première place. Il a pratiqué l’art sous toutes ses
-formes avec une égale maîtrise; qu’on le considère comme dessinateur,
-décorateur, peintre de fresques, portraitiste, architecte, modeleur,
-orfèvre, illustrateur, miniaturiste, il nous révèle toujours une merveilleuse
-personnalité. Mais, chez lui, c’est avant tout le peintre de
-portraits qui reste incomparable.</p>
-
-<p>Jamais la physionomie humaine n’a été rendue avec autant de
-précision, avec autant de pénétration, et cela sans artifices de couleurs,
-par la seule netteté du trait, par le rigorisme de la ligne, par la géographie
-des rides. Il n’y a plus que la vérité du modèle immobile
-devant le peintre, l’âme même est exprimée, le portrait devient une
-révélation, presque une indiscrétion; il est toute une biographie. Pas
-de décor, pas d’embellissement, aucune flatterie, la nature est prise sur
-le fait, et cet art demeure unique, inégalé. Sa sécheresse lui est une
-qualité de plus: Holbein a cette sincérité implacable, cette conviction
-intransigeante, cette impassibilité merveilleuse que personne n’a
-possédées comme lui, et qui font de son œuvre une chose à part, un
-trésor spécial, qui porte sa marque indélébile. On dit: <i>un Holbein</i>, et
-cette simple appellation évoque de suite une galerie d’effigies remarquables,
-ayant toutes le même intérêt, la même haute valeur, qu’il
-s’agisse de Henri VIII, de la reine Jane Seymour, d’Édouard VI, de
-<span class="pagenum" id="Page_92">92</span>
-l’archevêque de Cantorbery, de Christine de Danemark, de Nicolas
-Kratzer, d’Érasme, du bourgmestre Jacques Meier, du docteur
-Jean Chambure ou de tant d’autres dont on ignore les noms.</p>
-
-<p>Le portrait d’Érasme, que nous donnons ici, est un des plus beaux
-du maître. Il n’est pas le seul toutefois, Holbein ayant à plusieurs
-reprises peint les traits du célèbre érudit et philosophe bâlois, qui
-était son ami.</p>
-
-<p>Érasme est représenté de profil, assis devant son pupitre et écrivant.
-Il est vêtu d’une lourde houppelande de couleur sombre, aux larges
-manches garnies de fourrure. Sa tête est couverte d’un large bonnet de
-même étoffe et de même couleur. Le fond du tableau se compose
-d’une tapisserie à ramages que le peintre a volontairement noyée
-d’ombre, comme la toque et le costume, afin de ne mettre en lumière
-que la tête et les mains de son modèle: la tête du penseur, la main
-de l’écrivain. Tout l’intérêt, toute la vie du tableau sont concentrés sur
-ces deux taches claires, avec une intensité et une perfection que seul
-un artiste comme Holbein pouvait atteindre.</p>
-
-<p>Le dessin de la figure est merveilleux avec l’œil attentif baissé sur
-le papier, le nez effilé, les lèvres pincées, les plis du menton et des
-joues. Toute l’attitude de cette tête sérieuse trahit l’application, la
-volonté et en même temps cette finesse narquoise qui fut la marque
-distinctive de la philosophie légèrement sceptique d’Érasme. La main
-gauche, ornée de bagues, maintient le papier sur le pupitre, tandis que
-la droite trace des lignes. Le modelé de ces mains est admirable et,
-s’agissant d’Holbein, il est à peine nécessaire d’ajouter que ce portrait
-est un chef-d’œuvre.</p>
-
-<p>Holbein avait connu Érasme à Bâle, où il était venu tout jeune
-avec ses parents en 1515, et où il passa la plus grande partie de sa vie.
-Bâle, à cette époque, était un foyer intellectuel très actif, où bouillonnaient
-même les idées réformatrices dont Martin Luther commençait
-à secouer l’Allemagne. Parmi les humanistes ballottés dans les
-<span class="pagenum" id="Page_93">93</span>
-remous de ce torrent, émergeait une figure railleuse de savant et de
-philosophe qui paraissait assister au grand drame de la Réforme en
-spectateur amusé plus qu’en acteur: c’était Érasme. Entré tout jeune
-dans les ordres, il avait pris son grade de docteur en théologie, mais
-il s’était vite fatigué de la vie monastique et avait obtenu du pape
-d’être relevé de ses vœux. Holbein et Érasme, dès qu’ils se connurent,
-se lièrent d’amitié et quand le philosophe, appelé en Angleterre
-par Henri VIII, se fixa à Londres, il songea à Holbein, dont il
-appréciait le talent, et l’engagea à venir le rejoindre, lui promettant
-de le patronner à la cour. Holbein quitta Bâle et passa en Angleterre.
-Fidèle à sa promesse, Érasme le recommanda à Thomas More, chancelier
-du royaume, et pour servir plus efficacement son ami, il lui
-envoya le magnifique portrait reproduit ici. C’était la plus sûre des
-recommandations. Thomas More vit le portrait, le trouva admirable et
-fit à Holbein l’honneur de poser devant lui avec toute sa famille, ce
-qui fournit au peintre l’occasion de réaliser un nouveau chef-d’œuvre.
-Ce portrait consacra la réputation d’Holbein en Angleterre. A partir
-de ce jour, tout ce que la cour et la ville renfermaient de personnages
-considérables défila dans son atelier. Il fut même le peintre officiel de
-Henri VIII qui le chargea plusieurs fois de faire son portrait et celui
-des différentes femmes qu’il épousa successivement.</p>
-
-<p>Le beau portrait d’Érasme appartint plus tard à Charles I<sup>er</sup> qui,
-après l’avoir conservé quelque temps, le donna à Louis XIII en
-échange du <i>Saint Jean-Baptiste</i>, de Léonard de Vinci, qu’il désirait
-posséder. Depuis lors, Érasme est demeuré propriété nationale, il
-figure dans la Grande galerie, à la travée d’art allemand.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.42.—Largeur: 0.32.—<i>Figure en buste grandeur demi-nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_94"><span class="cs7">CORRÈGE</span><br />
-LE MARIAGE DE SAINTE CATHERINE</h2>
-
-<div class="artroom">SALON CARRÉ</div>
-
-<div  id="Page_95" class="artpagew">
-  <img src="images/im-095.jpg" alt="" title="" width="600" height="574" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-095.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-095.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_97">97</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Le Mariage de sainte Catherine</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">ON raconte que Corrège, âgé de dix-sept ans, vint à Mantoue
-et y vit la <i>Victoire</i> de Mantegna. Devant l’œuvre du maître
-padouan son âme d’artiste tressaillit, il sentit remuer en lui
-les bouillonnements de son futur génie et, transporté d’enthousiasme,
-il s’écria: <i lang="it" xml:lang="it">Ed anch’io son pittore!</i> (Moi aussi, je suis peintre!)</p>
-
-<p>Peintre, Corrège le fut dans l’acception la plus étendue et la plus
-élevée de ce terme. Il est de ces artistes dont la gloire rayonne souverainement
-et ne connaît pas de détracteurs, car il possède au
-suprême degré tous les dons du génie: une originalité charmante, une
-grâce ineffable, une palette d’un coloris magique et une science qui le
-classe, avec Michel-Ange, comme le premier dessinateur du monde.</p>
-
-<p>Fresques, mythologies, scènes de genre, sujets profanes ou religieux,
-il a tout traité avec une égale perfection; et dans toutes ses
-œuvres se retrouvent cette souplesse, cette fantaisie, cette grâce qui
-nous font adorer sa peinture.</p>
-
-<p><i>Le Mariage de sainte Catherine</i>, notamment, nous montre Corrège
-dans l’épanouissement complet de son génie.</p>
-
-<p>La Vierge, presque de profil, tient l’Enfant Jésus sur ses genoux.
-Agenouillée devant elle, sainte Catherine livre sa main au divin Enfant
-qui s’apprête à passer à son doigt l’anneau, symbole de leur union.
-«Cela forme le plus délicieux bouquet de mains que jamais peintre ait
-groupées au centre d’un tableau. On dirait qu’elles sont faites de la pulpe
-des lis, tant elles sont pures, délicates et nobles avec leurs doigts
-<span class="pagenum" id="Page_98">98</span>
-amincis en fuseaux et relevés du bout.» L’expression d’extase amoureuse
-de la sainte qui épouse de toute son âme et pour l’éternité l’insouciant
-bambino, est admirablement rendue. Derrière la sainte se tient
-debout un saint Sébastien d’une beauté merveilleuse et à qui les flèches,
-symbole de son martyre, qu’il tient à la main, donnent une apparence
-d’Amour.</p>
-
-<p>Dans les profondeurs de la perspective, à gauche, le peintre a eu
-l’idée ingénieuse de montrer le saint et la sainte livrés à leurs bourreaux.
-Mais ces épisodes sont de petites dimensions, esquissés légèrement,
-noyés d’ombres et traités de manière à ne pas distraire l’attention
-du sujet principal. Pour les voir, il faut les chercher bien loin, au
-dernier plan, et l’œil, amoureusement attaché sur les figures délicieuses
-de la Vierge, de sainte Catherine et de l’Enfant Jésus, ne s’en
-détourne pas volontiers.</p>
-
-<p>«Celui, écrit Charles Blanc, qui a vu, étudié, admiré cette page
-d’un sentiment si délicat, n’est pas loin de comprendre toutes les
-perfections de Corrège. L’idée seule du tableau révèle un peintre dont
-l’esprit abonde en inventions charmantes. Sainte Catherine, unie au
-divin Maître par le martyre souffert en son nom, s’appelle, en langage
-mystique, l’épouse du Christ. La poésie, l’imagination acceptent cette
-désignation symbolique. Mais comment mettre sous les yeux du chrétien
-ce mariage du Christ avec une vierge pure et belle? Corrège le sait.
-Ce n’est pas le Christ devenu homme, le Christ descendant de la croix
-et placé à la droite de son père qui présente l’anneau à la vierge martyre,
-c’est l’Enfant né à Bethléem, encore sur les genoux de sa mère.
-Invention naïve et ingénieuse à la fois! Le mythe s’explique sans
-effort: cet Enfant ne peut être l’époux de cette femme; cette union,
-impossible dans ce monde, est un mystère qui s’accomplit dans le
-ciel! La physionomie de la mère exprime cette inépuisable complaisance,
-ce dévouement sans limites, cet amour parti des entrailles dont
-nul autre peintre n’a eu le sentiment au même degré que Corrège.
-<span class="pagenum" id="Page_99">99</span>
-L’innocence de la vierge se mêle à la béatitude de la sainte sur la
-figure de sainte Catherine. Quant à l’exécution, elle est merveilleuse
-de finesse, d’éclat dans les chairs et de transparence dans les ombres.»</p>
-
-<p>Peintre délicat et attendri de la beauté féminine, Corrège donne à
-ses têtes de femmes et de vierges une grâce presque enfantine et, chez
-lui, les têtes, plus jeunes que les corps arrivés à tout leur développement,
-gardent un air d’innocence et d’étonnement candide. Rien de
-plus piquant que ce contraste, ménagé d’ailleurs avec un art infini.
-Dans <i>le Mariage de sainte Catherine</i>, en particulier, la Vierge a
-cette fleur d’extrême jeunesse et la sainte n’est guère plus âgée.</p>
-
-<p>Théophile Gautier écrit: «Sous le léger voile d’ambre que le
-temps a jeté sur ce tableau, on y sent une fraîcheur argentée, des
-reflets bleuis, des tons de nacre, et toute cette gamme de nuances
-charmantes endormies dans le mystère du clair-obscur, où Corrège
-est resté sans rival.»</p>
-
-<p>On dit que Corrège peignit ce tableau à l’occasion du mariage de
-sa sœur, qui s’appelait Catherine. Il n’est pas sûr que l’artiste en ait
-fait don à la jeune femme; en tout cas, elle ne le conserva pas longtemps,
-car on le trouve vers la même époque, en 1525, en la possession
-d’un ami de Corrège, le médecin Grilenzoni. Après avoir
-décoré le cabinet de la comtesse Santa Fiora, cette peinture passa
-chez le cardinal Sforza, qui la possédait en 1614, et ensuite chez le
-cardinal Barberini, qui en fit don à Mazarin. Louis XIV l’acheta aux
-héritiers du cardinal en 1661. Depuis cette époque, <i>le Mariage de
-sainte Catherine</i> n’a plus quitté les collections nationales et il figure
-aujourd’hui au Salon carré, dont il est un des plus précieux joyaux.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.05.—Largeur: 1.02.—<i>Figures à mi-corps, grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_100"><span class="cs7">LANCRET</span><br />
-CONVERSATION</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE LA CAZE</div>
-
-<div  id="Page_101" class="artpage">
-  <img src="images/im-101.jpg" alt="" title="" width="400" height="551" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-101.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-101.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_103">103</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Conversation</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LANCRET! Quelle charmante époque et que de jolies choses
-abolies évoque ce nom! Parler de Lancret nous reporte aux
-beaux jours de Trianon et de Versailles, au temps où ces fastueuses
-résidences abritaient la cour, où les allées solennelles du parc
-s’animaient au babillage des groupes ou couvraient de leur ombre les
-tendres aveux murmurés tout bas. C’est tout un passé d’élégance, de
-frivolité, d’esprit, d’enjouement, de politesse, c’est tout un monde qui
-revit dont le seul but semble avoir été le plaisir, et l’intrigue amoureuse
-la seule occupation. Plus même que Boucher, Lancret est le
-fidèle historiographe de ce temps en ce qu’il ne couvre pas comme
-lui ses personnages sous le voile anonyme de l’allégorie. Ses modèles,
-il les prend dans la vie même, autour de lui, et il les peint comme
-il les voit, avec leurs vrais ajustements et dans leurs attitudes familières.
-Voyez cette pimpante marquise qui se hâte le long du bassin
-de Neptune, rougissante et jolie, courant sans doute à quelque
-rendez-vous et retroussant une jupe bruissante afin d’aller plus vite:
-c’est un Lancret qui passe. C’est un Lancret aussi, ce jeune page à
-la mine éveillée qui semble attendre, à l’ombre d’un bosquet, l’aventure
-promise.</p>
-
-<p>C’est également un Lancret, et des plus charmants, le jeune couple
-conversant au pied d’un arbre que nous montre la planche reproduite
-ici. Assise sous le feuillage sombre, la jeune femme semble écouter les
-galants propos murmurés tout près de son oreille par un cavalier
-<span class="pagenum" id="Page_104">104</span>
-appuyé sur un pan de mur. Elle écoute, mais le sourire des yeux et
-des lèvres laisse entendre que le marivaudage de son amoureux
-l’amuse sans la convaincre. Quelle exquise créature que cette femme et
-quel charme dans ce délicat visage encadré d’un diadème blond! Sur
-ses épaules nues un léger manteau en voile bleu est négligemment
-jeté; autour du cou un collier de perles s’enroule et descend le long de
-la gorge dont on aperçoit les rondeurs par l’échancrure du corsage.
-Une jupe de soie d’un jaune éteint se drape gracieusement autour
-du corps en plis souples qui descendent jusqu’au sol. La main gauche
-est posée sur les genoux; la main droite, admirablement modelée,
-tient un masque de velours noir. Cet attribut de comédie cadre parfaitement
-avec le costume du personnage placé près de la jeune femme
-et qui a toute l’apparence d’un acteur de troupe italienne.</p>
-
-<p>Cette délicate fantaisie est peinte avec un art supérieur. Lancret y
-a prodigué ces tons moirés, veloutés qui donnent une élégance de plus
-à ce tableau. Tout y est équilibré et charmant: le bleu, le rouge, le
-jaune, bien que disposés en masses compactes et distinctes, s’harmonisent
-et se fondent pour former un ensemble d’une adorable douceur.</p>
-
-<p>Lancret est, avec Watteau, le peintre le plus représentatif du siècle
-des boudoirs, des fêtes champêtres et des galantes intrigues.</p>
-
-<p>Tout jeune, il avait connu le grand artiste. Celui-ci, ému de l’admiration
-que lui témoignait le jeune Lancret, lui donna des conseils et
-l’élève étudia si bien la manière du maître qu’il en arriva à se l’approprier
-complètement. Ce fut au point qu’un jour, dans une Exposition,
-deux œuvres de Lancret furent prises pour des Watteau. Il en résulta
-entre les deux peintres une brouille qui dura pendant de longues
-années.</p>
-
-<p>Malgré la similitude des genres, un œil averti ne peut cependant
-confondre les deux artistes. Lancret n’a pas la poésie mélancolique de
-son grand rival ni sa brillante imagination. Dans les paysages un peu
-conventionnels que l’un et l’autre emploient comme fond de leurs
-<span class="pagenum" id="Page_105">105</span>
-tableaux, Watteau place des personnages maniérés sans doute, mais
-plus vivants que ceux de Lancret; de même sa couleur est plus chaude,
-plus vibrante. Un peu plus froid, légèrement figé, Lancret n’en a pas
-moins une grâce charmante; son art est souriant et ses personnages
-délicats font songer à des bibelots précieux et frêles. Lancret eut une
-vogue considérable. Ses œuvres, assez généralement de petite dimension,
-étaient appréciées et se vendaient très bien. A la fortune
-s’ajoutèrent les honneurs. En 1719, il est nommé à l’Académie royale
-de peinture, avec le titre de «peintre des fêtes galantes» qu’il partageait
-avec Watteau.</p>
-
-<p>Lorsque Lancret apprit que Watteau était sérieusement malade, il
-demanda à se réconcilier avec ce maître qu’il avait tant admiré et
-aimé. Les deux peintres se pardonnèrent leurs torts réciproques: ils
-avaient tous les deux une assez belle part de gloire pour oublier toute
-rancune.</p>
-
-<p>La gloire de Lancret, sans égaler celle de Watteau, reste enviable.
-Élégant et spirituel, il est bien le peintre de la société de son temps:
-libre sans grossièreté, délicat, charmant, il n’évoque que des images
-riantes ou des scènes aimables. Ses <i>Scènes champêtres</i>, ses <i>Conversations</i>,
-ses <i>Concerts</i>, ses allégories décoratives sont des sujets peu
-renouvelés mais qu’il sait rendre aimables par l’abandon gracieux des
-attitudes, par l’agrément des fonds de paysage, par l’ingéniosité
-piquante des détails.</p>
-
-<p>Le musée de Berlin possède 26 Lancret; moins riche, le Louvre
-n’en a que 12.</p>
-
-<p>La <i>Conversation</i> est entrée dans notre grand musée national avec
-la collection La Caze.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.38.—Largeur: 0.27.—<i>Figures: 0.14.</i></div>
-
-<h2 id="Page_106"><span class="cs7">JAN VAN DER MEER (VERMEER)</span><br />
-LA DENTELLIÈRE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE JAN STEEN</div>
-
-<div  id="Page_107" class="artpage">
-  <img src="images/im-107.jpg" alt="" title="" width="400" height="489" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-107.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-107.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_109">109</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Dentellière</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SUR un métier de dentellière, une jeune femme est penchée, attentive,
-et fait courir dans ses doigts agiles les fuseaux et les fils de
-soie. Sa blonde tête, couronnée de cheveux bien peignés et
-roulés en tresse vers la nuque, est d’une robuste beauté septentrionale.
-Les traits sont réguliers, fortement accusés, un peu vulgaires et trahissent
-l’origine plébéienne du modèle. Sur la table, à côté de la diligente
-ouvrière, on aperçoit un coussin bleu et un gros livre, dont elle lit
-sans doute quelques passages aux intervalles de repos.</p>
-
-<p>Ce tableau, à peine plus grand que la planche reproduite ici, rentre
-dans la catégorie des peintures de genre dans lesquelles excellèrent
-les artistes hollandais du <span class="cs7">XVII</span> siècle, ceux qu’on appela «les petits
-maîtres».</p>
-
-<p>Van der Meer fut un des meilleurs, peut-être le meilleur, de ces
-petits maîtres et cependant, par une bizarre injustice de la Destinée,
-nous voyons son œuvre et sa personnalité tomber dans l’oubli
-pendant deux siècles. Vingt ans après sa mort on ne sait rien de lui
-dans son propre pays. Son nom même est dénaturé. De Vermeer, qui
-était son nom véritable, on a fait Van der Meer, ce qui a permis de le
-confondre avec la dynastie des Jan van der Meer de Haarlem, et
-avec le Jan van der Meer d’Utrecht. Pis que cela, ses toiles ont été
-attribuées successivement à Peter de Hoogh, à Metsu ou à d’autres
-encore. Aucun autre peintre n’a connu cette disgrâce complète dans
-laquelle tout sombre, l’œuvre et le nom.</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_110">110</span>
-Vermeer était digne d’un autre sort car il fut véritablement un
-grand peintre. Il possédait une invention très riche, une harmonie supérieure
-dans l’arrangement des couleurs, une gradation parfaite dans
-les teintes, une touche énergique, large, solide, des empâtements très
-fins. Ses scènes de la vie domestique sont remarquables par le pittoresque
-de la composition, et surtout par la beauté de ses effets de
-lumière dont le visage de <i>La Dentellière</i> nous offre un éloquent
-exemple. La dominante de son coloris, dans la plupart de ses tableaux,
-consiste en une tonalité bleuâtre, extrêmement douce, encore affinée
-par la légèreté de ses frottis.</p>
-
-<p>De son vivant, Vermeer comptait parmi les meilleurs peintres de
-Delft. Il était encore tout jeune que déjà <ins id="cor_2" title="Duk">Dirk</ins> van Bleyswijck,
-historiographe de la cité, le signalait avec éloges. On conduisait les
-étrangers de marque à son atelier. Il était entré comme apprenti,
-suivant l’usage d’alors, à l’âge de quinze ans, dans l’atelier d’un peintre
-de Delft, probablement Léonard Bramer. Six ans après, il passe maître-peintre
-dans la guilde de Saint-Luc. Mais il est pauvre et n’a pas les
-six florins exigés pour l’entrée dans la corporation: il ne peut verser
-qu’un florin dix sols et s’acquitte du reste par acomptes. Mais son
-mérite ne tarde pas à s’imposer, il gagne rapidement l’estime de ses
-compatriotes et de ses confrères, et on le trouve à plusieurs reprises
-doyen de la guilde de Delft.</p>
-
-<p>Vermeer ne fut jamais riche et quand il mourut, à l’âge de quarante-deux
-ans, il ne laissait à sa femme et à ses huit enfants vivants que
-des dettes criardes. Il devait notamment 600 florins à son boulanger.
-Sa veuve donna deux tableaux pour les payer, et comme elle avait
-pour le talent de son mari une admiration profonde, elle stipula qu’elle
-pourrait les racheter par versements annuels de 50 florins.</p>
-
-<p>Après une éclipse de deux siècles, le nom de Vermeer se reprit
-à briller, comme ces astres réputés perdus qui soudain reparaissent
-au firmament. En 1809, un expert le qualifie de «très grand peintre
-<span class="pagenum" id="Page_111">111</span>
-dans la manière de Metsu». Reynolds mentionne sa <i>Femme transvasant
-du lait</i> parmi les tableaux qui l’ont le plus frappé pendant
-son voyage en Hollande. Plus tard Maxime du Camp, Théophile Gautier,
-Paul Mantz, Clément de Ris contribuèrent à le faire connaître,
-mais c’est à Burger-Thoré que revient l’honneur de sa complète
-réhabilitation.</p>
-
-<p>On s’est inquiété de savoir à quelle école Vermeer avait acquis les
-notions premières de son art. Certains commentateurs ont insinué que
-peut-être il avait travaillé dans l’atelier de Rembrandt. La chose paraît
-assez peu vraisemblable car, outre que Vermeer était trop pauvre pour
-se rendre à Amsterdam où vivait Rembrandt, rien dans la manière
-aimable et mesurée de Vermeer ne rappelle la facture puissante et
-grandiose du grand maître hollandais. M. Henry Havard, dans la
-savante étude qu’il a consacrée à Vermeer, le démontre de façon lumineuse
-et péremptoire. Il n’est pas plus certain qu’il ait été l’élève de
-Fabritius, qui était à peu près de son âge, ce qui semble exclure l’idée
-que l’un d’eux ait été le maître de l’autre. Nous nous rangerions plus
-volontiers à l’opinion de M. Henri Havard qui incline à croire que
-Vermeer étudia avec Léonard Bramer, ami et allié de sa famille.</p>
-
-<p><i>La Dentellière</i> avait figuré dans une vente faite en 1816 à Amsterdam,
-où elle fut adjugée 28 florins. Depuis elle avait été vendue
-84 francs à la vente de Muilman (1813), 501 francs à la vente Laperière
-(1817), 265 florins à la vente Nagel (1851). En dernier lieu, elle appartenait
-à M. Blokhuysen, de Rotterdam. Elle fut acquise en 1870 pour
-1.200 francs par l’État. Elle figure aujourd’hui dans la salle Jan Steen.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.24.—Largeur: 0.21.—<i>Figure à mi-corps.</i></div>
-
-<h2 id="Page_112"><span class="cs7">VAN DYCK</span><br />
-CHARLES I<sup>er</sup> D’ANGLETERRE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE VAN DYCK</div>
-
-<div  id="Page_113" class="artpage">
-  <img src="images/im-113.jpg" alt="" title="" width="400" height="515" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-113.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-113.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_115">115</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Charles I<sup>er</sup> d’Angleterre</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LE portrait de Charles I<sup>er</sup> d’Angleterre, que possède le Louvre,
-est un chef-d’œuvre légendaire.</p>
-
-<p>Le poing sur la hanche, du côté de l’épée, la main droite
-appuyée sur une haute canne, le roi tourne légèrement sa tête fine
-et blonde, encadrée d’un grand chapeau. Il regarde avec calme, avec
-assurance, et toute son attitude est celle d’un homme habitué à commander.
-Sa veste de soie grise est traversée du baudrier qui soutient
-l’épée. Au-dessous de la culotte rouge et laissant voir les bas de soie,
-des bottes souples en cuir fauve, garnies d’éperons, emprisonnent une
-jambe nerveuse et élégante. Un peu en arrière, le cheval favori du roi
-piaffe, impatient, maintenu par un écuyer vêtu de rouge qui représente
-le chevalier d’Hamilton; un autre serviteur, plus loin, porte le manteau
-du souverain. Le tertre où sont placés les personnages est ombragé
-par la ramure épaisse d’un arbre et, sur les plans éloignés, s’étend une
-plaine au-dessus de laquelle des nuages gris floconnent dans le ciel
-bleu.</p>
-
-<p>Ce tableau, d’une admirable composition, rend à merveille l’élégante
-silhouette de Charles I<sup>er</sup>, le plus beau des Stuarts. L’œuvre se présente
-avec une noblesse contenue, une richesse sourde et éclatante tout à la
-fois, une somptuosité discrète qui impressionnent, où l’on retrouve
-quelque chose de la manière de Rubens, mais tempérée, assagie,
-comme disciplinée.</p>
-
-<p>Van Dyck avait d’ailleurs longtemps travaillé avec Rubens, qui
-<span class="pagenum" id="Page_116">116</span>
-l’appelait «le meilleur de ses élèves». Son amitié lui fut aussi
-profitable que ses leçons. C’est lui qui le recommanda à la cour des
-Stuarts. Charles I<sup>er</sup>, influencé par les éloges de Rubens pour son
-élève et ravi du portrait de Nicolas Lanière, son maître de chapelle,
-peint par Van Dyck, invita celui-ci à se rendre auprès de lui.</p>
-
-<p>Van Dyck arriva à Londres et se présenta au roi qu’il conquit dès
-la première entrevue. Il avait une beauté fine, assez semblable à celle
-de Charles I<sup>er</sup>, des manières aisées, une certaine grâce cavalière et
-l’air vif et dégagé d’un homme du monde accompli. Sa conversation
-n’était pas moins agréable que sa personne; il avait la parole abondante
-et brillante, alimentée par un savoir profond et disciplinée par un
-tact infini. Le roi se plaisait beaucoup en sa compagnie; il se rendait
-fréquemment à son atelier et, dépouillant avec lui toute contrainte d’étiquette,
-ils s’entretenaient ensemble de mille sujets pendant que Van
-Dyck travaillait à son portrait. De cette époque datent les nombreuses
-effigies du roi et de la reine.</p>
-
-<p>En récompense de son talent, Van Dyck reçut le titre de principal
-peintre ordinaire de Leurs Majestés, fut créé chevalier et eut son
-logement à Blackfriars.</p>
-
-<p>Dans son portrait de Charles I<sup>er</sup>, Van Dyck s’était révélé portraitiste
-de génie et il n’est pas étonnant que, voulant suivre l’exemple du
-souverain, toute la noblesse enviât l’honneur de poser devant le grand
-artiste flamand. Bientôt, il ne put suffire aux commandes, il dut
-prendre des collaborateurs chargés de peindre les accessoires, se réservant
-seulement les têtes et les mains. Le succès venu, il eut toute liberté
-d’augmenter ses prix et gagna des sommes considérables qu’il dépensait
-largement. Sa maison était montée sur un pied magnifique, il
-possédait un équipage nombreux et élégant et offrait si bonne chère
-que peu de princes étaient aussi visités et aussi bien servis que lui.</p>
-
-<p>En 1639, il épousa Mary Ruthven, demoiselle d’honneur de la
-reine, petite-fille de lord Ruthven, dont il eut une fille. Sa femme ne
-<span class="pagenum" id="Page_117">117</span>
-lui apportait pas de dot, mais elle était considérée comme une des plus
-merveilleuses beautés de son temps. Cette union fut de courte durée.
-Sa vie de travail et de plaisirs avait miné la santé de Van Dyck et
-malgré que Charles I<sup>er</sup> eût promis trois cents livres au médecin s’il le
-sauvait, le grand peintre mourut à Blackfriars, le 9 décembre 1641,
-âgé seulement de quarante-deux ans.</p>
-
-<p>«Non moins coloriste que Rubens, écrit Théophile Gautier, mais
-plus fin, plus élégant que son maître, Van Dyck semble créé pour
-peindre les rois, les princes, les duchesses, tout ce monde de la haute
-vie, fin de race, aristocratique d’allure, d’une magnificence héréditaire
-et marchant au-dessus de la multitude comme les dieux marchent sur
-les nuages. Il a peint d’une touche aisée et noble, avec une couleur
-brillante mais vigoureuse et une pénétration rapide du caractère, des
-têtes qu’on ne reverra plus, des masques dont le moule est brisé, des
-expressions d’existences à jamais évanouies.»</p>
-
-<p>Le portrait de Charles I<sup>er</sup> entra dans le domaine national d’assez
-curieuse façon. A la vente du comte de Thiers, qui en était possesseur,
-la comtesse Du Barry l’acheta pour une somme de 24.000 livres. Et
-comme on lui demandait pourquoi elle avait choisi ce tableau de préférence
-aux autres de la collection qui semblaient devoir mieux lui
-convenir, elle répondit que c’était un portrait de famille, car elle prétendait
-tenir de la maison des Stuarts. Plus tard, elle le céda au même
-prix à M. d’Angivillers, pour le compte du Roi.</p>
-
-<p>Ce tableau occupe aujourd’hui au Louvre la salle Van Dyck qui
-précède la nouvelle salle des Rubens.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 2.72.—Largeur: 2.12.—<i>Figures en pied grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_118"><span class="cs7">FRANÇOIS CLOUET</span><br />
-ÉLISABETH D’AUTRICHE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DES PRIMITIFS FRANÇAIS</div>
-
-<div  id="Page_119" class="artpage">
-  <img src="images/im-119.jpg" alt="" title="" width="400" height="539" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-119.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-119.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_121">121</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Élisabeth d’Autriche, femme de Charles IX</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">QUEL chef-d’œuvre que le portrait d’Élisabeth d’Autriche,
-reine de France, femme de Charles IX! On ne saurait
-pousser plus loin la finesse, l’exactitude et la perfection
-du dessin; sur ce délicat linéament s’étale une couleur d’une
-suavité pâle, plus vraie que les tapages de tons des peintres dits
-coloristes, et qu’on sent être l’expression même de la nature:
-quoique le modèle de ce délicieux portrait ne soit plus qu’une pincée
-de cendre, si même cette cendre existe, on en peut affirmer la
-ressemblance. Oui, c’est bien Élisabeth, femme de Charles IX. Elle vit
-tout entière dans son petit cadre: les mains posées l’une sur l’autre
-avec un mouvement plein de grâce, sont des merveilles, fluettes,
-transparentes, tendres comme des pétales de lis, des mains vraiment
-royales! Le costume, d’une élégance et d’une richesse compliquées, est
-constellé de perles, de joyaux, de boutons émaillés, de pierreries qui font
-presque disparaître le corsage de brocart d’or damassé d’argent, avec sa
-fraise godronnée; et la chemisette de gaze à bouillons semble porter
-défi aux Blaise Desgoffes de l’avenir.»</p>
-
-<p class="signat">(Théophile Gautier.)</p>
-
-<p>C’est en 1570 que la jeune archiduchesse, petite-fille de Charles-Quint,
-épousa Charles IX, à l’âge de seize ans. Son royal époux n’en
-avait que vingt. Ce ménage d’enfants, trop jeunes pour avoir une
-volonté, ne fut qu’un triste jouet politique entre les mains de la reine-mère,
-l’astucieuse Catherine de Médicis. Leur union fut d’ailleurs très
-courte. Charles IX mourait cinq ans après et quand Élisabeth, veuve à
-<span class="pagenum" id="Page_122">122</span>
-vingt et un ans, l’âme encore épouvantée des massacres de la Saint-Barthélemy,
-eut regagné son pays natal, elle s’enferma dans un couvent
-de Clarisses pour y pleurer son court bonheur et y oublier les
-horreurs du passé. Elle y mourut de consomption, à l’âge de trente-huit
-ans.</p>
-
-<p>A cette époque Clouet, que les écrits contemporains appellent <i>Janet</i>,
-jouissait d’une grande réputation: il avait succédé à son père, Jean
-Clouet, comme peintre de la Cour et, confirmé successivement dans sa
-charge par François I<sup>er</sup>, Henri II et Charles IX, il bénéficiait d’une
-pension de 240 livres sur la cassette royale.</p>
-
-<p>C’est peu de temps après l’arrivée en France de la jeune reine Élisabeth
-que François Clouet exécuta son magnifique portrait. On a cru
-longtemps que ce tableau fut peint directement d’après nature. La
-découverte, en 1825, du cahier des crayons de l’artiste—cahier qui
-est conservé au cabinet des estampes—démontre que Clouet, comme
-tous les artistes de l’époque, exécutait d’abord ses portraits au crayon,
-rapidement, afin de ne pas lasser la patience de ses modèles. L’œuvre
-était ensuite reportée à l’huile sur panneau, corrigée, amplifiée, finie.
-Il en fut de même pour le portrait d’Élisabeth d’Autriche, qui se
-trouve à l’état de préparation, dans le cahier de Clouet, avec tous ses
-détails. En marge figurent les indications qui doivent lui servir
-ultérieurement pour sa peinture, la couleur des plumes, des soies, des
-passements, les nuances diverses du costume, les erreurs de proportions
-dans le croquis qu’il se propose de rectifier sur le panneau
-définitif.</p>
-
-<p>Ce crayon, comme tous ceux de Clouet, est admirable; dans le
-panneau reproduit ici, s’ajoutent encore ce coloris délicat et vigoureux à
-la fois et cette vérité dans l’expression qui ont permis d’attribuer à
-Holbein maintes œuvres de notre vieux maître français. Très longtemps,
-on a presque ignoré ce délicieux artiste et cette sorte d’indifférence
-rend encore aujourd’hui les critiques hésitants dans l’attribution à Clouet
-<span class="pagenum" id="Page_123">123</span>
-de tableaux où tout accuse sa manière. Que lui a-t-il manqué pour tenir
-dans la postérité le rang qui lui est dû? Un biographe, un Vasari qui
-aurait transmis aux générations suivantes son nom et la nomenclature
-de ses œuvres.</p>
-
-<p>Et cependant quel maître charmant que François Clouet! Un Holbein
-fin, gracieux, élégant, avec toutes les qualités françaises. Rien de
-plus délicat que sa manière de peindre, qui ferait paraître grossières
-les miniatures les plus achevées. Sa couleur est claire, ses ombres sont
-d’une légèreté extrême, comme s’il craignait d’y dérober quelque détail
-intéressant; mais dans cette pâleur, quand l’œil s’y est habitué, quelle
-recherche du modelé, quel rendu et quelle précision! Et quel soin,
-quel goût, quel fini, quelle fidélité dans les costumes, les ajustements,
-les armes et les joyaux des illustres personnages, princes ou princesses
-qu’il représente! Aucun sacrifice, aucune partie cachée, et pourtant, de
-ce monde de détails, rien ne se détache et ne trouble l’harmonie. C’est
-bien le peintre des Valois, ces rois artistes, parés et coquets comme des
-femmes. Mieux que cela, par la qualité prodigieuse de son talent,
-Clouet est le précurseur des portraitistes modernes et, s’il revenait de
-nos jours, il n’aurait rien à modifier dans sa technique pour se placer
-au niveau des plus grands peintres de portraits.</p>
-
-<p>Le portrait d’Élisabeth d’Autriche appartient à l’ancienne collection
-royale; il n’a jamais cessé d’appartenir à la Couronne ou aux galeries
-nationales. Il figure aujourd’hui à la salle XI, l’une des deux salles
-consacrées aux Primitifs français.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.56.—Largeur: 0.27.—<i>Bois.—Figure buste demi-nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_124"><span class="cs7">DELACROIX</span><br />
-LA BARQUE DU DANTE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE FRANÇAISE MODERNE</div>
-
-<div  id="Page_125" class="artpagew">
-  <img src="images/im-125.jpg" alt="" title="" width="600" height="459" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-125.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-125.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_127">127</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Barque du Dante</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SOUS un ciel noir, strié de lueurs sanglantes, le Phlégéton roule
-ses eaux chargées de flammes. Dans ce décor d’épouvante,
-Virgile conduit le Dante vers l’Enfer. Debout dans la barque qui
-les porte, les deux poètes ont des attitudes opposées; Virgile, enveloppé
-dans un grand manteau rouge, ne semble pas ému; de sa main
-droite, il maintient le poète florentin dont le geste et le visage trahissent
-la terreur. Autour de la barque, dirigée par un nautonnier athlétique,
-les damnés émergent du flot noir, convulsés, titaniques, la face ravagée,
-et essayent de s’agripper à l’esquif; l’un <ins id="cor_3" title="deux">d’eux</ins> s’accroche à la poupe
-dans un mouvement furieux et la mord avec rage. Ce grouillement de
-torses, ces chairs livides se débattant dans la nuit spectrale donnent
-bien l’impression d’une scène d’enfer. Il y a tant de dramatique puissance
-dans cette œuvre, tant de violence farouche dans le rendu et en
-même temps tant d’habile souplesse dans la composition, que l’on
-éprouve à regarder <i>La Barque du Dante</i> la même frayeur dont frissonne
-l’auteur de <i>La Divine Comédie</i>.</p>
-
-<p>Parlant de ce tableau à l’époque où il fut exposé, Thiers le vante
-en termes enthousiastes. «Aucune œuvre, écrit-il, ne révèle mieux
-l’avenir d’un grand peintre que ce tableau. L’auteur y jette ses figures,
-les groupe, les plie à volonté avec la hardiesse de Michel-Ange et la
-fécondité de Rubens.»</p>
-
-<p>Écoutons Paul de Saint-Victor: «On comprend l’effet que dut
-produire, au milieu de la fade peinture de l’époque, cette toile ardente
-<span class="pagenum" id="Page_128">128</span>
-et sombre, éclairée d’un jour infernal. <i>La Barque du Dante</i>, avec son
-Phlégias titanique et les damnés qui l’enlacent, parmi les flots d’écume
-noire, de leurs replis tortueux de chairs et de muscles, serait digne de
-voguer sur le fleuve qui roule au bas du <i>Jugement dernier</i> de Michel-Ange.»</p>
-
-<p>Faire songer ainsi, d’un accord unanime, au prodigieux talent de
-Michel-Ange, n’est-ce pas porter en soi quelque chose de sa puissance
-et de son génie? Et cependant, à l’époque où paraît cette magnifique
-toile, Delacroix n’a que 24 ans; non seulement il est un inconnu, mais
-il n’a pas eu de maître, il n’a fait que passer dans l’atelier de Guérin
-dont la technique glaciale le révoltait. Un peintre, cependant, exerça
-une influence réelle sur Delacroix: c’est Géricault, son camarade d’atelier,
-qui venait de peindre le <i>Radeau de la Méduse</i>. Son exemple le
-décida à rompre ouvertement avec la tradition davidienne et le réalisme
-intense de cette œuvre le détourna à jamais de la manière académique
-de l’école précédente.</p>
-
-<p>Sa <i>Barque du Dante</i> est le premier acte de cette lutte acharnée
-qu’il poursuivra toute sa vie. Du premier coup, il se pose en adversaire
-de l’école de David. Aujourd’hui, nous nous étonnons que cette œuvre
-de couleur si sobre, si sculpturalement plastique dans les modelés du
-corps humain, ait pu être considérée comme révolutionnaire et mériter
-tant de violentes injures; mais si l’on se reporte à l’époque, on
-comprend la hardiesse de la nouveauté de Delacroix. Il osa apporter
-de la passion et une expression dramatique intense dans un sujet tiré
-de la littérature; il osa choisir un poète du Moyen-Age au lieu de
-s’inspirer de l’antiquité classique.</p>
-
-<p>Ce jeune artiste de vingt-quatre ans bouleverse toutes les notions
-du Beau, établies par David et si mal interprétées par ses élèves. Au
-surplus, Delacroix ne prétend pas contester le génie de David ni
-méconnaître l’influence heureuse de sa réaction contre la décadence
-de l’art au <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle, mais il affirme son droit de choisir à son gré
-<span class="pagenum" id="Page_129">129</span>
-les sujets de ses toiles et il pose en principe que l’antiquité n’est pas
-seule inspiratrice de la Beauté et qu’on trouve celle-ci partout, dans la
-vie moderne, autour de soi et qu’il suffit pour y atteindre d’avoir une
-âme sincère et une vision nette.</p>
-
-<p>Fait curieux, Delacroix ne fut pas un enfant prodige; il ne montra
-pas, dès ses jeunes années, ces dispositions artistiques que les biographes
-se plaisent à constater dans la vie des grands maîtres. Lorsqu’il
-quitta le lycée impérial, à l’âge de dix-sept ans, pour entrer dans l’atelier
-de Guérin, il songea sérieusement à embrasser la carrière militaire,
-comme ses frères. Ce fut donc en vivant dans un milieu artistique que
-se révéla son âme de peintre et qu’il prit décidément le goût d’une
-carrière qu’il devait illustrer d’un tel éclat.</p>
-
-<p>Une passion immense, doublée d’une volonté formidable, tel était
-l’homme. Et quelle puissance d’imagination! «Ardente comme les
-chapelles ardentes, elle brille de toutes les flammes et de toutes les
-pourpres, tout ce qu’il y a de douleur dans la passion le passionne; tout ce
-qu’il y a de splendeur dans l’Église l’illumine. Il verse tour à tour sur
-ses toiles inspirées, le sang, la lumière et les ténèbres.» (Baudelaire.)</p>
-
-<p><i>La Barque du Dante</i> a beaucoup perdu de son éclat primitif; la
-couleur s’en est assombrie jusqu’à noyer les personnages dans une
-nuit presque absolue. Cette détérioration regrettable est imputable à
-l’emploi exagéré du bitume que Delacroix abandonna, fort heureusement,
-plus tard.</p>
-
-<p>Quoi qu’on ait dit sur l’injustice dont fut victime Delacroix, il eut, dès
-ses débuts, les encouragements officiels; les peintres seuls lui furent
-hostiles. L’État acquit <i>la Barque du Dante</i> pour 1.200 francs et la
-plaça au Luxembourg. Elle est passée depuis au Louvre où elle figure,
-avec ses autres œuvres, dans la salle des Peintres français modernes.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.80.—Largeur: 2.40.—<i>Figure: 1 mètre.</i></div>
-
-<h2 id="Page_130"><span class="cs7">GRECO</span><br />
-LE ROI FERDINAND</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_131" class="artpage">
-  <img src="images/im-131.jpg" alt="" title="" width="400" height="486" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-131.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-131.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_133">133</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Le roi Ferdinand</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LE roi Ferdinand est représenté debout, revêtu d’une armure
-et portant sur la tête une couronne d’or. Les bras nus
-sortent du brassard d’acier. De la main droite, il tient la
-main de justice et de la gauche légèrement inclinée vers le sol, le
-sceptre royal surmonté de la fleur de lis. Sur l’armure est jeté un
-manteau de pourpre négligemment drapé. Près du monarque, un jeune
-page, le col orné d’une fraise de dentelle, porte le casque du souverain.</p>
-
-<p>L’auteur du portrait du roi Ferdinand s’appelait Dominico Théotocopuli.
-On le surnomma «le Greco» à cause de son origine. Il était
-né dans l’île de Crète, vers l’an 1548. Tout jeune il manifesta de
-merveilleuses dispositions pour la peinture et il n’eut d’autre pensée
-que de venir sur le continent pour y satisfaire son goût. Au <span class="cs7">XVI</span><sup>e</sup> siècle,
-Venise était reine des mers et faisait un actif commerce avec l’Orient;
-ses navires visitaient toutes les îles de la Méditerranée et y apportaient
-l’écho des merveilles de la Sérénissime. Par les voyageurs et
-les marchands on savait, dans les îles, qu’à Venise florissait une
-pléiade incomparable de peintres, les premiers du monde. L’esprit du
-jeune Théotocopuli était hanté de ces récits. Son âme ardente s’exaltait
-et quand il mit le pied sur la rive des Esclavons, il ne songea pas à
-aller plus loin, il se fixa à Venise.</p>
-
-<p>Il entra à l’atelier du Titien, c’est du moins ce qu’atteste une lettre
-écrite de Rome par l’enlumineur Clovio, en 1570, pour demander au
-cardinal Farnèse d’accorder un logement dans son palais de Rome «à
-<span class="pagenum" id="Page_134">134</span>
-un jeune Candiote, élève du Titien et qui est un bon peintre». Il ne faut
-rien moins que cette affirmation pour clore le débat; car, si l’on juge
-d’après ses œuvres de la première manière, on y retrouve plus certainement
-l’influence de Tintoret ou même de Jacopo da Ponte que celle
-du Titien.</p>
-
-<p>En 1570, il alla à Rome pour s’y pénétrer de l’œuvre des grands
-maîtres. Après cinq ou six ans de séjour dans la ville pontificale, il
-passa en Espagne et se fixa à Tolède. La première de ses œuvres, exécutée
-dans cette ville, porte la date de 1577. Le Greco ne devait plus
-quitter l’Espagne qu’il avait définitivement adoptée comme patrie.</p>
-
-<p>Dès son arrivée dans la péninsule, l’art du Greco subit une transformation
-dont on ne trouve peut-être aucun autre exemple dans
-l’histoire. Sa manière se modifie complètement. Toute influence italienne
-disparaît. Désormais son œuvre ne rappelle plus ni le Titien,
-ni le Tintoret; il est Espagnol ou pour mieux dire il est Greco, il est
-lui-même, c’est-à-dire un peintre qui ne s’apparente à aucun autre et
-qui puise sa personnalité dans son seul génie.</p>
-
-<p>Ce qui le distingue c’est la qualité particulière de sa couleur un peu
-froide mais toujours harmonieuse et distinguée. Une autre caractéristique
-de son talent, c’est sa prédilection marquée pour l’ascétisme. Il
-donne volontiers à ses personnages des visages sévères, allongés,
-maigres, émaciés, des corps d’anachorètes dont l’ossature semble
-dépourvue de chair. A contempler certaines de ses toiles on éprouve
-une sensation de malaise que l’art supérieur de l’artiste ne parvient
-pas toujours à dissiper. Mais ses figures vivent d’une vie intense,
-prodigieuse. Jamais peintre n’a traduit avec une telle puissance la
-flamme intérieure qui vient de l’âme et les extases passionnées de la
-ferveur. Quelque laid que soit son modèle, il l’illumine d’une clarté
-surhumaine qui le poétise et l’embellit. A ce titre, il se classe comme
-un des meilleurs peintres religieux dont l’histoire de l’art fasse
-mention. C’est Tolède qui possède ses plus belles toiles.</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_135">135</span>
-Grâce à ce don merveilleux d’évocation, il fut également un portraitiste
-de premier ordre et l’on ne trouve guère que Velazquez à
-mettre au-dessus de lui. S’il lui est parfois inférieur au point de vue
-de l’exécution, il l’égale et parfois le dépasse par son intense pouvoir
-de pénétration, par l’incomparable faculté qu’il possède de fixer en
-traits de feu la vie intérieure de son modèle.</p>
-
-<p>On l’a appelé «le peintre des âmes». Aucun titre ne pouvait
-mieux lui convenir, aucun maître n’était plus digne que lui de le
-porter.</p>
-
-<p>M. Maurice Barrès, dans son beau livre sur le Greco, écrit: «Le
-voilà parti pour être un peintre de l’âme, et de l’âme la plus passionnée:
-l’espagnole du temps de Philippe II. Il laisse à d’autres de
-représenter les martyrs affreux, les gesticulations violentes, toutes ces
-inventions bizarres ou cruelles qui plaisaient à un peuple de mœurs
-dures, mais il gardera ce qui vit de fierté et de feu au fond de ces
-excès. Ils valent pour ramener toujours les esprits au point d’honneur
-et aux vénérations religieuses. Et, dans son œuvre, Greco manifestera
-ce qui est le propre de l’Espagne, la tendance à l’exaltation des sentiments.»</p>
-
-<p>Greco ne fut pas seulement un grand peintre, il était encore architecte,
-sculpteur, écrivain. Sous ses trois aspects, on ne peut malheureusement
-le juger aujourd’hui, ses sculptures et ses écrits ayant
-disparu.</p>
-
-<p>Le <i>Roi Ferdinand</i>, d’acquisition récente, figure dans la Grande
-Galerie, à la travée de la peinture espagnole.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 2.05.—Largeur: 1.66.—<i>Figure à mi-corps, grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_136"><span class="cs7">REMBRANDT</span><br />
-LES PÈLERINS D’EMMAÜS</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_137" class="artpage">
-  <img src="images/im-137.jpg" alt="" title="" width="400" height="499" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-137.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-137.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_139">139</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Les Pèlerins d’Emmaüs</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">ON connaît la légende évangélique: deux disciples du Christ,
-peu de temps après sa mort, cheminent de compagnie sur les
-routes brûlantes de la Galilée. Chemin faisant, ils évoquent
-la grande figure du Maître disparu et se remémorent la longue
-suite de ses miracles, l’horreur de son supplice, le prodige de sa
-résurrection. Harassés de fatigue, ils frappent à la porte d une hôtellerie
-et demandent à manger. A leur lassitude se mêle un peu de
-découragement. Que deviendront-ils, maintenant que le Maître est
-parti? Le reverront-ils encore? Ils ne croient pas que le miracle soit
-possible et, dans leur douleur, ils se lamentent. Et voilà, que soudain,
-à cette table où ils se trouvent, une lueur jaillit et le Christ apparaît,
-assis entre eux, avec son majestueux et doux visage, comme au temps
-où il vivait au milieu de ses disciples.</p>
-
-<p>C’est cette scène, d’une touchante poésie, que Rembrandt a traitée
-dans le tableau reproduit ici. Le peintre a choisi le moment où le
-miracle vient de s’accomplir. Le Christ est apparu et autour de lui
-flotte encore cette clarté céleste qui a précédé sa venue.</p>
-
-<p>Devant une table en X, couverte d’une nappe posée sur un tapis, le
-Christ est assis, ayant à côté de lui les deux <i>Pèlerins d’Emmaüs</i>. Un
-serviteur debout s’apprête à poser sur la table un plat chargé de mets.
-L’Homme-Dieu est vêtu d’une longue robe qui laisse apercevoir, sous
-la table, les jambes et les pieds. Sa tête, nimbée d’une auréole, est légèrement
-inclinée à droite; les longues boucles de sa chevelure blonde
-<span class="pagenum" id="Page_140">140</span>
-retombent de chaque côté des épaules. Entre ses mains, il tient le pain
-qu’il rompt et bénit. L’attitude et les expressions de visage des pèlerins
-trahissent l’amour, la surprise heureuse, l’adoration des disciples reconnaissant
-en leur hôte leur Maître bien-aimé. D’une haute fenêtre qu’on
-ne voit pas tombe une lumière délicate qui jette une lueur dorée sur
-cet épisode évangélique; tout l’éclat en est concentré, avec un art supérieur,
-sur la table où vient de s’accomplir le miracle. Maître incomparable
-dans le maniement du clair-obscur, Rembrandt a animé ses
-ombres les plus profondes d’une chaude luminosité qui les rend transparentes.</p>
-
-<p>Rembrandt n’est pas seulement un alchimiste de la couleur, un
-magicien de la lumière, un faiseur de tours de force pyrotechniques
-tirant, comme on dit, des coups de pistolets dans les caves; il possède
-au plus haut degré le sentiment humain, religieux et pathétique. Avec
-des formes parfois communes, triviales, manquant de noblesse comme
-dessin, car sa couleur est toujours d’une rare distinction, il parvient à
-exprimer les nuances les plus délicates de l’âme. Quelle onction, quelle
-majestueuse douceur, quelle tendresse dans ce visage du Christ, quelle
-profondeur de pensée dans son regard! Et comme l’admiration est
-traduite magnifiquement sur les traits un peu vulgaires de ses
-disciples!</p>
-
-<p>Peu de sujets ont été aussi fréquemment interprétés que la scène
-légendaire des <i>Pèlerins d’Emmaüs</i>. Les plus grands maîtres l’ont
-abordée, notamment les Vénitiens, et parmi eux, Titien et Véronèse.</p>
-
-<p>Avec cette liberté vénitienne qui se permettait tous les anachronismes,
-Titien ne craignit pas d’introduire dans son tableau des
-personnages considérables de son époque. Véronèse, lui, y fait figurer
-sa propre femme, des enfants qui jouent, des épagneuls qui gambadent.</p>
-
-<p>Il ne saurait être question ici de comparer des œuvres si différentes.
-Celle de Titien a de la gravité, sa composition est admirable et
-son coloris tel qu’on peut l’attendre de ce prestigieux artiste; dans le
-<span class="pagenum" id="Page_141">141</span>
-tableau de Véronèse, tout est charmant, gracieux, d’une harmonie et
-d’une fantaisie adorables.</p>
-
-<p>Mais chez les peintres de Venise, le sentiment religieux n’est
-jamais très profond; on devine qu’une renaissance d’idées et d’impressions
-a soufflé sur ce coin de terre. Pour être réellement
-chrétienne, leur âme est trop éprise des splendeurs orientales amenées
-par les felouques musulmanes dans le grand port de l’Adriatique.</p>
-
-<p>Dans les pays du Nord, au contraire, la foi reste très vive; le tempérament
-septentrional ressent plus profondément la poésie des
-symboles chrétiens; la grisaille du ciel, la tristesse des jours brumeux
-favorise les longs rêves et incite aux pensées pieuses. Aussi est-ce
-dans le Nord que les scènes religieuses ont trouvé leurs plus sincères,
-sinon leurs plus éloquents interprètes.</p>
-
-<p>Et lorsque, par miracle, cette ferveur mystique guide une main
-puissante comme celle de Rembrandt, lorsqu’elle saisit une âme de
-cette trempe, un génie de cette envergure, l’œuvre qui naît de cet
-accord atteint aussitôt à la sublimité.</p>
-
-<p><i>Les Pèlerins d’Emmaüs</i> appartenaient, vers le milieu du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle,
-au bourgmestre Six, d’Amsterdam. A la vente qui suivit sa mort,
-le tableau fut adjugé 170 florins. Il fut acheté ensuite, en 1770, par
-Louis XVI, à la vente du fermier général Randon de Boisset, pour une
-somme de 10.500 livres. Il figure aujourd’hui dans la grande galerie
-du Louvre, à la travée réservée aux œuvres de Rembrandt.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.68.—Largeur: 0.65.—<i>Figures: 0.34.</i></div>
-
-<h2 id="Page_142"><span class="cs7">BOUCHER</span><br />
-SUJET PASTORAL</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU XVIII<sup>e</sup> SIÈCLE</div>
-
-<div  id="Page_143" class="artpage">
-  <img src="images/im-143.jpg" alt="" title="" width="400" height="511" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-143.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-143.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_145">145</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Sujet Pastoral</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">AU pied d’un arbre au feuillage d’un vert sombre, se détachant
-en vigueur sur l’azur du ciel, un berger et une bergère sont
-assis. Berger et bergère à figure fine, aux vêtements soignés,
-paysans de convention tels que les comprenait le <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle élégant et
-pomponné, bien faits pour plaire à la société d’alors, monde de
-cour qui ne connaissait de la campagne que les majestueux ombrages
-de Versailles. Le berger est assis sur un tertre de gazon; l’un de ses
-bras, passé autour du cou de la jeune fille, s’appuie sur son épaule;
-sa main droite joue avec un oiseau apprivoisé, dont on aperçoit
-la cage ouverte à droite du tableau. Sur ses jambes chaussées de bleu
-est jetée négligemment la veste rouge dont il s’est dévêtu. Elle, tout près
-de lui, un coude appuyé sur le genou de son compagnon, tresse une
-couronne de feuillage, mais toute son attention se porte vers les ébats
-de l’oiselet et peut-être plus encore vers le joli visage de l’ami tendrement
-penché sur elle. Quelle ravissante figure de femme, fine, délicate,
-rosée et combien joliment encadrée par le double réseau de ses tresses
-blondes! N’est-ce bien pas plutôt une élégante marquise de la Cour qui
-joue pour s’amuser un rôle de bergère? On le croirait vraiment à voir
-ses mains blanches finement attachées à des bras bien tournés et ses
-pieds menus, parfaits, d’une pureté de lignes qui trahit la race. Et quel
-costume pour une simple paysanne! Un corsage de couleur tendre
-largement échancré sur la poitrine et une jupe que l’on jurerait être
-en satin. Entre eux, une corbeille remplie de roses semble indiquer que
-<span class="pagenum" id="Page_146">146</span>
-ce couple charmant a des loisirs et que la surveillance du troupeau ne
-l’absorbe guère. Leurs moutons sont particulièrement dociles; on les
-aperçoit, à gauche de la toile, très sagement couchés dans l’herbe, laissant
-aux jeunes amoureux toute licence de se conter fleurette.</p>
-
-<p>Quelle charmante fraîcheur dans ce tableau où tout est combiné
-pour la joie du regard, et quelle prodigieuse habileté dans cet art de
-Boucher qui joue avec les couleurs comme un vrai magicien! Rien de
-heurté, rien de choquant: le vert, le bleu, le rouge se marient dans une
-harmonie parfaite. Et quelle science de la composition! Tout l’intérêt
-de la scène se concentre bien sur les deux jeunes gens, mais laisse à
-l’esprit assez de liberté pour lui permettre de goûter la beauté du
-paysage et la fantaisie du détail.</p>
-
-<p>Boucher aimait peindre les pastorales. On trouve dans son œuvre
-quantité de sujets empruntés à la vie champêtre, ou du moins à cette
-vie conventionnelle des champs où les bergères ont des houlettes garnies
-de rubans et des robes à paniers. Convention qui ne trompe personne,
-mais que chacun accepte volontiers parce que la vie d’alors ne
-se conçoit pas sans élégance et que l’on trouve haïssable tout ce qui
-n’est pas joli et parfumé. Et ces bergeries, ces contrefaçons de pastorales,
-l’engouement de la Cour et de la ville les consacre, la mode s’en
-mêle, et bientôt nous verrons s’élever, sur les pelouses de Trianon,
-des fermes en miniature où des duchesses et des reines viendront
-par jeu jouer à la paysanne et baratter le beurre.</p>
-
-<p>En réalité, Boucher n’a été que le traducteur de l’état d’âme d’une
-époque et, pour le juger équitablement, il faut se reporter à cette
-époque, en connaître les aspirations, les goûts, la voir avec les yeux de
-ceux qui la vécurent. Alors, toute prévention disparaît et l’on est en
-état d’admirer sans réticence ses fantaisistes paysanneries; alors apparaît
-dans toute son ampleur le prestigieux talent de l’artiste.</p>
-
-<p>«Les <i>Pastorales</i> de Boucher, écrit Théophile Gautier, vous font
-entrer dans ce monde idyllique inventé par lui à l’usage du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup>
-<span class="pagenum" id="Page_147">147</span>
-siècle, le moins champêtre des siècles, en dépit de ses prétentions
-bocagères. Les moutons sont savonnés, les bergères ont des corsets à
-échelles de rubans et des teints qui ne se sentent pas du hâle campagnard,
-et les bergers ressemblent à des danseurs d’Opéra. Mais tout
-cela est d’une séduction irrésistible et d’un mensonge plus aimable que
-la vérité.»</p>
-
-<p>Boucher avait un véritable tempérament de peintre, d’une invention
-inépuisable, d’une facilité prodigieuse et d’une exécution qui est toujours
-celle d’un artiste, même dans les œuvres les plus lâchées. Sans
-doute il abusa de ces dons précieux, mais la prodigalité n’est permise
-qu’aux riches, et pour jeter de l’or par les fenêtres il faut en avoir. Boucher
-a suffi, sans descendre jamais au-dessous de lui-même, au plus
-effroyable gaspillage de talent pendant une longue carrière d’artiste.
-Faire le catalogue de son œuvre est presque impossible. Boucher a
-peint des plafonds, des dessus de porte, des trumeaux, des portraits, des
-mythologies, des bergerades, des paysages, des décorations d’Opéra,
-des modèles de tapisseries; il a orné des clavecins, des paravents, des
-cabinets, des chaises à porteurs, des voitures de gala. Son pinceau facile
-était prêt à tout et, quoi qu’il fît, il y mettait une grâce, un charme, une
-fleur de coloris que personne ne possédait à ce degré.</p>
-
-<p>La <i>Pastorale</i> fut exécutée en 1763. Après avoir passé en différentes
-mains, elle fut acquise sous Louis XVI pour le compte de la Couronne.
-Elle entra par la suite au Louvre, qu’elle n’a plus quitté et elle y figure
-dans la magnifique salle du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle où se trouve la plus grande
-partie des œuvres de Boucher.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.94.—Largeur: 0.74.—<i>Figures: 0.62.</i></div>
-
-<h2 id="Page_148"><span class="cs7">GÉRARD DAVID</span><br />
-LES NOCES DE CANA</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE VAN EYCK</div>
-
-<div  id="Page_149" class="artpagew">
-  <img src="images/im-149.jpg" alt="" title="" width="600" height="459" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-149.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-149.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_151">151</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Les Noces de Cana</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA scène se passe dans une maison de Bruges, sur la place du
-Saint-Sang dont on aperçoit, par les fenêtres ouvertes, les
-constructions gothiques. La table du festin, qui occupe la salle
-presque entière, est couverte de plats, de coupes et de fruits. Il
-ne semble pas, cependant, que les convives se préoccupent beaucoup
-de leur nourriture; leur attitude grave, recueillie, leur donne plutôt
-l’air de fidèles priant dans un temple. L’artiste a sans doute voulu
-peindre ses personnages à la minute solennelle où va s’opérer le
-miracle. Tous, en effet, paraissent tourner leur attention vers le premier
-plan, où les serviteurs constatent que les brocs et les jarres ne
-contiennent plus de vin. A la porte de la salle, un jeune page se presse,
-portant un gâteau sur un plat, mais nul n’y prend garde, dans
-l’anxieuse attente de l’événement.</p>
-
-<p>Au centre de la table se trouve la mariée, blonde Flamande aux
-traits réguliers, couverte de joyaux, qui baisse modestement les yeux
-et croise ses mains sur sa robe pourpre d’épousée. A côté d’elle et
-autour de la table, les convives, presque tous des femmes, sont rangés
-et leur attitude est aussi composée que la sienne. A deux rangs à droite
-de la mariée, la Vierge, les mains jointes, la tête illuminée d’une auréole,
-se penche vers son Fils et semble le prier d’accomplir le miracle.
-Le Christ l’écoute, les yeux baissés. Son visage est celui que la peinture
-flamande a adopté, à la suite de Jean van Eyck: une figure
-longue, émaciée, terminée par une courte barbe à deux pointes et
-<span class="pagenum" id="Page_152">152</span>
-encadrée d’une large chevelure blonde divisée sur le front en deux
-bandeaux.</p>
-
-<p>Le Christ a levé la main dans la direction des jarres vides. C’est la
-minute décisive: le légendaire prodige va se réaliser.</p>
-
-<p>En dehors des convives, le miracle aura d’autres témoins: à gauche,
-au premier plan, agenouillé sur les dalles, le donateur du tableau; il
-porte l’habit rouge et le manteau noir doublé de fourrures des prévôts
-de la confrérie du Saint-Sang; derrière lui, on aperçoit son jeune fils,
-agenouillé également et les mains jointes. De l’autre côté de la toile et
-dans la même attitude se trouve la donatrice. Par une fenêtre de la
-salle, un moine suit d’un œil intéressé les péripéties de la scène.</p>
-
-<p>Il y a loin de ce repas de noces à celui de Paul Véronèse, si
-débordant de lumière, de vie, de mouvement et si somptueux de
-décoration. Les pays sont différents, les époques aussi. La Renaissance
-est encore loin, nous sommes devant l’œuvre d’un Primitif et d’un
-Flamand. C’est la période gothique de la peinture, celle où la composition
-est encore malhabile, le dessin hiératique, les anatomies imprécises.
-On y peut relever quelques fautes, comme les bras de la jeune
-fille placée à la droite du Christ, bras évidemment trop courts pour
-la longueur du corps. Mais, en balance de ces erreurs minimes, quel
-art déjà dans le groupement des personnages qui permet à l’artiste de
-situer, sur une toile de dimensions restreintes, dix-neuf figures et un
-paysage! Chacun des personnages est très exactement à sa place et, si,
-au premier abord, la toile semble manquer de perspective, il n’en faut
-accuser que la tache vive de la nappe, qui tend à confondre les
-plans.</p>
-
-<p>Ce qu’il convient d’admirer surtout dans ce tableau, c’est la vérité
-des attitudes et l’expression supérieurement rendue des physionomies.
-Chez les peintres flamands de l’époque primitive, le plus implacable
-réalisme s’allie à la recherche de l’expression dramatique. Même dans
-les sujets religieux, ils voient avec leurs yeux bien plus qu’avec leur
-<span class="pagenum" id="Page_153">153</span>
-âme. Ils copient la nature, mais sans l’idéaliser: leur seul objectif est
-de faire vrai et ne va pas au delà.</p>
-
-<p>Dans le tableau de Gérard David, cependant, on devine un effort
-marqué vers l’idéalisation. Ses figures de femmes ne sont ni belles ni
-exemptes de vulgarité, mais l’artiste a su imprimer à leurs traits une
-onction, une sereine poésie qui fait oublier leur laideur.</p>
-
-<p>Et que dire de la couleur? Gérard David possédait à un degré rare
-le don d’allier les couleurs les plus vives, les tonalités les plus violentes
-sans les faire se heurter. Les rouges ardents et les verts aveuglants
-se marient avec des jaunes qui flamboient. En des mains inhabiles,
-ces rutilances entraîneraient la cacophonie: sous sa palette prestigieuse,
-tout se fond, tout s’harmonise en des ensembles équilibrés et
-chatoyants.</p>
-
-<p>Gérard David, contemporain de Van der Weyden, jouit, de son
-vivant, d’une grande réputation, mais sa mémoire souffrit, comme celle
-de tous les Flamands, du discrédit où tomba, dans les générations suivantes,
-ce qu’on appelait dédaigneusement l’art gothique. Et lorsque
-arriva l’heure de la réhabilitation, beaucoup d’œuvres du grand artiste,
-qui n’étaient pas signées, furent attribuées tour à tour à Jean Van Eyck,
-à Rogier Van der Weyden, à Thierry Bouts et plus fréquemment à
-Memling. C’est évidemment à ce dernier que s’apparente le plus l’art
-de Gérard David, par sa grâce, sa poésie et sa tendance vers l’idéal.</p>
-
-<p><i>Les Noces de Cana</i> furent longtemps attribuées à l’illustre peintre
-de <i>la Châsse de sainte Ursule</i>, et c’est sous le nom de Memling que
-nous voyons ce tableau désigné dans les inventaires de l’Empire.</p>
-
-<p>Ce tableau avait été acheté par Louis XIV, pour 15.000 livres,
-au banquier Jabach. Depuis cette époque, il n’a pas quitté les galeries
-nationales. Il figure aujourd’hui au Louvre, dans la Salle Van Eyck.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.96.—Largeur: 1.28.—<i>Figures: 0.60.</i></div>
-
-<h2 id="Page_154"><span class="cs7">NATTIER</span><br />
-MADEMOISELLE DE LAMBESC<br />
-<span class="cs8">ET LE COMTE DE BRIONNE</span></h2>
-
-<div class="artroom">SALLE LA CAZE</div>
-
-<div  id="Page_155" class="artpage">
-  <img src="images/im-155.jpg" alt="" title="" width="400" height="476" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-155.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-155.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_157">157</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Mademoiselle de Lambesc et le comte de Brionne</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">DEVANT une draperie relevée et fixée à une colonne,
-M<sup>lle</sup> de Lambesc est assise sur un fauteuil rocaille. Son
-corps est de trois quarts, légèrement tourné vers la droite et
-son beau visage, au regard impérieux, est vu de face. Elle porte un
-costume mythologique, suivant la mode usitée dans les portraits de
-cette époque: un grand manteau bleu couvre le bas du corps, et son
-corsage blanc décolleté est maintenu autour de la taille par un corselet
-à mailles d’or; sur son épaule gauche est jetée une peau de tigre.
-Les bras et le cou sont d’un admirable modelé; sortant des plis de la
-robe, un petit pied nu apparaît tout rose sous les cordons de l’étroite
-sandale. De la main droite, elle maintient un casque sur ses genoux,
-pendant que de la gauche elle achève de boucler la cuirasse de son
-jeune frère, le comte de Brionne. Celui-ci, très bel enfant à figure
-poupine, se tient de face, la tête légèrement inclinée: sous la cuirasse
-il porte un justaucorps jaune, sur lequel passe une écharpe blanche qui
-supporte l’épée. La main gauche avancée tient la hampe d’un étendard
-rouge. A gauche sont disposés des attributs militaires, symboles de
-la noble carrière des armes et de la gloire promise au jeune héros.
-Sur la peau d’un tambour, posé à droite, on lit l’inscription: <i>Nattier
-pinxit, 1732</i>.</p>
-
-<p>M<sup>lle</sup> de Lambesc appartenait à la maison de Lorraine qui avait en
-quelque sorte accaparé Nattier au moment où s’affirma sa vogue.
-Celui-ci peignit plusieurs fois les divers membres de cette puissante
-<span class="pagenum" id="Page_158">158</span>
-famille. Sa réputation de portraitiste attira sur lui l’attention royale.
-Louis XV, ravi de cet art chatoyant et gracieux, lui fit peindre successivement
-la reine, ses maîtresses, ses filles et lui-même. Dans toutes ces
-œuvres, Nattier apporta le même souci d’embellir ses modèles et de les
-parer de tous les attributs capables de les flatter. Il excellait d’ailleurs
-à peindre les femmes; la finesse de son dessin, la délicatesse de son
-coloris se prêtaient admirablement à traduire la grâce des belles
-épaules nues et la somptuosité des ajustements de cour.</p>
-
-<p><i>M<sup>lle</sup> de Lambesc et le comte de Brionne</i> date de la belle époque
-du peintre qui était dans la pleine maturité de son talent. Cette œuvre
-n’est pas seulement un superbe portrait, d’un gracieux agencement et
-d’un harmonieux coloris, elle nous révèle en même temps les goûts du
-monde aristocratique que Nattier s’appliqua toujours à flatter.</p>
-
-<p>«Il s’attacha, écrit M. Pierre de Nolhac dans sa belle étude sur
-Nattier, à ce que l’on appelait «le portrait historique», arrangement
-parfois puéril, souvent ingénieux par quoi on transforme un modèle
-grâce au costume et aux accessoires, en héros de la Fable, en divinité
-ou en figure allégorique. Depuis longtemps, l’art français avait admis
-cette idéalisation du portrait. Elle était étrangère, sans doute, au
-crayon comme au pinceau des Clouet, de Corneille de Lyon, de
-Dumonstier, fidèles observateurs de la nature, qui rend les parements
-d’un habit avec le même scrupule que les traits du visage; mais la
-manie d’apothéose dont le Grand Roi fut atteint dès sa jeunesse,
-s’étendit à tout son entourage. Le fameux tableau de Nocret où toute
-la famille royale jouait ses rôles dans un Olympe dont Louis XIV était
-le Jupiter, avait été imité, réduit, transposé à l’usage des plus modestes
-modèles. Les femmes surtout, avec leur goût coutumier de l’artificiel,
-sollicitaient des peintres cette flatterie que leur prodiguaient les poètes.
-Alors que les dévotes adoptaient pour leur image le costume d’une
-sainte de leur choix, la plupart des femmes de qualité se faisaient
-peindre en Diane, en Minerve, en Cérès, n’osant toujours arborer
-<span class="pagenum" id="Page_159">159</span>
-orgueilleusement la ceinture étincelante de Vénus. Saint-Simon dit
-parfois, du ton le plus naturel du monde, que telle duchesse occupait
-«un rang dans les nues»; il s’agit des nues glorieuses de l’Olympe
-de Versailles que le peintre avait mission de figurer réellement par
-son pinceau.»</p>
-
-<p>Scrupuleux observateur de la mode, Nattier plaça tous ses modèles
-«dans les nues», et les peignit avec les attributs des divinités olympiennes.
-M<sup>lle</sup> de Lambesc est représentée en Minerve, Louise-Henriette
-de Bourbon en Hébé, M<sup>me</sup> de Châteauroux en Point du Jour, M<sup>me</sup> de
-Flavacourt en Silence. L’allégorie alterne avec la mythologie. Chargé
-de peindre les quatre filles de Louis XV, il choisit pour les personnifier
-les quatre éléments: la Terre, c’est M<sup>me</sup> Infante; le Feu, M<sup>me</sup> Henriette;
-l’Air, M<sup>me</sup> Adélaïde; l’Eau, M<sup>me</sup> Victoire.</p>
-
-<p>Par un de ces revirements étranges que les fluctuations de la mode
-peuvent seules expliquer, Nattier, après avoir joui d’une grande vogue,
-tomba soudain dans le discrédit le plus complet et connut la
-misère. Cette défaveur le suivit jusque dans la mort et c’est à notre
-siècle que revient l’honneur d’avoir rendu justice à celui que Gresset
-appelait «le peintre des Grâces et de la Beauté».</p>
-
-<p>Bien que peint en 1732, le portrait de <i>M<sup>lle</sup> de Lambesc</i> figura au
-premier Salon du Louvre qui s’ouvrit aux artistes, en septembre 1737. Il
-portait comme titre: <i>M<sup>lle</sup> de Lambesc, de la maison de Lorraine,
-sous la figure de Minerve, armant et destinant M. le comte de
-Brionne, son frère, au métier de la guerre</i>.</p>
-
-<p>Ce tableau, par une heureuse fortune que ne connurent pas tant
-d’autres œuvres de Nattier aujourd’hui disparues, trouva en M. La Caze
-un amateur éclairé qui le sauva des aventures en l’achetant. Il est entré
-au Louvre avec les autres toiles de cette incomparable collection.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.91.—Largeur: 1.59.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_160"><span class="cs7">RAPHAËL</span><br />
-JEANNE D’ARAGON</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_161" class="artpage">
-  <img src="images/im-161.jpg" alt="" title="" width="400" height="496" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-161.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-161.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_163">163</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Jeanne d’Aragon</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">JEANNE D’ARAGON était fille de Ferdinand d’Aragon, duc
-de Montalte et petite-fille de Ferdinand I<sup>er</sup>, roi de Naples.
-Sa beauté était célèbre dans toute l’Italie, son esprit ne
-l’était pas moins; les poètes chantèrent l’un et l’autre en strophes
-enflammées. On disait couramment, en parlant d’elle, la <i>diva
-signora</i>, et de fait, elle réalisait le type le plus parfait de l’élégance
-et de la grâce féminines au <span class="cs7">XVI</span><sup>e</sup> siècle. Toute jeune, elle épousa le
-prince Ascanio Colonna, qui fut grand connétable de Naples. Ce
-grand seigneur était bien différent de sa jeune femme: autant Jeanne
-d’Aragon était fine et cultivée, autant son époux avait de rudesse et
-d’ignorance. Soldat avant tout, ses agréments extérieurs déguisaient
-mal son âme de condottière; il était emporté, brutal, et, comme
-chez tous les hommes de son temps, il y avait en lui quelque chose
-du reître batailleur. L’histoire l’accuse de s’être montré d’une
-excessive dureté pour sa femme et ses enfants, qu’il tyrannisait
-et traitait de façon odieuse. Aussi rusé que violent, il passa sa vie
-à intriguer, à conspirer, à trahir ses maîtres. Il finit par subir la
-peine de ses fautes et il mourut en 1577, après de longues années d’une
-captivité très dure. L’un de ses fils, Marc Antonio, soldat comme son
-père, se couvrit de gloire à la bataille de Lépante.</p>
-
-<p>Dans le portrait que nous donnons ici, Jeanne d’Aragon est représentée
-à la période heureuse de son existence. Elle est dans tout l’éclat
-de sa royale beauté et de sa triomphante jeunesse. Le malheur n’a pas
-<span class="pagenum" id="Page_164">164</span>
-encore éteint le sourire qui flotte sur ses lèvres, sourire de jeune
-femme qui aime et est aimée.</p>
-
-<p>La splendeur du modèle était digne du génie du peintre. En aucun
-de ses portraits, Raphaël n’a égalé la puissance de séduction ni la maîtrise
-prodigieuse que l’on constate en celui-ci. Autour de ce charmant
-visage, il a accumulé les accessoires luxueux, les pierreries, les brocarts
-et les velours, de même que dans les temples on entoure les idoles
-d’ornements précieux. Et telle est la prestigieuse habileté de l’artiste
-qu’il a su laisser dans une demi-pénombre tous ces détails, et les
-fondre, pour ainsi dire, dans une sorte de nuage pourpre sur lequel se
-détache, en relief, la délicate et ravissante image.</p>
-
-<p>Quand on aborde un génie comme Raphaël, quelle que soit l’œuvre,
-les mots sont impuissants pour traduire l’impression éprouvée.
-Quelque genre qu’il ait traité, fresques, peintures mythologiques,
-madones ou portraits, on le retrouve toujours égal à lui-même,
-c’est-à-dire supérieur à tous les autres. Il reste incontestablement le
-prince de la peinture de tous les temps.</p>
-
-<p>Le portrait de <i>Jeanne d’Aragon</i> a inspiré des pages enthousiastes
-aux critiques de tous les pays. Nous ne citerons ici que Théophile
-Gautier:</p>
-
-<p>«Le portrait de <i>Jeanne d’Aragon</i>, écrit-il, est une de ces œuvres
-qui, outre leur mérite d’art, ont un attrait de fascination. Il est
-impossible, à qui l’a vu une fois, de l’oublier. Jeanne d’Aragon reste
-dans le souvenir comme un de ces types de la perfection féminine
-qu’on rêve et qu’on désespère de rencontrer en cette vie. La princesse
-est représentée de trois quarts, coiffée d’un chaperon de velours incarnadin
-constellé de pierreries, vêtue d’une robe de même étoffe et de
-même couleur, une main posée sur le genou et l’autre repoussant un
-pli de fourrure qui lui couvre l’épaule. Le fond est une salle de riche
-architecture ouvrant sur les jardins. La tête, encadrée de longs cheveux
-blonds ondés et bouffants, se distingue par la finesse aristocratique et
-<span class="pagenum" id="Page_165">165</span>
-l’élégance patricienne du type. C’est une beauté princière dans toute
-la force du mot et l’imagination placerait à côté d’elle un blason royal,
-quand même on ne saurait pas qu’on a devant les yeux Jeanne
-d’Aragon, fille de Ferdinand d’Aragon et mariée au prince Ascanio
-Colonna, connétable de Naples. Heureux Ascanio, d’avoir possédé
-l’original d’une telle copie! Les mains, d’une pureté de race extrême,
-sont les plus belles qu’on puisse voir et la chaude richesse du velours
-fait encore valoir leur blancheur.»</p>
-
-<p>On raconte que Raphaël n’aurait pas peint son modèle d’après
-nature et qu’il aurait envoyé un de ses élèves à Naples pour y préparer
-le portrait; il n’en aurait d’ailleurs exécuté de sa propre main que la
-tête. Le reste aurait été achevé par Jules Romain, d’après le carton
-du maître. Mais le temps a passé son pouce harmonieux sur l’ensemble
-et il est bien difficile aujourd’hui de distinguer l’œuvre du
-maître de celle du disciple. Jules Romain est lui-même un peintre de
-premier ordre et lorsque, par dévouement d’élève, il s’absorbe dans la
-personnalité de Raphaël, croyez qu’il n’y gâte rien. Au surplus, il n’est
-pas téméraire d’affirmer que Raphaël dut surveiller lui-même tout le
-détail de l’exécution.</p>
-
-<p>Ce magnifique portrait, peint vers 1518, fut offert à François I<sup>er</sup>
-par le cardinal Bibienna, qui le fit porter à Fontainebleau. Il fut placé
-dans la galerie d’Apollon, sous Henri III. Il figure aujourd’hui dans la
-grande galerie du Louvre, réservée aux œuvres de Raphaël.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.20.—Largeur: 0.95.—<i>Figure à mi-corps, grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_166"><span class="cs7">P.-P. RUBENS</span><br />
-LA KERMESSE</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_167" class="artpagew">
-  <img src="images/im-167.jpg" alt="" title="" width="600" height="382" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-167.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-167.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_169">169</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Kermesse</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA scène se passe en pleine campagne flamande, devant une de
-ces auberges voisines du village dont on aperçoit le clocher,
-là-bas, à travers les arbres. Haltes pour les rouliers qui
-sillonnaient les routes au temps jadis, ces auberges servaient également
-de but de promenade, le dimanche, aux paysans qui venaient s’y gorger
-de victuailles et de bière; on y célébrait aussi les noces villageoises,
-autour de tables disposées en plein air où pouvait s’épanouir à l’aise
-la grosse joie des goinfreries.</p>
-
-<p>C’est bien une noce de village qu’a voulu représenter Rubens;
-c’est le titre primitif de son tableau, que l’on a, par la suite, appelé
-<i>la Kermesse</i>. Ce genre de peinture a toujours sollicité les artistes
-flamands, par son pittoresque, sa jovialité. Beaucoup d’entre eux,
-comme Teniers, van Steen, van Ostade s’y sont spécialisés et y ont
-gagné une gloire durable. Rubens n’a abordé ce sujet que par hasard,
-mais, sous sa main puissante, l’épisode vulgaire prend des allures d’épopée,
-la gaîté devient du délire, le mouvement de la frénésie; on est
-séduit, saisi, entraîné dans la ronde folle des maritornes et des buveurs.</p>
-
-<p>Au centre, un paysan à la face allumée embrasse une femme renversée
-sur l’herbe; à côté, un couple semble se disputer un pot de
-bière. Sur des bottes de paille, des mères donnent le sein à leurs
-nourrissons, et une vieille femme donne à boire à un jeune enfant. A
-gauche, devant l’auberge, des convives avinés sont assis autour des
-tables; l’un d’eux, terrassé par l’ivresse et le sommeil, est affalé devant
-<span class="pagenum" id="Page_170">170</span>
-son verre, tandis que les autres gesticulent et crient. Deux paysans
-cherchent à s’arracher un broc de bière; un autre, émoustillé par la
-boisson, lutine deux plantureuses commères. A droite se trouve une
-mare sur laquelle nagent deux canards, un tonneau vide y flotte aussi;
-sur le bord, un baquet qu’un chien explore activement, dans l’espoir
-d’y trouver des reliefs. Au fond, entraînée par deux musiciens montés
-sur une table, se déroule une ronde échevelée, délirante, cohue d’un
-mouvement prodigieux où l’œil effaré n’aperçoit que torses tendus,
-croupes bondissantes, jambes levées, jupes envolées.</p>
-
-<p>Rubens seul était capable de faire une œuvre de génie avec des
-éléments aussi vulgaires. Dans cette composition où s’agite une multitude
-de personnages, chacun d’eux est une petite merveille d’observation
-et de naturel. Toute la Flandre campagnarde, exubérante et
-jouisseuse, y est peinte magistralement, avec un art qui ne le cède en rien
-à celui de la <i>Descente de Croix</i> ou de la <i>Vie de Marie de Médicis</i>.
-Et dans cette toile, quelle splendeur de coloris! Rubens y a dépensé
-toute la fougue de sa flamboyante palette: c’est le plus prodigieux
-assemblage de trognes vermillonnées, de chairs colorées, de costumes
-disparates fondant leurs teintes violentes dans la frénésie de la ronde
-et aussi dans l’harmonieuse chaleur du paysage.</p>
-
-<p>Ce chef-d’œuvre a inspiré à Théophile Gautier, qu’il faut toujours
-citer en matière d’art, l’éloquente page suivante:</p>
-
-<p>«La <i>Kermesse</i>, c’est le génie même de Rubens, débarrassé de
-toute contrainte allégorique ou mythologique et s’ébattant en pleine
-liberté dans la joie et l’ivresse flamandes. Mais n’ayez pas peur qu’accoudé
-près du pot où mousse la bière, il devienne un paisible et flegmatique
-Teniers. Quand Rubens s’amuse, il a de formidables gaîtés de
-Titan, et sa puissance est la même pour une précipitation d’anges ou
-de damnés que pour une ronde de buveurs. Devant la porte du cabaret,
-il a pris la foule chancelante et il l’a nouée en une immense guirlande
-qui tourne, comme un zodiaque ivre, dans une ronde folle, les bras
-<span class="pagenum" id="Page_171">171</span>
-enlacés, les mains se retenant aux mains, avec une incroyable variété
-d’attitudes et de torsions, les pieds lourds battant le rythme et soulevant
-une chaude brume de poussière. Quelle vie, quelle turbulence,
-quelle explosion de joyeuse bestialité! Comme la santé crève sur les
-joues rouges de ces commères rebondies! Avec quelle ardeur ces
-robustes garçons fourragent les opulents appas de ces grosses femelles!
-Il faut que tout entre dans la danse, même les vieilles, et la ronde
-tourne à perdre haleine à travers les cris, les huées, les chants. C’est
-ignoble et c’est superbe, car c’est la bacchanale du génie.»</p>
-
-<p>La <i>Kermesse</i> appartenait, vers le milieu du <span class="cs7">XVII</span><sup>e</sup> siècle, au marquis
-d’Hauterive. Louis XIV l’avait vue et l’admirait beaucoup. Malgré ses
-préférences pour la peinture noble, qui lui faisaient traiter dédaigneusement
-de «magots» les personnages de Teniers, le grand Roi discernait
-fort bien l’incomparable valeur de cette toile. Aussi, lorsqu’eut
-lieu, en 1665, la vente du marquis d’Hauterive, s’empressa-t-il de l’acquérir
-pour 3.850 livres. Depuis cette époque, la <i>Kermesse</i> n’a plus
-quitté le patrimoine national: elle figure aujourd’hui dans la grande
-galerie du Louvre, à la travée des peintres flamands.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.49.—Largeur: 2.61.—<i>Figures: 0.44.</i></div>
-
-<h2 id="Page_172"><span class="cs7">SIR THOMAS LAWRENCE</span><br />
-PORTRAIT DE M. ET M<sup>ME</sup> ANGERSTEIN</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_173" class="artpage">
-  <img src="images/im-173.jpg" alt="" title="" width="400" height="557" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-173.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-173.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_175">175</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Monsieur et Madame Angerstein</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">MONSIEUR et Madame Angerstein se tiennent sur une terrasse
-d’où l’on aperçoit les arbres du jardin avec, au fond, une
-échappée sur la campagne. M<sup>me</sup> Angerstein est assise dans
-une chaise de rotin: son fin visage, dont la beauté fut célèbre en
-Angleterre, est coiffé d’un turban d’étoffe légère, d’où s’échappent
-les boucles d’une chevelure cendrée. Sa robe est faite de linon
-blanc, presque vaporeux, croisé sur la poitrine en forme de châle,
-suivant la mode du temps. Une ceinture rouge serre sa taille; sur ses
-genoux est négligemment jetée une écharpe de gaze noire dont
-l’extrémité pend jusqu’au sol. A côté d’elle, et un peu en arrière,
-M. Angerstein se tient debout, la main gauche appuyée au dossier
-du fauteuil. Sur la blancheur de sa haute cravate et de son gilet de
-casimir, son habit rouge, boutonné à l’anglaise, fait une tache vive;
-il porte une culotte de velours, des bas blancs et des souliers à
-boucles. La jambe droite est légèrement portée en avant.</p>
-
-<p>Lawrence avait peint plusieurs fois les divers membres de la
-famille Angerstein, d’abord un délicieux profil de M<sup>me</sup> Angerstein avec
-ses blonds cheveux ébouriffés sur sa tête fine, puis M. Angerstein seul,
-solide et encore élégant malgré l’envahissement de l’embonpoint, et
-enfin le magnifique portrait que nous venons de décrire.</p>
-
-<p>Parcourir l’œuvre de Lawrence, c’est faire défiler devant soi tous
-les personnages illustres ou considérables de l’Angleterre, à la fin du
-<span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle et au commencement du <span class="cs7">XIX</span><sup>e</sup>. Son extraordinaire habileté
-<span class="pagenum" id="Page_176">176</span>
-lui valut de bonne heure les faveurs du roi et de la cour. A l’âge où
-d’autres étudient encore, il est déjà célèbre; à vingt-deux ans, il est
-reçu membre associé de l’Académie de peinture et titularisé deux ans
-plus tard. En 1792, la mort de Reynolds le laisse seul représentant de
-l’art du portrait en Angleterre; il recueille sa succession officielle et
-devient portraitiste ordinaire du roi. Tout ce que Londres compte
-d’éminent tient à se faire peindre par lui; les plus grandes dames du
-Royaume-Uni défilent dans son atelier. Le fils du pauvre cabaretier
-de Bristol est comblé d’honneurs, ses toiles se vendent à prix d’or;
-une ordonnance royale l’anoblit et le crée baronnet.</p>
-
-<p>Sa renommée a franchi le détroit; il jouit d’une réputation européenne.
-En 1815, quand le désastre de Waterloo a rendu la confiance
-à l’Europe terrifiée, le Régent envoie Lawrence sur le continent pour
-portraiturer tous les personnages, diplomates ou généraux, qui ont
-le plus contribué à la chute de Napoléon. Lawrence se rend à Aix-la-Chapelle,
-où siège le Congrès européen. De là, il va à Rome pour y
-peindre Pie VII, l’illustre pontife qui fut le prisonnier du conquérant.
-Il reste plusieurs années en Italie et, le jour même où il rentre à
-Londres, en 1820, il est nommé président de l’Académie royale de
-peinture.</p>
-
-<p>Avec le recul du temps, l’étonnante fortune de Lawrence nous
-paraît avoir dépassé la réelle valeur du peintre. On ne peut s’empêcher
-de le comparer à Reynolds, et ce parallèle, il faut bien l’avouer,
-n’est pas à l’avantage de Lawrence. Il n’a pas la facture puissante de
-Reynolds ni son ferme dessin. Peut-être à cause de sa facilité, qui
-était prodigieuse, sa composition manquait de vigueur, sa couleur de
-solidité. Influencé sans doute par la manière de Boucher, exagérée
-encore par ses disciples et ses imitateurs, il tombe fréquemment dans
-l’afféterie et la fadeur.</p>
-
-<p>Il n’en reste pas moins un peintre d’une grande valeur dont le plus
-grand défaut fut d’être trop bien doué et de ne s’être pas assez défié
-<span class="pagenum" id="Page_177">177</span>
-de sa facilité. Aucun de ses portraits n’est médiocre; ce prodigieux
-gaspilleur de talent eut parfois des éclairs de génie: plusieurs de ses
-tableaux sont des chefs-d’œuvre.</p>
-
-<p>Quoique surfait, Lawrence n’a pas connu le discrédit de certains
-peintres, beaucoup trop admirés de leur vivant et remis par la
-postérité dans une place plus conforme à leur talent réel. C’est qu’il
-possède des qualités de premier ordre et qui sont de tous les temps. Il
-demeure comme le peintre modèle des élégances patriciennes. Il
-charmera et séduira toujours par sa finesse, par son raffinement de
-distinction, par la légèreté de la touche, la subtilité du ton, la grâce
-expressive et spirituelle des physionomies et des attitudes. Comme
-Nattier et Tocqué en France, il nous fait aimer cette époque charmante
-de la fin du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle dont il semble avoir complaisamment souligné
-la délicate élégance et la précieuse beauté. Il ne faut donc pas hésiter
-à le classer, malgré ses quelques défauts, parmi les maîtres de l’école
-anglaise.</p>
-
-<p>Le portrait de <i>M. et M<sup>me</sup> Angerstein</i> compte parmi les meilleurs
-du grand artiste et le Louvre s’honore de le posséder. Il figure dans
-la grande galerie, à la travée de peinture anglaise.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 2.24.—Largeur: 1.58.—<i>Figure en pied, grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_178"><span class="cs7">J.-F. MILLET</span><br />
-LES GLANEUSES</h2>
-
-<div class="artroom"><span class="esp">SALLE DE LA</span><br />
-PEINTURE MODERNE</div>
-
-<div  id="Page_179" class="artpagew">
-  <img src="images/im-179.jpg" alt="" title="" width="600" height="443" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-179.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-179.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_181">181</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Les Glaneuses</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SOUS le soleil qui darde ses rayons, la plaine s’étend à l’infini,
-plate, uniforme, sans un vallonnement. Là-bas, tout près des
-meules qui se dressent, toute une équipe de travailleurs
-s’active à lier les gerbes, sous la surveillance d’un fermier à cheval.
-Mais on les devine plutôt qu’on ne les voit. Le drame n’est
-pas là, mais au premier plan, et ses protagonistes sont trois
-femmes qui, d’un geste anxieux et pressé, se courbent vers la terre
-pour ramasser les épis oubliés. Cette récolte demeurera leur
-salaire, et, sous la chaleur torride, la tête abritée sous une sorte de
-bonnet, elles se hâtent et continueront ainsi jusqu’à la fin du jour.
-Elles mettent leur maigre cueillette dans leur tablier noué en poche
-devant elles. L’une des femmes, debout, scrute le sol, pour y
-découvrir un épi à glaner; les deux autres, pliées à terre, ramassent
-les tiges qu’elles viennent d’apercevoir. C’est de la tristesse dans de
-la lumière et ces misérables silhouettes ont une émouvante grandeur.
-Cet épisode, banal en soi, de la vie des champs s’ennoblit d’une
-sorte de psychologie sociale où nous découvrons tout un côté de la
-misère humaine, celle du paysan, la plus dure peut-être parce qu’elle
-ne s’éclaire d’aucune joie et qu’elle se traîne dans l’éternelle et âpre
-lutte contre la terre.</p>
-
-<p><i>Les Glaneuses</i> figurèrent au Salon de 1857. Elles y firent
-sensation. Exalté par les uns, ce tableau fut décrié par le plus grand
-nombre. On voulut y voir un plaidoyer contre la misère du peuple.
-<span class="pagenum" id="Page_182">182</span>
-«Ce sont, écrivait Paul de Saint-Victor, <i>les Parques du paupérisme</i>.»
-Tant de sévérité nous confond aujourd’hui; c’est en vain
-que nous cherchons dans l’œuvre de Millet cet appel à la haine que
-certains y ont voulu voir, et nous n’apercevons, dans la sérénité
-de cette toile, que la résignation muette qui est la vertu du paysan.</p>
-
-<p>Nous possédons d’ailleurs une lettre de Millet à son ami Sensier,
-qui explique éloquemment la mélancolie générale de son œuvre:
-«Je vous avouerai, lui écrit-il, que c’est le côté humain qui me
-touche le plus en art, et si je pouvais faire ce que je voudrais ou
-tout au moins le tenter, je ne ferais rien qui ne fût le résultat d’une
-impression reçue par l’aspect de la nature, soit en paysages, soit
-en figures. Ce n’est jamais le côté joyeux qui m’apparaît, je ne sais
-pas où il est, je ne l’ai jamais vu. Ce que je connais de plus gai, c’est
-le calme, le silence dont on jouit si délicieusement dans les forêts
-ou dans les champs; vous m’avouerez que c’est toujours très rêveur,
-et d’une rêverie triste, quoique bien délicieuse. Dans les endroits
-labourés, et parfois dans des pays peu labourables, vous voyez des
-figures bêchant, piochant. Vous en voyez une de temps en temps, se
-redressant les reins et s’essuyant le front avec l’envers de sa main.
-«Tu gagneras ton pain à la sueur de ton front.» Est-ce là ce travail
-gai, folâtre, auquel certaines gens voudraient nous faire croire?
-C’est cependant là que se trouve pour moi la vraie humanité, la
-grande poésie.»</p>
-
-<p>Millet aimait le paysan, il en connaissait les gestes, les attitudes,
-il comprenait l’obscure mélancolie de son âme sans cesse rivée aux
-mêmes spectacles et aux mêmes pensées. Il l’aimait d’autant mieux
-qu’il était de sa race, fils de paysans lui-même, ayant bêché et
-labouré une terre ingrate, là-bas, sur la lande de Gréville, près de
-la mer. Et il s’est fait l’éloquent interprète des forçats de la terre,
-il les a peints à toutes les heures de leur morne existence, mais sans
-aucune arrière-pensée de révolte, avec l’unique souci de faire vrai.</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_183">183</span>
-Millet aurait pu, comme bien d’autres, chercher ailleurs ses
-modèles et flatter le goût de son époque; héroïquement, il s’est
-obstiné dans cette voie où le public refusait de le suivre. Le paysan!
-Quelle beauté pouvaient trouver aux travaux de la terre les bourgeois
-amateurs de 1850, et quel espoir qu’ils orneraient leurs galeries des
-misérables fendeurs de bois ou des batteurs de sarrasin? Aussi Millet,
-dont les toiles devaient atteindre plus tard des prix si fabuleux,
-eut-il à se débattre toute sa vie contre la misère. Dans sa pauvre
-demeure de Barbizon, il n’y eut pas toujours de quoi manger.
-Pendant une de ces périodes de détresse, son voisin et ami Théodore
-Rousseau lui acheta, sous un nom d’emprunt, son <i>Paysan greffant
-un arbre</i>, pour lui permettre de donner un peu de pain à sa famille.
-Un jour il écrit à un ami: «Il n’y a pas quarante sous à la maison,
-et voilà vingt ans que cela dure.» Contraint par la nécessité, il
-passe avec des marchands des traités désastreux: pour mille francs
-par mois, il abandonne tous les tableaux et dessins qu’il produira
-pendant trois ans. Et certains de ces tableaux se vendent aujourd’hui
-des centaines de mille francs.</p>
-
-<p>Millet est mort sans avoir pu assister à ce retour de gloire.
-Au surplus, sa haute figure n’est pas mieux comprise de la masse du
-public, mais on parle de lui avec le respect qu’inspirent toujours des
-chiffres très élevés.</p>
-
-<p>Le tableau des <i>Glaneuses</i> fut acheté 2.000 francs par M. Binder.
-Il fut vendu très cher par M. Bichoffsheim à M<sup>me</sup> Pomery, de Reims,
-qui le légua au Louvre en 1881. Il y figure dans la salle des Peintres
-modernes.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.82.—Largeur: 1.58.—<i>Figures: 0.48.</i></div>
-
-<h2 id="Page_184"><span class="cs7"><ins id="cor_4" title="Il convient de lire Frans Hals">FRANZ HALS</ins></span><br />
-LA BOHÉMIENNE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE HOLLANDAISE</div>
-
-<div  id="Page_185" class="artpage">
-  <img src="images/im-185.jpg" alt="" title="" width="400" height="466" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-185.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-185.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_187">187</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Bohémienne</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">CE tableau devrait s’appeler plus exactement la <i>Fille au
-marché</i>; il est, en effet, le portrait d’une marchande de
-poissons de Haarlem, qui posa très souvent dans l’atelier
-de Hals. La jeune femme est représentée à mi-corps. Elle est vêtue
-d’une robe rouge dont on n’aperçoit que la taille et les brides qui la
-maintiennent aux épaules. La chemise largement ouverte laisse
-apercevoir la poitrine et une partie des seins. Le visage, encadré
-d’une chevelure très opulente mais peu soignée, est d’une belle
-vulgarité paysanne qui ne manque pas de charme; la jovialité bien
-portante des filles du peuple s’y épanouit magnifiquement en un
-rire qui découvre les dents, anime les joues, bride les yeux. On a
-souvent épilogué sur la signification de ce sourire, où certains ont
-voulu voir de la cruauté ou du cynisme. A le regarder attentivement,
-on n’y aperçoit que la joie de vivre chez une créature saine et
-belle, expression traduite par le peintre d’une manière supérieure.</p>
-
-<p>Franz Hals fut d’ailleurs le peintre de la Hollande joyeuse et bien
-vivante. «Après Rembrandt, Franz Hals! La rayonnante gaîté après
-la mélancolie la plus profonde; le rire après la douleur... Ici, nous
-sommes en pleine Hollande heureuse et triomphante et la joie du
-triomphe s’épanouit dans l’œuvre du maître de Haarlem. Comme se
-déploie le ciel du printemps sur les campagnes fleuries de sa ville
-natale.....» (Armand Dayot).</p>
-
-<p>S’il exécuta de nombreux portraits de personnages graves, des
-<span class="pagenum" id="Page_188">188</span>
-réunions de confréries ou de sociétés, il affectionnait peindre les
-visages rubiconds de buveurs, les faces épanouies des servantes
-d’auberge. Les modèles ne lui manquaient pas dans les estaminets
-où il fréquentait, car il était lui-même grand buveur et bien souvent
-ses élèves devaient le ramener, le soir, en état d’ébriété complète.</p>
-
-<p>Mais telle était sa facilité de travail que, malgré les déréglements
-de sa vie, il a laissé une œuvre considérable. Franz Hals appartient
-à cette glorieuse famille des peintres de la Flandre occidentale qui
-compte Rubens, Van Dyck, Jordaens, Teniers; ces grands noms
-sont évocateurs de couleur puissante, de force, de réalisme, d’observation
-humaine. Hals les égale par l’intensité de vie qu’il donne à
-ses personnages et par la verve débordante dont il les anime. Pour
-sa facilité, elle était proverbiale et pouvait se comparer à celle de
-Rubens. Il exécutait, quand il était en verve, un portrait en quelques
-heures.</p>
-
-<p>Van Dyck, étant venu d’Angleterre en Flandre, voulut voir Franz
-Hals dont il appréciait les œuvres et dont il avait entendu vanter
-l’habileté d’exécution. Il se présenta chez l’artiste; on dut l’aller
-chercher au cabaret. Très mécontent d’être dérangé, Hals ne se
-presse pas; il ignore d’ailleurs le nom du visiteur. Quand il arrive,
-Van Dyck demande à être portraituré; Hals refuse d’abord, et il ne
-faut pas moins que la promesse d’une somme importante pour le
-décider. De fort mauvaise humeur, il prend une vieille toile, des
-pinceaux et, deux heures après, il tend à son modèle un portrait
-merveilleux d’exécution et de ressemblance. Van Dyck remercie,
-paie la somme convenue, puis demande à l’artiste s’il pourrait à son
-tour essayer de lui faire son portrait. Hals fut étonné de l’offre, et
-plus surpris encore en voyant son hôte travailler. Il devina alors:</p>
-
-<p>—Mais qui diable êtes-vous donc? Antoine Van Dyck, certainement!</p>
-
-<p>Presque toujours ses élèves ramenaient Franz Hals ivre, et le
-<span class="pagenum" id="Page_189">189</span>
-couchaient. Une fois dans son lit, le peintre bredouillait une prière
-qui se terminait invariablement par ces mots: «Mon Dieu, recevez-moi
-au Ciel!» Ses élèves, conduits par Brauwer, résolurent de lui
-faire une farce. Ils percèrent quatre trous au plafond, par lesquels
-on descendit des cordes qu’ils attachèrent aux quatre pieds du lit.
-Quand Franz Hals, ivre comme de coutume, prononça sa phrase
-habituelle, le lit, tiré par des mains invisibles, quitta le sol et monta
-vers le plafond. Épouvanté de voir sa prière exaucée le peintre
-s’empressa de crier: «Pas encore, Seigneur, pas encore!»</p>
-
-<p>Mais avec l’âge, son penchant à la boisson ne fait que grandir;
-ses stations à la taverne deviennent plus prolongées. Son talent ne
-diminue pas mais sa production se ralentit. La gêne vient, puis la
-misère. Il doit à tout le monde. Il paye son boucher en lui offrant
-un de ses plus beaux chefs-d’œuvre: <i>Le joyeux trio</i>. Comme il
-est resté fier, des sociétés de bienfaisance dissimulent la charité
-qu’elles lui font en lui commandant deux tableaux qu’il exécute,
-sans aucune défaillance de pinceau, à l’âge de quatre-vingt-quatre
-ans.</p>
-
-<p>On ne sait rien de ses dernières années et de sa mort. Il fut
-inhumé dans le chœur de la Groote Keerke de Saint-Bavon. Pour
-tout mausolée, une simple pierre tombale, avec les lettres F. H.</p>
-
-<p>Sa veuve lui survécut quelques années, dans une pauvreté
-extrême. Elle obtint de la ville, comme secours, une aumône de
-quatorze sous par semaine.</p>
-
-<p><i>La Bohémienne</i> fut vendue 301 livres, en 1782, à la vente
-Menars. Elle passa plus tard dans la collection La Caze. Elle figure
-aujourd’hui au Louvre dans la salle hollandaise, derrière la grande
-salle des Rubens.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.58.—Largeur: 0.52.—<i>Figure en buste grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_190"><span class="cs7">DECAMPS</span><br />
-LES SONNEURS</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE TOMY-THIERRY</div>
-
-<div  id="Page_191" class="artpage">
-  <img src="images/im-191.jpg" alt="" title="" width="400" height="487" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-191.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-191.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_193">193</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Les Sonneurs</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA scène se passe vraisemblablement dans la tour du clocher
-d’une église de village, un jour de fête carillonnée. C’est le
-moment d’annoncer l’office: l’enfant de chœur a déjà revêtu
-le surplis blanc et la soutane écarlate. A la corde qui met la cloche
-en branle, quatre vigoureux paysans sont accrochés et tirent de
-toute la force de leurs bras. Une partie de cette ardeur, ils l’ont sans
-doute puisée dans les bouteilles qu’on aperçoit jonchant le sol, à
-côté d’un monceau d’habits. Dans le feu de l’action, l’un d’eux a
-laissé choir sa pantoufle et ses bas, tirés par l’effort, descendent et
-tirebouchonnent sur ses jambes maigres. Tous ces gaillards ont l’air
-de joyeux drilles pour qui la sonnerie dominicale des cloches semble
-être l’occasion de vider quelque bouteille. Le peintre n’a pas situé son
-épisode; sans doute est-ce une réminiscence de son séjour dans
-le Midi. En tous cas, nous sommes dans un pays où le vin est en
-honneur. Tout près de la fenêtre à vitraux, on aperçoit le sacristain
-qui, le verre en main et avec une évidente béatitude, fait raison
-à un jeune homme assis devant lui dans l’embrasure. L’enfant de
-chœur lui-même, près de la porte, tient un flacon qu’il se dispose à
-aller boire en cachette, dans quelque coin.</p>
-
-<p>Ce petit tableau est d’une fantaisie charmante; l’effort musculaire
-des sonneurs y est traduit avec une vérité, un réalisme parfaits. Par
-la minime importance de l’épisode, par l’abondance du détail et la
-minutie de l’exécution, cette œuvre se place parmi les meilleures de
-<span class="pagenum" id="Page_194">194</span>
-cette forme d’art qu’on appelle la peinture de genre, et dans laquelle
-excella Decamps.</p>
-
-<p>«A cette peinture, écrit M. Charles Clément, manquent en tout ou
-en partie les grandes qualités de l’art, l’importance et l’élévation du
-sujet, la force, la noblesse de la composition, la beauté des types, des
-gestes, des ajustements, mais elle rachète son infériorité par la vérité
-des détails, l’habileté de la facture, l’agrément de la couleur, la justesse
-de la pantomime, l’arrangement, en un mot, par l’excellence de ce qui
-dépend avant tout de l’observation et de l’exécution. Un peintre de
-genre a de l’esprit, du savoir-faire, du talent. Il étonne, intéresse,
-séduit; il n’émeut pas, il n’est pour rien dans ces nombreuses et admirables
-créations du génie qui, de siècle en siècle, peuplent l’imagination
-de ceux qui savent et qui pensent.»</p>
-
-<p>A cet égard, Decamps est beaucoup mieux qu’un peintre de genre.
-S’il n’était que le plus brillant et le plus amusant de nos anecdotiers,
-on ne comprendrait pas l’unanime admiration dont bénéficie son œuvre.
-Mais il ennoblit la plus vulgaire de ses compositions par une admirable
-compréhension de la lumière. Peu de peintres ont possédé à un aussi
-haut degré le don de capter le soleil et d’en illuminer ses toiles. Ce fut
-son étude constante et la plupart de ses tableaux n’ont pas de sujet, ils
-ne sont qu’un prétexte pour lui de jouer en virtuose avec les rayons et
-les ombres. Il a porté l’art du clair-obscur à une perfection qui l’apparente
-aux plus grands maîtres. On en trouve précisément la preuve dans
-<i>les Sonneurs</i> où vibre une lumière intense qui anime les coins les plus
-sombres de la toile.</p>
-
-<p>Decamps rêva toute sa vie d’être autre chose qu’un peintre de
-genre. Il s’essaya dans la peinture de style et y montra de réelles
-qualités. On pourrait citer, parmi ces œuvres d’un ordre plus haut <i>La
-Pêche miraculeuse</i>, <i>la Défaite des Cimbres</i>, et surtout <i>le Christ au
-Prétoire</i>. Il songea même à peindre à fresque: «L’esprit d’invention
-ne me manquait pas, écrivait-il, et j’aurais tiré parti de l’idée la plus
-<span class="pagenum" id="Page_195">195</span>
-saugrenue, si l’on m’eût accordé une salle quelconque. Ce que j’eusse
-produit eût été fort attaquable, j’en conviens; enfin organisé d’une
-manière particulière, ce que j’eusse produit fût un peu sorti de ce
-système de plafonnage usé... J’ai la conviction que la nécessité où je
-me suis trouvé de ne produire que des tableaux de chevalet m’a
-totalement détourné de ma voie naturelle...»</p>
-
-<p>Il est peut-être heureux, pour la gloire de Decamps, qu’il n’ait pu
-donner sa mesure dans la peinture murale: il avait trop la passion
-du détail pour se plier aux nécessités de la fresque qui sacrifient précisément
-le détail à la masse; en outre, la fresque exige une teinte
-claire, vive, légère et Decamps peignit toujours dans une gamme sombre
-où domine le clair-obscur. Enfin, la fresque n’est abordable qu’aux
-dessinateurs impeccables; or, trop souvent, faute d’étude, le dessin
-de Decamps manque de sûreté.</p>
-
-<p>Mais qu’importe ce qu’il eût pu ou voulu être? Ce n’est pas un
-mérite si mince de trouver matière à un tableau dans un minuscule
-épisode de la vie intime et de nous y intéresser à force d’esprit, de
-fantaisie, d’humour et aussi de science.</p>
-
-<p>Pour bien juger Decamps, il faut songer qu’il se forma tout seul,
-sans maître sinon sans étude. Mais faute de maître, son étude fut
-incomplète. Il n’est presque jamais irréprochable, mais ses défauts, qui
-sont incontestables, ne peuvent faire oublier ses éminentes et rares
-qualités. Il plait et charme par la saveur un peu âpre de son talent, et
-par l’originalité de son invention, et le pittoresque soutenu de ses
-anecdotes.</p>
-
-<p><i>Les Sonneurs</i> furent achetés par M. Tomy-Thierry; ils figurent au
-Louvre dans les salles du deuxième étage, réservées à la riche collection
-du donateur.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.58.—Largeur: 0.48.—<i>Figures: 0.32.</i></div>
-
-<h2 id="Page_196"><span class="cs7">HOLBEIN</span><br />
-ANNE DE CLÈVES</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_197" class="artpage">
-  <img src="images/im-197.jpg" alt="" title="" width="400" height="546" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-197.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-197.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_199">199</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Anne de Clèves</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">QUI croirait, à contempler cette placide figure de femme, qu’on
-a devant les yeux une des nombreuses épouses de Henri VIII,
-le terrible monarque anglais! Rien n’indique, dans son attitude,
-qu’elle redoute la fin tragique de l’une de ses devancières, Anne
-de Boleyn, décapitée sur l’ordre de son époux. Elle nous apparaît, au
-contraire, infiniment tranquille, avec un bon visage d’Allemande sans
-passions qui nous la ferait prendre pour une religieuse, n’était le
-costume somptueux dont elle est revêtue.</p>
-
-<p>Lorsque Holbein fit le portrait d’Anne de Clèves, elle n’était pas
-encore la femme de Henri VIII, ce qui explique peut-être son beau
-calme. Elle ne connaissait pas le roi sanguinaire qui allait devenir son
-époux. Celui-ci, ayant jeté ses vues sur elle, avait dépêché Holbein
-sur le continent avec mission de peindre la jeune princesse qu’il
-n’avait jamais vue. La flatterie dans le portrait était le moindre défaut
-du grand peintre d’Augsbourg. Cette fois, cependant, il s’efforça au
-rôle de courtisan. Anne de Clèves n’était pas belle, il nous la montre,
-sinon jolie, du moins suffisamment agréable. Au surplus, sa coiffure,
-malgré la richesse des broderies et des perles, n’est pas faite pour
-l’avantager: collée au front et sur les joues elle supprime
-complètement la chevelure, cet ornement naturel des visages
-féminins. En dépit de traits irréguliers et un peu vulgaires, la
-physionomie n’est pas sans agréments; les yeux ont de la bonté, la
-bouche de la douceur. On se surprend à plaindre la malheureuse
-<span class="pagenum" id="Page_200">200</span>
-princesse qui dut à ce portrait de devenir l’épouse d’un tel homme.</p>
-
-<p>On ne saurait rien deviner des grâces de la jeune femme sous le riche
-mais inélégant costume qui l’emprisonne. La robe est d’un velours aux
-grands plis raides. Largement échancré en carré, le corsage laisse voir
-la poitrine à travers une guimpe de dentelles; il est garni d’un ample
-galon bordé de perles et orné de cabochons sertis de gemmes; le
-cou est encerclé d’un collier de pierreries où pend une croix en
-grenats. La ceinture, la jupe et les manches sont également soutachées
-d’ornements d’or recouverts de pierreries. De l’ampleur des manches
-sortent les mains, des mains fuselées et baguées, que la princesse
-tient croisées devant elle.</p>
-
-<p>Ce portrait d’Anne de Clèves, merveilleuse symphonie de pourpre
-et d’or, est un incomparable chef-d’œuvre. Quand il le vit, Henri VIII
-en fut enthousiasmé. Le modèle lui plut, puisqu’il l’épousa, mais il ne
-se montra pas moins satisfait du talent de l’artiste. «Je pourrais,
-disait-il, faire six pairs avec six laboureurs, mais de six pairs je ne
-ferais pas un Holbein.»</p>
-
-<p>Plus heureuse qu’Anne Boleyn, Anne de Clèves eut la chance de
-mourir de sa belle mort. Quand elle eut cessé de plaire, Henri VIII
-ne la fit pas décapiter; il se contenta de la répudier. Mais on devine
-quelle dut être son existence auprès de son royal époux et, plus d’une
-fois, son doux et tranquille visage se voila de larmes et se contracta
-dans les affres de la peur. Celle qui lui succéda, Catherine Howard,
-eut moins de bonheur. Après quelques années, Henri VIII lui faisait
-trancher la tête.</p>
-
-<p>Ce gros homme balourd avait l’apparence d’un rustre et la férocité
-d’un Néron. Son règne ne fut qu’une longue suite de perfidies et de
-crimes. Comme tous les tyrans, il avait l’âme inquiète, soupçonneuse,
-et quiconque avait attiré sa défiance était marqué pour l’échafaud. Il a
-figuré, dans une époque de chevalerie, comme un monstrueux anachronisme,
-et il a souillé l’histoire d’Angleterre d’une page sanglante.
-<span class="pagenum" id="Page_201">201</span>
-Quand il était las de ses femmes, ce Barbe-Bleue couronné les livrait
-tranquillement au bourreau.</p>
-
-<p>Après la mort de l’infortunée Jeanne Seymour, Henri VIII songea,
-avant de se tourner vers Anne de Clèves, à épouser Christine de
-Danemark, duchesse de Milan. Cette princesse, qui n’avait que seize
-ans, était déjà veuve, et sa réputation de beauté étant parvenue
-jusqu’au roi d’Angleterre, celui-ci lui fit offrir la couronne. C’est
-Holbein qui fut chargé de la négociation et, suivant l’usage, il devait
-peindre la jeune femme qu’il convoitait. Mais l’ambassade de l’artiste
-échoua piteusement. Dès les premières ouvertures, la princesse se
-récria:</p>
-
-<p>—Je n’ai qu’une tête, répliqua-t-elle, et je tiens à la garder sur
-mes épaules.</p>
-
-<p>Christine de Danemark devint plus tard duchesse de Lorraine.</p>
-
-<p>Malgré son échec, Holbein, nous l’avons vu, ne perdit pas la
-confiance de son terrible maître. Aussi, malgré les offres brillantes
-du bourgmestre de Bâle qui l’invitait à revenir dans cette ville où
-il avait si longtemps vécu, il refusa de quitter l’Angleterre. Il y
-mourut de la peste, en 1544, âgé seulement de quarante-six ans.</p>
-
-<p>Le portrait d’Anne de Clèves est peint sur vélin collé sur toile; il
-faisait partie de la collection de Louis XIV. Protecteur des arts
-comme il l’était des lettres, le Grand Roi a donné à la France les plus
-beaux tableaux de ses musées. Celui-ci figure au Louvre dans la
-Grande Galerie, à la travée de peinture allemande.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.65.—Largeur: 0.48.—<i>Figure à mi-corps, petite nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_202"><span class="cs7">P. PRUD’HON</span><br />
-L’ENLÈVEMENT DE PSYCHÉ</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DES SEPT CHEMINÉES</div>
-
-<div  id="Page_203" class="artpage">
-  <img src="images/im-203.jpg" alt="" title="" width="400" height="495" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-203.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-203.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_205">205</div>
-
-<div class="arttitle"><i>L’Enlèvement de Psyché</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA légende mythologique de Psyché est bien connue: Psyché
-était une jeune fille d’une si idéale beauté que l’Amour lui-même
-s’en éprit et l’enleva. C’est ce gracieux épisode que Prud’hon a
-traité dans son magnifique chef-d’œuvre.</p>
-
-<p>Le tableau représente la scène de l’enlèvement. La jeune Psyché,
-portée par des Amours ailés, est mollement étendue entre les bras de
-ses ravisseurs. Sa tête charmante, inclinée à droite, ne trahit aucune
-crainte ni aucune colère; le regard aigu qui filtre sous les paupières
-baissées, les lèvres entr’ouvertes pour le sourire, l’abandon complet de
-tout le corps disent, au contraire, l’enivrement voluptueux, la complaisante
-acceptation de l’aventure. Un de ses bras est négligemment replié
-sur l’épaule; l’autre, relevé d’un geste plein de grâce au-dessus de la
-tête, maintient du bout des doigts l’extrémité d’un voile de gaze qui
-flotte et bouillonne autour d’elle. Il n’est rien de plus idéalement beau
-que la chaste nudité de ce corps de vierge dont les chairs blondes
-semblent pétries de lumière. Ses jambes fines reposent sur le cou d’un
-jeune Amour à figure rieuse et aux cheveux ébouriffés. Les deux autres
-maintiennent le buste de la jeune fille; l’un d’eux, celui du premier
-plan, à demi ployé sous le charmant fardeau, lève les yeux vers la
-blonde Psyché, qu’il contemple d’un air d’adoration. Au-dessous d’eux
-Zéphyr, le vent complice du rapt, déchaîne un tourbillon de nuées
-qui facilite l’envol du groupe vers l’azur.</p>
-
-<p>Cet admirable tableau, l’un des plus beaux de l’école française, est
-<span class="pagenum" id="Page_206">206</span>
-surtout remarquable par sa conception et sa traduction spéciales de
-l’antique, très différentes de celles en honneur dans l’école de David.
-A cette école Prud’hon n’emprunte rien, sinon le goût des sujets
-puisés dans l’antiquité païenne.</p>
-
-<p>Mais avec quelle grâce supérieure il l’interprète! La beauté n’est
-pas pour lui un laborieux assemblage de lignes impeccables, ayant
-le poli et la rigidité du marbre. Sous son pinceau prestigieux, la froide
-statue s’anime, les chairs vivent, un sang généreux circule; sur l’épiderme
-de ses créations, il épand ce je ne sais quoi d’indéfinissable et
-d’insaisissable dont seuls Léonard de Vinci et Corrège possédaient le
-secret. Aussi bien, Prud’hon n’est-il pas de son siècle; il a de la beauté
-le sens profond et idéal des grands peintres de la Renaissance. J’ai
-nommé Vinci et Corrège: c’est jusqu’à ceux-là qu’il faut remonter
-pour trouver un terme de comparaison avec le talent du maître français.
-Ils sont d’ailleurs ses modèles préférés, pendant la durée de son
-séjour à Rome. Passionnément, il les étudie, scrutant leurs procédés,
-cherchant à deviner leur technique, à s’attribuer leur coloris. Corrège
-surtout l’éblouit et l’enchante. Il se désespère devant la transparence de
-ses chairs, la fluidité de ses ombres, l’audace de ses raccourcis. A force
-d’étude, il pénètre les arcanes de cet art admirable; il en comprend
-l’élévation, la beauté; il le fait sien à son tour et, sur ses toiles, nous
-retrouvons toute la grâce et la volupté païennes du grand maître
-parmesan. Et l’on peut dire de lui sans exagération qu’il a été le
-Corrège français.</p>
-
-<p>«Au milieu de son temps, écrit Théophile Gautier, Prud’hon est un
-fait imprévu. Il a créé une grâce nouvelle et trouvé une veine de
-beauté inconnue. Sa manière de comprendre l’antique diffère complètement
-de celle de ses contemporains. Les statues que les élèves de
-David dessinent avec une sécheresse sculpturale, il semble les voir au
-clair de lune, argentées de molles lumières, baignées d’ombres et de
-reflets, ondoyantes, effumées sur les contours, enveloppant et noyant
-<span class="pagenum" id="Page_207">207</span>
-leurs lignes dans une vague brume. A la mythologie de l’empire il
-applique le flou du Corrège. Il a la vapeur, le mystère, la rêverie, et
-aussi un divin sourire qui n’appartient qu’à lui. Mais n’allez pas croire
-à un talent efféminé; Prud’hon sait, quand il le faut, être mâle, sérieux
-et grand. Quoi de plus tragique que <i>La Justice et la Vengeance
-divine poursuivant le Crime</i>?»</p>
-
-<p>Nous avons dit ce que fut son séjour dans la Ville Éternelle: un
-perpétuel enchantement, une admiration sans limite pour les chefs-d’œuvre
-de la Renaissance, une fervente adoration pour Corrège et
-Vinci.</p>
-
-<p>A son retour, il est un maître et bientôt ses toiles font sensation.
-L’Empire a escamoté la Révolution. Napoléon favorise les arts; il ne
-tarde pas à distinguer Prud’hon. Il lui confie le portrait de l’impératrice,
-que le peintre a représentée assise dans les jardins de la
-Malmaison.</p>
-
-<p>A ce chef-d’œuvre, Prud’hon en ajoute un autre: <i>L’Enlèvement de
-Psyché</i> que nous donnons ici. Bientôt, il est célèbre, on se dispute ses
-toiles, ses portraits, il est de l’Institut et il meurt couvert de gloire.</p>
-
-<p><i>L’Enlèvement de Psyché</i> figura au Salon de 1808. Il fut payé
-15.450 francs en 1839; il atteindrait aujourd’hui un chiffre fantastique
-s’il était remis en vente. La duchesse de Sommariva, qui possédait
-cette magnifique toile, la légua, en 1888, au musée du Louvre, qui l’a
-mise en belle place dans la Salle des Sept Cheminées, également
-appelée Salle du Sacre, où se trouvent les œuvres de David et des
-autres peintres du début du <span class="cs7">XIX</span><sup>e</sup> siècle.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.93.—Largeur: 1.54.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_208"><span class="cs7">PH. DE CHAMPAIGNE</span><br />
-PORTRAIT DE RICHELIEU</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_209" class="artpage">
-  <img src="images/im-209.jpg" alt="" title="" width="400" height="566" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-209.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-209.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_211">211</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Le Cardinal de Richelieu</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">PHILIPPE DE CHAMPAIGNE! Une noble figure d’homme
-et de peintre. Son admirable existence s’est partagée entre la
-pratique de toutes les vertus chrétiennes et le culte fervent
-et passionné de l’art. Il réalise le type accompli de «l’honnête
-homme», tel qu’on le concevait au <span class="cs7">XVII</span><sup>e</sup> siècle.</p>
-
-<p>Bien que né à Bruxelles, Philippe de Champaigne peut être
-revendiqué par la France où s’écoula toute sa vie. Peu de temps après
-son arrivée à Paris, il eut l’heureuse fortune de se voir employé par
-Duchesne, premier peintre de Marie de Médicis, à la décoration du
-Luxembourg, entreprise par la reine-mère. Peu de temps après,
-Duchesne mourait; le jeune artiste héritait de sa charge, de son
-logement dans le palais et il épousait sa fille.</p>
-
-<p>A cette époque, Marie de Médicis n’était pas encore brouillée
-avec Richelieu. Elle lui recommanda son peintre, dont elle était
-charmée. Le cardinal, qui faisait embellir à ce moment ses châteaux
-de Richelieu et de Bois-le-Vicomte, employa fréquemment Philippe
-de Champaigne. Bientôt survint la guerre entre la reine-mère et
-le cardinal-ministre: ce fut pour Marie de Médicis la persécution,
-l’internement et l’exil. Le peintre, très dévoué à sa bienfaitrice,
-ressentit une véritable douleur du traitement indigne que lui faisait
-subir Richelieu. Il ne l’aima jamais. Chargé des travaux de
-Bois-le-Vicomte et du palais Cardinal, il laissait traîner les travaux,
-imaginant toutes sortes de prétextes pour ne pas les continuer. Le jeu
-<span class="pagenum" id="Page_212">212</span>
-était d’autant plus dangereux que le rude ministre devinait bien les
-motifs de ce mauvais vouloir. Mais il aimait le talent de Philippe
-de Champaigne; il employa les procédés les plus flatteurs pour le
-ramener à lui. Il lui envoya son confident, Le Boutilhier de Chavigny,
-pour lever ce qui lui resterait de rancune. Champaigne s’obstina. Peu
-habitué à la résistance, Richelieu s’indigna. Rencontrant un jour le
-peintre, il lui dit sur un ton courroucé: «Vous ne voulez pas être à
-moi, parce que vous êtes à la reine-mère.»</p>
-
-<p>Mais le cardinal avait l’âme trop grande pour ne pas comprendre
-la dignité d’un tel caractère. Il l’en estima davantage et affecta, en
-plusieurs rencontres, de lui en donner publiquement des marques. Un
-jour, voulant le regagner tout à fait, il lui fit dire par Des Bournais,
-son valet de chambre, qu’il pouvait demander ce qu’il lui plairait pour
-l’avancement de sa fortune et des siens. Mais Champaigne répondit:</p>
-
-<p>—Si Monsieur le Cardinal peut me rendre plus habile peintre que
-je ne suis, c’est la seule chose que je demanderai à Son Éminence;
-sinon, je me tiens pour satisfait de l’honneur de ses bonnes grâces.</p>
-
-<p>Cette réponse fut rapportée à Richelieu et ne l’offensa point,
-précisément parce qu’il y vit une hauteur d’âme à laquelle les gens
-de cour ne l’avaient sans doute pas accoutumé.</p>
-
-<p>Néanmoins Philippe de Champaigne ne refusa pas de travailler
-pour le cardinal. S’il ne recherchait pas les commandes, il ne croyait
-pas devoir blesser gratuitement le ministre qu’il n’aimait pas, mais
-qu’il savait lui vouloir du bien.</p>
-
-<p>Plusieurs fois il eut l’occasion de peindre l’Éminence rouge, comme
-on disait alors, tantôt dans des compositions allégoriques, tantôt seule
-avec sa barrette sur la tête. La <i>National Gallery</i>, de Londres, possède
-trois beaux portraits du cardinal, l’un de face, les deux autres de
-profil, exécutés par Philippe de Champaigne pour le sculpteur Mocchi,
-chargé d’exécuter le buste du grand homme d’État.</p>
-
-<p>Mais le plus beau est sans contredit celui que possède le Louvre.
-<span class="pagenum" id="Page_213">213</span>
-Félibien raconte que, pendant les séances de pose, le cardinal s’entretenait
-familièrement avec le peintre, l’interrogeant sur son art,
-s’informant de sa famille et déployant pour lui plaire toutes les
-grâces de sa vaste intelligence et de son grand esprit.</p>
-
-<p>Richelieu est représenté debout, revêtu de son costume cardinalice.
-Par-dessus la soutane rouge, on aperçoit le surplis de dentelle qui
-jette une note claire dans cette pourpre symphonie. Sur les épaules
-est jeté l’ample manteau rouge, dont les plis, drapés avec un art
-admirable, descendent jusqu’à terre. Un large ruban de moire bleue
-supporte la croix du Saint-Esprit. Du col empesé émerge la tête fine et
-volontaire du cardinal; une soyeuse chevelure encadre le front haut
-derrière lequel bouillonne l’un des plus puissants cerveaux des temps
-modernes; l’œil est vif, scrutateur, la lèvre serrée et prompte à
-marquer la colère. La moustache relevée et la barbe taillée en pointe
-donnent une allure martiale à ce prélat qui déposait volontiers la robe
-pour endosser le harnais de guerre. La main droite tient la barrette
-cardinalice, pendant que la main gauche, avec son index tendu, semble
-donner un ordre. L’ensemble du personnage est élégant, la silhouette
-est élancée, car le cardinal de Richelieu est gentilhomme. Le portrait
-se détache en rouge vif sur un fond de draperie sombre qui donne
-tout son relief à la belle effigie du grand ministre de Louis XIII.</p>
-
-<p>Le portrait de <i>Richelieu</i> appartient à l’ancienne collection et
-provient de l’hôtel de Toulouse. Il figure dans la Grande Galerie du
-Louvre, à la travée réservée aux peintres flamands. Philippe de
-Champaigne n’en reste pas moins l’une des plus pures gloires de l’art
-français.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 2.22.—Largeur: 1.55.—<i>Figure en pied grandeur naturelle.</i></div>
-
-<h2 id="Page_214"><span class="cs7">LANCRET</span><br />
-L’AUTOMNE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU XVIII<sup>e</sup> SIÈCLE</div>
-
-<div  id="Page_215" class="artpagew">
-  <img src="images/im-215.jpg" alt="" title="" width="600" height="455" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-215.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-215.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_217">217</div>
-
-<div class="arttitle"><i>L’Automne</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">DANS un paysage de verdure où se mêlent les teintes d’or de
-l’automne, un joyeux pique-nique se déroule sur l’herbe. Le
-cadre de cette fête champêtre est délicieux. Un clair soleil illumine
-le ciel et projette sa clarté sur la campagne, dont on aperçoit les
-vallonnements et les parties boisées escaladant les collines qui
-ferment l’horizon. C’est l’époque des vendanges, la récolte joyeuse
-par excellence; du laborieux essaim des vendangeuses fusent des
-rires et des chansons. On les voit ici, sur la gauche du tableau,
-s’affairant à la cueillette des grappes, mais à leur attitude on devine
-que les langues fonctionnent au moins autant que les faucilles. Le
-groupe du premier plan ne paraît s’intéresser que fort peu au travail
-de la vendange; il semble se préoccuper davantage de faire honneur
-au plantureux dîner étalé sur une serviette, dans l’herbe épaisse. Des
-deux femmes qui prennent part au repas, l’une est presque entièrement
-étendue à terre et, s’appuyant sur le coude, s’incline sur une assiette
-bien garnie; l’autre, assise, a sans doute apaisé sa faim, car elle
-regarde devant elle dans l’attitude du repos. En face d’elles, un
-convive emplit son assiette. A côté de la nappe, se trouve un flacon
-de dimension respectable et le panier d’où ont été extraits les
-comestibles. Derrière ce groupe couché, se tient une jeune femme,
-son panier de vendangeuse à la main; à gauche, un âne et son
-conducteur sont placés, attendant que la cueillette vienne garnir le
-double faix destiné à recevoir le raisin. A droite, un paysan, le verre
-<span class="pagenum" id="Page_218">218</span>
-en main, conte fleurette à une jeune fille assise qui, le panier passé
-dans le bras, semble l’écouter avec intérêt.</p>
-
-<p>Tout l’art gracieux de Lancret s’épanouit dans cette toile charmante.
-La composition en est habile et parfaitement distribuée, peut-être
-même avec un peu trop de symétrie. Avec des dons de premier
-ordre, Lancret a plus de savoir-faire que de spontanéité; il ordonne
-ses toiles avec un soin minutieux qui rappelle la manière des petits
-maîtres hollandais. Élève de Watteau, il ne possédait pas la souplesse,
-l’imprévu, ni surtout l’inspiration du maître, mais il a du brillant et
-de la virtuosité. Parfois ses personnages sont figés, ils ressemblent
-un peu trop à de jolies figurines de Saxe embarrassées dans leurs
-atours de porcelaine ramagée, mais ils sont si pimpants, si frais qu’on
-éprouve à les regarder un plaisir qui ne se lasse pas. En cela, Lancret
-est bien de son siècle. Il semble avoir vu le monde et les choses
-de son temps à travers un voile de gaze rose qui teinterait tout de
-couleurs tendres et aimables. Il naquit et vécut à l’époque la plus
-superficielle mais aussi la plus brillante de l’histoire du monde, époque
-charmante qui faisait dire à Talleyrand que ceux qui ne l’ont pas
-connue ne savent pas ce qu’est la joie de vivre. Jamais l’esprit ne fut
-plus fin, la politesse plus raffinée, l’élégance plus exquise; la vertu ne
-se parait pas d’austérité, le vice lui-même revêtait des dehors aimables.
-A la cour et à la ville le ton et les manières étaient toujours du
-meilleur aloi: on causait, on intriguait, on madrigalisait, toujours avec
-esprit; les femmes les moins instruites écrivaient des billets galants
-en un style adorable dont le secret est à jamais perdu. Et, en faveur
-de tant de jolies qualités, on se sent plein d’indulgence pour la
-frivolité qu’elles masquaient si bien.</p>
-
-<p>De ce siècle délicieux et futile, Lancret fut un des peintres les
-plus caractéristiques. Chez lui, non plus, il ne faut pas chercher la
-profondeur, l’élévation des idées, mais il posséda au plus haut degré
-l’art de plaire, un art qui n’est pas à la portée de tous. Qu’il
-<span class="pagenum" id="Page_219">219</span>
-peigne des marquises ou des paysannes, on sent toujours flotter
-autour des jupes et des corsages un capiteux parfum de poudre à
-la maréchale; qu’il représente les bosquets de Versailles ou les
-arbres d’une campagne villageoise, c’est toujours la même nature
-soignée, jolie, sans poussières ni boues. Regardez son tableau de
-l’<i>Automne</i>: ne vous semble-t-il pas que ces vendangeuses penchées
-sur les ceps ont des bonnets bien empesés et des corsages bien
-brillants pour la dure besogne à laquelle elles se livrent? Quant aux
-jolies gourmandes du premier plan, paysannes elles aussi, on les
-prendrait plutôt, sinon pour de grandes dames, du moins pour des
-soubrettes plus accoutumées à évoluer dans le boudoir de leur
-maîtresse qu’à manier le panier et la faucille du vendangeur.</p>
-
-<p>Mais à quoi bon insister sur ces invraisemblances? Au <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle,
-la campagne n’existait pas, elle se bornait tout entière dans les limites
-des parcs royaux. Cette époque de raffinement exigeait l’élégance
-jusque dans les hardes du paysan.</p>
-
-<p>Il ne faut donc pas juger les tableaux de Lancret avec les mêmes
-yeux qui ont vu les toiles poignantes et rudes de Millet. Les temps
-ne sont plus les mêmes, ni les goûts. Et l’admiration que nous avons
-pour les uns ne doit pas nous rendre injustes pour les autres. On
-ne saurait nier, en effet, que l’œuvre de Lancret ne soit charmante.
-S’il était nécessaire d’en prouver la valeur, il nous suffirait de
-rappeler que bien des peintres, après lui, ont essayé de ressusciter
-le genre sans y parvenir. L’élégance et la grâce ne s’acquièrent pas;
-elles sont un don de nature. Ne les possède pas qui veut.</p>
-
-<p>L’<i>Automne</i> faisait partie d’une série des quatre saisons peinte par
-Lancret pour le château de la Muette. Il fut exposé au Salon de 1738;
-il figure aujourd’hui au Louvre, dans la salle du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.68.—Largeur: 0.88.—<i>Figures: 0.25.</i></div>
-
-<h2 id="Page_220"><span class="cs7">L. DAVID</span><br />
-MADAME SERIZIAT</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU SACRE</div>
-
-<div  id="Page_221" class="artpage">
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-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-221.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_223">223</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Madame Seriziat</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA jeune M<sup>me</sup> Seriziat est à demi assise sur un coin de table dont
-le tapis rouge fait ressortir la blancheur de la robe. Elle porte un
-vêtement de campagne, et la gerbe qu’elle tient dans sa main
-semble indiquer qu’elle rentre d’une promenade dans les champs. Un
-large chapeau de paille doublé de dentelle, encadre sa jolie tête blonde
-et y est maintenu par un ruban de velours vert noué sous le menton.
-La taille est serrée par une ceinture à gros nœud de même couleur.
-La robe n’a pas de prétentions à l’élégance. Largement échancrée sur
-la poitrine, elle laisse apercevoir une chemisette par l’ouverture de
-laquelle apparaît un coin d’épaule nue. La main droite, tombant le
-long du corps, tient un bouquet de fleurs des champs où domine la
-note écarlate du coquelicot; la main gauche, appuyée contre la table,
-serre la menotte d’un tout jeune enfant, son fils, qui tourne de trois-quarts
-sa bonne figure joufflue.</p>
-
-<p>Tout est simplicité dans ce tableau charmant: simplicité dans
-l’attitude et simplicité dans l’exécution. Quant au visage de M<sup>me</sup> Seriziat,
-il est tout bonnement exquis: sans être absolument régulier, il attire
-et séduit par la grâce même des lignes et surtout par le sourire des
-yeux et des lèvres. C’est un poème de jeunesse heureuse et de
-printanière fraîcheur.</p>
-
-<p>C’est dans des œuvres de ce genre qu’il convient de juger David,
-bien plus que dans les grandes compositions inspirées de l’antique.
-Là, il dépouille complètement son personnage un peu froid de chef
-<span class="pagenum" id="Page_224">224</span>
-d’école pour se souvenir seulement qu’il est peintre et un grand peintre.</p>
-
-<p>En présence de la nature vivante, il ne songe plus qu’à la scruter,
-à la comprendre, à l’exprimer; il va chercher l’âme au fond des
-yeux. Cet impeccable dessinateur, si souvent accusé de froideur, anime
-ses portraits d’une chaleur vibrante qui les fait respirer, penser,
-vivre. Que de portraits de David on pourrait citer, comme celui de
-M<sup>me</sup> Chalgrin, du pape Pie VII, dans les yeux desquels se lisent
-comme en un livre ouvert les sentiments intérieurs! Est-il possible
-d’exprimer avec plus d’éloquence et de vérité la tranquille beauté
-et le souriant bonheur de la jolie M<sup>me</sup> Seriziat? Et quel sens de
-l’harmonie! Tout est composé, charpenté pour la satisfaction des yeux
-et l’équilibre de l’ensemble: les couleurs y sont choisies avec un art
-incomparable, l’une faisant valoir l’autre, et assemblées discrètement,
-sans tapage ni outrance. Pour ses portraits de femmes, David semble
-avoir à dessein éclairci les couleurs de sa palette; plus de bitume,
-plus de tonalités moroses, la couleur est claire, transparente; elle
-vibre, elle chante sur les épidermes délicats et les chevelures
-ondoyantes.</p>
-
-<p>«Peindre sans arrière-pensée, voilà le plaisir unique qu’offre à
-David le portrait. Il n’a même plus à s’occuper de composition, de
-perspective et, de fait, il ne se met guère en frais pour camper ses
-personnages; il les asseoit simplement sur une chaise ou dans un
-fauteuil, les installe devant leur bureau. S’il peint un groupe, il ne
-cherche pas davantage; il procède avec le laisser-aller d’un photographe...
-Qu’il peigne des jeunes filles ou des femmes séduisantes
-par leur beauté ou par leur grâce, ou simplement par le charme de
-leur âge, il met à les peindre une ingénuité, une aisance dépourvue
-de toute espèce d’affectation qui séduit immédiatement le cœur.»
-(Léon Rosenthal.) Devant un portrait, David ne se surveille plus.
-N’attribuant à ces travaux, dans son œuvre, qu’une importance très
-minime, il oublie toute contrainte d’école et s’abandonne.</p>
-
-<p><span class="pagenum" id="Page_225">225</span>
-M<sup>me</sup> Seriziat, «la bonne Émilie» comme on l’appelait dans la
-famille de David, était la belle-sœur du peintre. Celui-ci avait exécuté
-ce portrait pendant son incarcération à la prison du Luxembourg,
-après le 9 thermidor. Quand il figura au salon de l’An IV, son auteur
-était encore gardé à vue dans sa maison.</p>
-
-<p>On sait, en effet, que David, conventionnel exalté, s’était lié
-d’amitié avec Robespierre et qu’il avait voté les motions les plus
-révolutionnaires de la farouche Assemblée.</p>
-
-<p>On l’accuse même d’avoir gouaillé au passage de la charrette qui
-conduisait la reine à l’échafaud. Quoi qu’il en soit, le caractère de
-David ne fut jamais égal à son génie. Quand, Robespierre abattu,
-il fut lui-même décrété d’accusation, il monta à la tribune pour se
-défendre. «Il était pâle, écrit un témoin oculaire, et la sueur qui tombait
-de son front roulait de ses vêtements jusqu’à terre, où elle imprimait
-de larges taches.» Il renia lâchement Robespierre, l’accusant de
-l’avoir «trompé par ses sentiments hypocrites». Ce n’est pas à
-cette bassesse mais à son génie seul qu’il dut de ne pas porter à
-son tour sa tête sous le couperet de Samson.</p>
-
-<p>Acquis par l’État en 1902, le portrait de M<sup>me</sup> Seriziat figure dans
-la Salle des Sept Cheminées, appelée aussi Salle du Sacre, avec la
-plupart des autres œuvres de David.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.32.—Largeur: 0.97.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_226"><span class="cs7">REMBRANDT</span><br />
-VIEILLARD LISANT</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_227" class="artpage">
-  <img src="images/im-227.jpg" alt="" title="" width="400" height="508" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-227.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-227.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_229">229</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Vieillard lisant</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">DEVANT une hutte au toit de chaume, un vieillard est assis
-tenant un gros livre et lisant. Quel personnage a voulu représenter
-Rembrandt? Est-ce un de ces ermites qui fuyaient
-le monde, aux premiers temps de la chrétienté, et se réfugiaient dans
-le désert pour s’y consacrer à la pénitence, à la prière et à l’étude?
-N’est-il pas plutôt une pure fantaisie de l’artiste qui, trouvant à peindre
-une tête caractéristique de vieillard, lui a donné la figure et les
-attributs d’un Saint-Jérôme? Quoi qu’il en soit des intentions du
-peintre, il a déployé dans ce tableau sa coutumière supériorité. Sous
-son pinceau, la moindre ébauche s’éclaire de traits fulgurants. Dans ce
-<i>Vieillard lisant</i>, de proportions si médiocres, il y a autant de génie
-d’exécution que dans sa grande toile de <i>la Ronde de Nuit</i>. Examinons
-cette tête d’homme: le large front dégarni, dont quelques mèches
-argentées précisent le contour et que des rides sillonnent, semble
-lourd de pensées; sous les sourcils broussailleux les yeux baissés
-dénotent l’attention que l’homme apporte à sa lecture. Bien que fripée
-par l’âge, la tête est belle, de cette beauté vigoureuse et intelligente
-dont Rembrandt ennoblit toutes ses créations. Une superbe barbe
-blanche, qui laisse entier le modelé d’une bouche parfaite, achève
-de donner du caractère à cette figure de savant. L’in-folio que le
-liseur tient devant lui est maintenu d’aplomb par deux mains osseuses
-qui sont deux merveilles d’exécution. Le vêtement, de couleur sombre,
-est comme noyé dans une sorte de pénombre qui laisse toute leur
-<span class="pagenum" id="Page_230">230</span>
-valeur à la tête et aux mains, les jambes enveloppées de haillons
-troués restant dans la pénombre.</p>
-
-<p>Dans ce tableau se manifeste dans tout son éclat cette science du
-clair-obscur que Rembrandt a portée aux dernières limites de la
-perfection. L’ombre et les clartés se distribuent et s’opposent avec une
-habileté que les plus grands peintres, après lui, ont vainement essayé
-d’atteindre. On a dit de Rembrandt qu’il est un magicien de la lumière:
-nulle part, mieux qu’en ce petit tableau, on n’en trouve une plus
-éclatante preuve. Nous sommes en présence d’un homme qui lit: les
-deux choses vraiment importantes sont la tête et le livre et c’est
-à cela seul que l’artiste s’attache. Qu’importe le vêtement, qu’importent
-les accessoires si la tête pense et si le livre est en pleine
-lumière! Or, la tête vit d’une vie intense, éclairée par des reflets
-qui se projettent en vigueur sur le visage, accusant les rides et
-faisant éclater toute la pensée des yeux et du front.</p>
-
-<p>Quand on songe aux essais de rénovation entrepris de nos jours et
-si l’on contemple les œuvres de Rembrandt, on s’aperçoit que nos
-contemporains n’ont rien inventé; ils ont seulement tenté de restaurer
-des traditions trop négligées et de ramener l’art à la noblesse de la
-grande peinture. Quoi qu’on essaye aujourd’hui, c’est toujours à l’un ou
-l’autre des glorieux ancêtres qu’on doit remonter, mais l’art de Rembrandt
-plane à des hauteurs tellement sublimes que les plus vigoureux
-des peintres modernes ont dû renoncer à gravir ce lumineux
-Thabor.</p>
-
-<p>Rembrandt est peut-être le génie le plus complet et le plus divers
-que l’histoire de l’art ait jamais connu. Dans sa peinture se trouvent
-réalisés, devançant l’œuvre des siècles, tous les efforts, toutes les
-conquêtes péniblement et fragmentairement acquises par la suite. Les
-classiques amoureux de la forme ne peuvent le renier, car il fut un
-des plus prodigieux dessinateurs connus; les coloristes lui ont
-emprunté les plus brillants effets de leur palette. Quant aux impressionnistes,
-<span class="pagenum" id="Page_231">231</span>
-ils peuvent le réclamer comme leur maître, comme leur
-précurseur. Bien avant eux, il avait découvert la division des tons,
-leur juxtaposition et l’effet lumineux que l’on peut en tirer. Je ne veux
-pas dire qu’il avait inventé cette division puisque les mosaïstes de
-Byzance la pratiquaient déjà, mais ce n’est pas du tout le même
-travail; l’idée n’était pas nouvelle, mais l’application à la peinture
-n’avait jamais été faite. Il emploie d’ailleurs cette division avec une
-sagacité consommée; tantôt par épaisseur ou demi-pâtes, tantôt par
-glacis et tous ces travaux sont enchevêtrés à tel point que l’œil le plus
-exercé peut à peine suivre les variations du travail. Ses figures sont
-des êtres vivants qui nous regardent à travers trois siècles, dont les
-bouches parlent et dont l’épiderme remue; la transposition est telle
-que, si l’on s’approche, on ne voit, les unes à côté des autres ou
-superposées, que des couleurs crues et heurtées. Et cependant, avec ces
-superpositions, le génie de Rembrandt a su faire un ensemble, créer
-une harmonie et charpenter de ces toiles où les tonalités les plus
-violentes se fondent, se pénètrent dans la plus délicate et la plus
-intime cohésion.</p>
-
-<p>Rembrandt, comme Shakespeare, a tout vu de l’humanité, il en a
-tout étudié. Toutes les émotions, toutes les passions sont inscrites
-dans son œuvre. Mais c’est surtout la lumière qui est son triomphe, il
-en sait toutes les ressources, il la distribue en ondées blondes, il en
-caresse les visages, il en ouate l’atmosphère, elle s’épand partout, elle
-dore même l’ombre de ce ton qui est la marque inimitable du Maître.</p>
-
-<p>Le <i>Vieillard lisant</i> a été légué au Louvre par M. Kaempfen,
-ancien directeur des Musées nationaux; il figure aujourd’hui dans la
-grande galerie, à la travée d’art hollandais.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.39.—Largeur: 0.53.—<i>Figure grandeur demi-nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_232"><span class="cs7">COROT</span><br />
-PAYSAGE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DES ÉTATS</div>
-
-<div  id="Page_233" class="artpagew">
-  <img src="images/im-233.jpg" alt="" title="" width="600" height="446" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-233.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-233.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_235">235</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Paysage</i> <span class="cs8">(<i>Souvenir de Mortefontaine</i>)</span></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">UN jour, racontait Corot, je me suis permis de faire quelque
-chose «de chic», laissant ma brosse aller à sa volonté;
-lorsque ce fut terminé, je fus pris de remords et ne pus
-fermer les yeux de toute la nuit. Aussitôt qu’il fit jour, je courus à ma
-toile et, avec rage, je grattai avec mes ongles tout mon travail de la
-veille. A mesure que mes fioritures disparaissaient, je sentais ma
-conscience devenir plus calme, et une fois que le sacrifice fut accompli,
-je respirai plus librement, car je me sentais réhabilité à mes propres
-yeux.»</p>
-
-<p>Tout Corot est dans cette anecdote qui nous le montre tel qu’il
-était, ayant voué à l’art un culte exclusif, peignant les arbres avec la
-même émotion religieuse que les primitifs italiens mettaient à peindre,
-dans la calme retraite du cloître, leurs idéales Madones; chacune de
-ses peintures est un hymne vibrant à la nature. C’est cette qualité qui
-fait son œuvre supérieure.</p>
-
-<p>Un Corot n’éblouit pas pour attirer l’attention; mais quand une fois
-on l’a vu, on ne peut plus s’en détacher et l’entour devient vulgaire.
-On pénètre avec lui dans un sanctuaire, d’où la foule bruyante est
-exclue, on écoute le silence, on jouit d’une quiétude adorable.</p>
-
-<p>Corot savait saisir les moindres beautés de ce qui s’offrait à sa vue.
-Là où ses camarades ne trouvaient rien à peindre, il discernait des
-paysages insoupçonnés et brossait des toiles magnifiques. Il possédait
-une incomparable faculté de vision. «La nature, aimait-il à dire, est
-<span class="pagenum" id="Page_236">236</span>
-une éternelle beauté». Nul peintre, dans aucun temps, ne porta aussi
-haut l’art d’exprimer cette beauté souveraine des choses.</p>
-
-<p>«La peinture de Corot est douce, sans chocs ni contrastes éclatants,
-le mariage des tons y est poussé si loin que le ton pur s’y
-affaiblit en nuances infinies dans une harmonie parfaite, mais presque
-monochrome et légèrement voilée. Ces tableaux ne sautent pas vivement
-aux yeux; une espèce de fumée grise, vapeurs ou poussière,
-rampe sur les terrains, enveloppe les arbres, passe lentement au-dessus
-des eaux, émousse les rayons lumineux. Déchirons ce léger voile:
-d’immenses profondeurs où tout se baigne dans les ombres transparentes
-et les tièdes clartés s’ouvrent à nos yeux ravis, ce qui fait dire
-à l’artiste: «Pour bien entrer dans ma peinture, il faut avoir au moins
-la patience de laisser fuir le brouillard, on n’y pénètre que lentement,
-et quand on y est on doit s’y plaire.» (Théophile Sylvestre.)</p>
-
-<p>Cette description fidèle du paysage de Corot s’applique à la lettre
-à la belle toile que nous donnons ici et qui porte le titre: <i>Souvenir
-de Mortefontaine</i>.</p>
-
-<p>Sur le bord d’un lac aux eaux transparentes, reflétant comme
-un miroir les frondaisons et les collines, l’artiste a placé la masse
-imposante d’un grand arbre dont les branches vigoureuses et touffues
-emplissent le paysage. Dans la sérénité de cette nature exquise, se
-profilent, minuscules atomes dans cette immensité, des enfants qui
-cherchent des fleurs dans l’herbe ou détachent les feuilles basses
-d’un tronc d’arbre. Mais ces personnages ne jouent qu’un rôle épisodique;
-le vrai protagoniste de la toile, c’est le colosse vigoureux dont
-la majestueuse ampleur domine tout et c’est sur lui qu’il faut admirer
-l’art prestigieux du peintre. A travers le feuillage épais, la lumière
-filtre et se répand en ondes claires, diaphanes, d’une adorable teinte
-gris de perle.</p>
-
-<p>Corot est «l’homme des gris», le peintre du crépuscule. Cela ne
-veut pas dire que son art soit étroitement limité. Les deux aurores,
-<span class="pagenum" id="Page_237">237</span>
-comme les Égyptiens les appelaient, Isis et Nephtys, l’aurore du jour
-et l’aurore de la nuit, se révélèrent à Corot sans réserve; il savait
-traduire en impressions subtiles et cependant très lisibles, la tranquillité,
-la fraîcheur, le tremblotement indescriptible de la vie qui
-s’éveille, l’éloignement indécis des choses familières, tout le mystère
-et la magie de cet instant délicieux. Il invoquait la déesse pour ses
-tableaux, et ce ne fut jamais en vain. «Lorsque le soleil se couche,
-disait-il, le soleil de l’art se lève.»</p>
-
-<p>Le gris d’aurore, le mot avait une signification froide et sombre
-avant la venue de Corot, lui qui sut rendre le frisson charmant de
-la fraîcheur du matin. Aussi beaux que l’aurore dont ils sont nés,
-apparaissent ses fins gris-perle, et sa palette semble en contenir une
-infinité, d’une égale délicatesse et s’harmonisant magnifiquement. Ces
-peintures d’aurore sont exquises, et elles sont vraies; elles portent en
-elles la certitude de l’absolue réalité, parce que, chez l’artiste, l’intensité
-du sentiment ne nuisait jamais à l’acuité de la vision. «Je prie tous
-les jours le bon Dieu, disait-il, qu’il me rende enfant, c’est-à-dire
-qu’il me fasse voir la nature et la rendre comme un enfant, sans
-parti-pris.» Sa prière a été exaucée, ses paysages, il les a vus et
-exprimés comme il voulait; ils gardent une impérissable jeunesse.</p>
-
-<p>Le musée du Louvre possède de nombreux chefs-d’œuvre de
-Corot. Le <i>Souvenir de Mortefontaine</i> est un des plus beaux. Il figure
-dans la Salle des États, réservée à la peinture moderne.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.64.—Largeur: 0.88.—<i>Figures: 0.12.</i></div>
-
-<h2 id="Page_238"><span class="cs7">LÉONARD DE VINCI</span><br />
-LA BELLE FERRONNIÈRE</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_239" class="artpage">
-  <img src="images/im-239.jpg" alt="" title="" width="400" height="558" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-239.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-239.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_241">241</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Belle Ferronnière</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">CE portrait, connu sous le nom de <i>la Belle Ferronnière</i>, ne
-représente pas, comme on le croit communément, la maîtresse
-de François I<sup>er</sup>, mais bien Lucrezia Crivelli, aimée de Louis
-Sforce duc de Mantoue.</p>
-
-<p>Cette jeune femme posée de trois quarts tourne la tête presque
-de face. On n’aperçoit que le haut de son buste émergeant derrière
-une balustrade de fenêtre. Les cheveux, très exactement divisés en
-bandeaux sur le haut de la tête, s’appliquent sur les tempes, bordant
-les yeux et se relevant vers les oreilles qu’ils dissimulent entièrement:
-sur cette chevelure bien lissée est posée, comme un mince
-diadème, une chaînette d’or fermée, au milieu du front, par un
-de ces cabochons ouvrés qu’on appelait alors et qu’on appelle encore
-une <i>ferronnière</i>. D’où le nom sous lequel est connu ce tableau. Le
-visage est d’un ovale légèrement arrondi; les traits, réguliers, sont
-d’une beauté que ne parvient pas à diminuer le disgracieux agencement
-de la coiffure. L’ensemble de cette femme a quelque chose de
-robuste et d’énergique. Le cou est cerclé d’un collier à trois rangs de
-perles: bien que d’une ligne très pure, il a plus de vigueur que de
-finesse; ce n’est pas le col effilé des patriciennes florentines de Botticelli.
-Les épaules tombantes et la poitrine développée s’enferment dans un
-corsage de velours rouge ouvert en carré, et orné aux épaules de
-crevés maintenus par des rubans.</p>
-
-<p>Dans cette figure, comme dans toutes celles de Vinci, il y a
-<span class="pagenum" id="Page_242">242</span>
-quelque chose d’énigmatique et de troublant. Examinez ces yeux
-scrutateurs et profonds, qui rappellent ceux de <i>la Joconde</i>: quelles
-mystérieuses pensées se cachent derrière ce regard, quels secrets
-enferment ces lèvres minces, étroitement closes? Cette femme est une
-femme de la Renaissance: elle vit à une époque étrange, à la fois
-policée et barbare, où les intrigues se dénouent fréquemment par le
-poison, où les amours se terminent par le poignard. Elle est la
-maîtresse de Ludovic Sforza, prince magnifique mais violent, dont la
-tendresse est aussi dangereuse que la colère et qui gouverne ses États
-par la terreur. Et c’est bien de la peur qui se lit dans les yeux grands
-ouverts de Lucrezia Crivelli, comme à l’attente de la disgrâce de son
-terrible maître. Sur ce point, l’énigme demeure entière; ce que nous
-savons de cette femme ne peut nous aider à la déchiffrer, mais le
-génie du peintre a traduit magnifiquement l’angoisse de ce regard se
-révélant sous le calme apparent de l’attitude.</p>
-
-<p>Est-il bien nécessaire d’insister sur la beauté de cette œuvre? En
-parlant de Vinci, quels mots trouver pour exprimer l’admiration qu’il
-suscite? Aucun peintre n’a poussé si loin l’art d’animer une figure et
-de la charger de pensées; il a le don miraculeux d’amener l’âme dans
-les yeux et il semble que l’on va entendre parler le personnage.</p>
-
-<p>Léonard de Vinci est l’un des plus étonnants artistes dont l’histoire
-nous ait transmis le nom, en même temps qu’un des plus vastes
-esprits du monde. Comme peintre il occupe la même place que les
-rois au-dessus de leurs sujets; il domine l’art de tous les siècles,
-comme un Jupiter dans l’Empyrée. Michel-Ange et Raphaël, ces deux
-étonnants génies, ne sont que des princes dans cette cour dont il est
-le souverain. Comme intelligence, il est universel.</p>
-
-<p>Raffaëlli, dans ses <i>Promenades d’un artiste au musée du Louvre</i>,
-écrit sur Léonard de Vinci cette page: «Grand, beau cavalier,
-élégant, de jolie figure, pratiquant tous les sports, tous les exercices
-du corps, musicien consommé, improvisateur, chanteur doué d’une
-<span class="pagenum" id="Page_243">243</span>
-belle voix et capable de s’accompagner sur la lyre, et construisant, au
-besoin, un luth d’argent de toutes pièces: grand ordonnateur de fêtes,
-peintre, sculpteur, ingénieur, écrivain, esthète, savant en toutes choses,
-mécanicien, inventeur d’une machine volante, de la scie circulaire, de
-pièces automatiques, etc.»</p>
-
-<p>L’auteur de <i>la Joconde</i> devança beaucoup d’hommes de science
-dans leurs recherches, et trouva la théorie de Copernic sur le mouvement
-de la terre, la classification de Lamarck en vertébrés et invertébrés,
-les lois du frottement, de la respiration, de la gravitation, les ondes
-de la lumière et de la chaleur, l’emploi de la vapeur comme force
-motrice dans la navigation, les aéroplanes, la chambre obscure,
-l’attraction magnétique, le canon se chargeant par la culasse, etc.</p>
-
-<p>C’est à la cour de Ludovic Sforza qu’il peignit vers 1496, le
-portrait de Lucrezia Crivelli, suivante de la duchesse Béatrice d’Este,
-dont le duc était devenu amoureux. Lucrezia succédait, dans les
-faveurs du prince, à Cecilia Gallerani, une femme célèbre par sa
-beauté et que le duc dut éloigner sur la plainte de son épouse outragée,
-la duchesse Béatrice. L’histoire ne dit pas si celle-ci fut plus enchantée
-de voir monter au rang de favorite sa propre demoiselle d’honneur.
-En tout cas la liaison ne fut pas de longue durée. Ludovic dut se
-mettre à la tête de ses troupes pour combattre les Français, qu’il
-avait appelés en Italie, puis trahis. Vaincu à Novare, il fut fait prisonnier
-et enfermé au château de Loches, où il mourut (1510).</p>
-
-<p>Ce magnifique tableau, acheté par Louis XIV, figure dans la
-Grande Galerie, à la travée des peintres italiens.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.62.—Largeur: 0.44.—<i>Figure en buste grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_244"><span class="cs7">EUGÈNE FROMENTIN</span><br />
-CHASSE AU FAUCON EN ALGÉRIE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE THOMY THIÉRY</div>
-
-<div  id="Page_245" class="artpage">
-  <img src="images/im-245.jpg" alt="" title="" width="400" height="548" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-245.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-245.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_247">247</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Chasse au faucon en Algérie</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">LA course <ins id="cor_5" title="frénétiqne">frénétique</ins> des chasseurs nous a conduits dans ce
-coin pittoresque de la plaine algérienne où la verdure d’une
-herbe courte s’oppose à la grisaille des rochers brûlés de
-soleil. La solitude s’emplit de mouvement et de clameurs, une foule
-bariolée s’agite; les vêtements des cavaliers, les harnais des chevaux,
-les armes damasquinées scintillent et mêlent leurs notes claires et
-violentes. C’est la fin de la chasse. Guidés par le vol des faucons,
-les Arabes, au triple galop de leurs montures, ont forcé le lièvre
-qui gît sur le sol. Les rapaces, difficilement maintenus par des
-valets, se jettent à la curée. Adossés contre le rocher et dressés sur
-leur selle marquetée d’argent, le vieux chef arabe et sa suite, faucon
-au poing, assistent à la scène. Au deuxième plan, des chevaux
-tenus en bride et encore écumants de la course fournie, piaffent et
-s’impatientent. Hommes et bêtes forment un ensemble chatoyant,
-vibrant, qui papillote sous l’azur du ciel d’Afrique. Tout cela est
-dans une gamme claire, chantante, d’un coloris brillant qui donne
-bien l’impression d’un Orient lumineux et pittoresque.</p>
-
-<p>Eugène Fromentin restera, dans l’histoire de l’art, le peintre de
-l’Algérie, du moins un des premiers qui la découvrirent pour la
-faire aimer. Non l’Algérie du Sud, égarée dans la fournaise du soleil
-et dans les sables, mais l’Algérie accessible à tous, celle des Arabes,
-des cités paisibles parmi des ruines, des palmeraies fraîches oubliées,
-comme des corbeilles de fête, au bord du désert, l’Algérie des
-<span class="pagenum" id="Page_248">248</span>
-fantasias cérémonieuses et brillantes, des mosquées, des champs de
-bataille encore fumants, des tribus vagabondes. On peut regretter
-qu’il se soit borné à voir l’Arabe hors de sa tente, dans la lumière
-des sables et du ciel et qu’il n’ait pas osé, au lieu de ne l’étudier
-que dans les manifestations extérieures de sa vie, se pencher jusqu’à
-son foyer, dans la familiarité de ses mœurs.</p>
-
-<p>Jules Claretie constate très justement que Marilhat avait rapporté
-d’Orient des paysages empreints d’une mélancolie profonde, Decamps
-des scènes étincelantes, Delacroix de grandioses spectacles, et qu’à
-son tour Fromentin a trouvé sur cette terre lumineuse une note
-personnelle que ses prédécesseurs y eussent vainement cherchée,
-puisqu’il la portait en lui. La gamme de Fromentin est douce, ses
-tons favoris sont les demi-teintes.</p>
-
-<p>Devant cette terre splendide, toute décorée de noblesse par des
-siècles d’histoire, Fromentin demeure cependant un Parisien de
-pure race. Ses Arabes ont de l’esprit jusque dans les plis de leurs
-burnous. Il n’aimait pas voir le laid: il le transformait à travers
-les mailles d’or de son imagination. Dans ses tableaux qui n’ont pas
-la vibration hardie du désert, la sensation de son étendue monotone,
-le désert pourtant ne perd rien de sa grandeur; car l’intelligence du
-poète, plus infinie que l’espace des dunes, dépassait par son effort
-l’horizon qui n’est vide, comme celui de la mer, que pour le passant
-incapable de s’émouvoir et de comprendre. Ses yeux retiennent la
-configuration des choses aussi profondément que son âme pénètre
-les âmes. Son observation toujours attentive ne néglige rien de la
-vie: aussi l’exactitude de ses travaux, pareille à celle des documents
-d’une histoire, est affirmée par tous les voyageurs.</p>
-
-<p>Dès qu’il a mis les pieds sur la terre d’Afrique, il est séduit,
-conquis pour toujours et il exhale son enthousiasme en pages
-éloquentes. Car Fromentin est aussi bon écrivain qu’habile artiste.
-Il est l’auteur presque célèbre de <i>Dominique</i>, un roman loué par
-<span class="pagenum" id="Page_249">249</span>
-tous les contemporains et dont la lecture est toujours agréable; il
-collabore à la <i>Revue de Paris</i> et à la <i>Revue des Deux-Mondes</i>.
-S’il n’avait recherché la gloire dans la peinture, il l’aurait certainement
-trouvée dans les belles-lettres. «Tout ici m’intéresse, écrit-il.
-Plus j’étudie cette nature, plus je crois que, malgré Marilhat et
-Decamps, l’Orient reste encore à faire. Pour ne parler que des
-hommes, ceux qu’on vous fait sont des bourgeois. Le vrai peuple
-arabe, en haillons et plein de vermine, avec ses ânes misérables et
-teigneux, ses chameaux en guenilles passant, noirs et rougis par le
-soleil, devant ces horizons splendides, cette grandeur dans les
-attitudes, cette beauté antique dans les plis de tous ces haillons, voilà
-ce que nous ne connaissons pas. Somme toute, au point de vue du
-travail, je n’ai point à me plaindre et, du train dont je vais, je
-promets de vous rapporter un album assez intéressant.»</p>
-
-<p>Il rapporte mieux qu’un simple album: il rapporte deux volumes
-d’impressions et les motifs de nombreuses toiles: c’est toute l’Algérie,
-lumineuse et chatoyante qu’il ramène dans ses bagages et qu’il
-détaillera sans relâche de son pinceau brillant. Il a mieux vu l’Algérie
-que Marilhat, Decamps et Delacroix; il l’a vue en poète et en
-psychologue. Et comme exécutant, il les égale par le charme de ses
-arrangements sombres et clairs, par la précision d’un style désireux
-de dire, au delà des formes, l’âme des êtres et des choses.</p>
-
-<p><i>La Chasse au faucon</i> fut exposée au Salon de 1863 et acquise
-par Thomy-Thiery qui la légua au Louvre ainsi que toute sa
-collection. Elle figure au deuxième étage, dans la salle qui porte
-le nom du donateur.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.62.—Largeur: 1.16.—<i>Figures demi-nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_250"><span class="cs7">CORRÈGE</span><br />
-LE SOMMEIL D’ANTIOPE</h2>
-
-<div class="artroom">SALON CARRÉ</div>
-
-<div  id="Page_251" class="artpage">
-  <img src="images/im-251.jpg" alt="" title="" width="400" height="594" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-251.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-251.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_253">253</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Le Sommeil d’Antiope</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">ANTIOPE, nonchalamment couchée sur une draperie bleue,
-un bras arrondi au-dessus de la tête, dort sans se douter
-que le secret de ses charmes est trahi et que Jupiter, sous la
-forme d’un satyre, mais conservant encore, malgré ce déguisement,
-sa majestueuse beauté d’Olympien, a soulevé le voile qui les cachait
-d’une main libertine et curieuse. Penché vers la nymphe, le dieu
-contemple ce beau corps assoupli par l’abandon du sommeil. Dans
-sa blancheur tiède et blonde, baignée de demi-teintes qui en noyent
-les contours et lui donnent les rondeurs de la vie, sous ce torse d’une
-grâce si molle et si tendre, on suit pourtant les détails d’anatomie
-perdus dans la masse par une science qui se dissimule sous le
-charme; car il ne faut pas oublier que Corrège est, avec Michel-Ange,
-un des plus savants dessinateurs du monde. Aux pieds de l’Antiope,
-l’Amour, ayant près de lui son carquois, fait semblant de dormir,
-couché sur le gazon, dans une pose d’insouciance enfantine; mais
-croyez bien qu’il ne dort que d’un œil, voit tout le manège et le
-favorise. Un riche paysage, étouffé et sourd, avec des tons de velours
-fauve, sert de fond à cette voluptueuse scène mythologique et fait
-admirablement ressortir la blancheur dorée de l’Antiope, foyer de
-lumière du tableau. Bien qu’elle ait la beauté d’une Nymphe, Antiope
-reste une femme. Ce n’est pas un morceau de marbre, elle vit, elle
-palpite et le gonflement de la respiration soulève sa souple poitrine.</p>
-
-<p>On demeure stupéfait d’admiration devant la grâce voluptueuse
-<span class="pagenum" id="Page_254">254</span>
-de Corrège qui créa tout un monde charmant de formes ondoyantes,
-de divins sourires, de lumières argentées, d’ombres transparentes et
-de reflets magiques. Corrège, s’il n’inventa pas absolument le clair-obscur,
-en tira du moins des harmonies nouvelles et des effets
-inconnus. Son entente du raccourci et de la perspective des corps
-lui permet, par l’inattendu des aspects, les courbes imprimées aux
-lignes, les têtes qui plafonnent ou se penchent en avant, les poses
-hardiment projetées, de changer l’aspect habituel des figures et des
-groupes, car ce gracieux, ce délicat, ce tendre est aussi un homme
-d’une science profonde; il possède la force comme il possède la
-grâce et les Apôtres géants du dôme de Parme sont là pour le
-prouver. Personne, pas même Michel-Ange, n’a dessiné d’un style
-plus grand et plus fier. De plus, son dessin est enveloppé d’une
-couleur admirable. Corrège est peut-être le plus original des peintres.
-Il se forma tout seul et tira tout de lui-même. Quelques recherches
-qu’on ait faites, on n’a pu retrouver avec certitude le nom d’aucun
-de ses maîtres et il ne paraît pas qu’il soit jamais sorti de son pays
-natal. Ses prétendus voyages à Rome, à Florence, ne sont rien moins
-que prouvés. Il ne doit rien qu’à son génie et à la nature qui l’avait
-si heureusement doué. Cette perfection, il l’acquit tout de suite et
-comme sans effort. A vingt ans à peine, il était déjà en possession
-complète de son talent. A peine si, dans ses deux ou trois premiers
-tableaux, on aperçoit quelque sécheresse et quelque symétrie qui les
-rattachent à l’école antérieure. Comme Raphaël, dans une vie assez
-courte, il parcourut le cycle tout entier de l’art, avec cette différence
-qu’il travaillait seul et n’avait pas, pour prêter des mains à sa pensée,
-une armée d’élèves enthousiastes et respectueux, pour la plupart
-grands peintres eux-mêmes. Sans avoir été pauvre, comme le
-racontent des biographes plus amis du pathétique que du vrai, il
-n’eut pas cette vie éclatante, bienheureuse, protégée des dieux et
-des hommes, qui fut la récompense du peintre d’Urbino. Quoiqu’il
-<span class="pagenum" id="Page_255">255</span>
-n’épargnât rien pour en éterniser la durée, qu’il employât les
-couleurs les plus chères, les toiles les plus soigneusement préparées,
-ses chefs-d’œuvre furent payés, de son vivant, des prix médiocres.
-Mais la postérité, séduite par le charme enivrant de ses Vierges et
-de ses Nymphes, lui a donné un trône d’ivoire parmi les dieux de
-l’art, dans l’Olympe de la peinture. (Théophile Gautier.)</p>
-
-<p>Corrège n’est pas, comme Rubens, un praticien par excellence
-pour lequel la peinture consiste surtout dans le maniement du
-pinceau; c’est un vrai poète qui peint pour exprimer des idées et
-des sentiments. Dans tous les arts, les hommes les plus puissants
-n’ont pas de procédés. Les instruments sont les mêmes pour tout le
-monde; pour apprendre à les manier avec génie, il faut en avoir.
-Inépuisable dans ses inventions ingénieuses, toujours nouveau dans
-ses souriantes mythologies, Corrège a ajouté aux symboles antiques
-la séduction d’une jeunesse immortelle. Véritable poète de la
-Renaissance italienne par le charme souverain de sa fantaisie, il
-reste, par la douce émotion de son cœur, un homme de tous les
-pays et de tous les temps. D’autres, peut-être, ont été plus majestueux
-et plus austères; nul n’a mieux exprimé la beauté dans son sourire,
-la vie dans sa grâce.</p>
-
-<p><i>Le Sommeil d’Antiope</i> a longtemps fait partie de la galerie des
-ducs de Mantoue. Acheté d’abord par Charles I<sup>er</sup>, il passa ensuite
-dans le cabinet du banquier Jabach, puis dans celui de Mazarin.
-Les héritiers du cardinal le vendirent à Louis XIV. Il est aujourd’hui
-l’un des plus beaux joyaux du Salon Carré.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.90.—Largeur: 1.14.—<i>Figures grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="Page_256"><span class="cs7">WATTEAU</span><br />
-L’EMBARQUEMENT POUR CYTHÈRE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE DU XVIII<sup>e</sup> SIÈCLE</div>
-
-<div  id="Page_257" class="artpagew">
-  <img src="images/im-257.jpg" alt="" title="" width="600" height="416" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-257.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-257.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_259">259</div>
-
-<div class="arttitle"><i>L’Embarquement pour Cythère</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">QUOIQU’IL n’ait peint que des fêtes galantes et des sujets tirés
-de la comédie italienne, Antoine Watteau est un grand
-maître. Il a créé un aspect nouveau de l’art et vu la nature
-à travers un prisme particulier. Son dessin, sa couleur, ses types, ses
-agencements lui appartiennent. Il est original. Il a la grâce, l’élégance,
-la désinvolture et son art est sérieux si son genre peut sembler frivole.
-Son œuvre est une fête perpétuelle. Ce sont des concerts, des bals,
-des entretiens galants, des rendez-vous de chasse, des décamérons
-dans les grands parcs à terrasses, à statues et à fontaines mythologiques,
-des Mezzetins donnant des sérénades à des Isabelles, des
-Colombines jouant de l’éventail et de la prunelle avec des Léandres,
-des cavaliers relevant de belles dames assises sur l’herbe: tout ce
-qu’une imagination heureuse peut inventer de plus riant et de plus
-aimable. En voyant ces toiles si gaies, si spirituelles, si claires de ton,
-où les lointains bleuissent comme les paradis de Breughel de Velours,
-on serait tenté de croire, chez l’artiste, à une bonne humeur inaltérable
-et à un joyeux éblouissement de la vie. Ce serait se tromper. Watteau
-était valétudinaire, mélancolique, voyait tout en noir et n’avait de rose
-que sur sa palette.</p>
-
-<p>La plupart des tableaux de Watteau sont à Berlin. Le Louvre
-n’en possède qu’un petit nombre, mais il a l’heureuse fortune de
-pouvoir montrer son chef-d’œuvre <i>l’Embarquement pour Cythère</i>.</p>
-
-<p>Au bord d’une mer dont l’azur vague se confond avec celui du
-<span class="pagenum" id="Page_260">260</span>
-ciel et des lointains, près d’un bouquet d’arbres aux branches légères
-comme des plumes, se dresse une statue de Vénus ou plutôt un buste
-de la déesse terminé en gaine à la façon des Termes et des Hermès.
-Des guirlandes de fleurs s’y suspendent: un arc et un carquois y sont
-attachés. Non loin de la déesse, sur un banc, une jeune femme jouant
-de l’éventail, semble hésiter à partir pour l’île de Cythère. Un pèlerin
-agenouillé près d’elle lui chuchote à l’oreille de galantes raisons pour
-la convaincre et un petit Amour, le camail sur les épaules, la tire
-par le pan de sa robe. Il doit être du voyage sans doute. A côté de
-ce groupe, un cavalier prend par les mains, pour l’aider à se lever,
-une jeune beauté assise sur le gazon. Un autre emmène sa belle, qui
-ne résiste plus, et dont il entoure du bras le fin corsage. Au second
-plan, trois groupes d’amoureux, le camail au dos, le bourdon à la
-main, se dirigent vers la barque où sont déjà arrivés deux groupes de
-pèlerins de la tournure la plus svelte et la plus coquette. Avec quelle
-élégance la femme qui va entrer dans l’esquif relève par derrière, d’un
-petit tour de main, la traîne de sa robe! Il n’y a que Watteau pour
-saisir au vol ces mouvements féminins. La barque est sculptée, dorée
-et porte à sa proue une chimère ailée, cambrant son torse et renversant
-sa tête dans une coquille à cannelures. Des rameurs demi-nus
-la manœuvrent, et de petits Amours en déploient la tente. Au-dessus
-de l’esquif, dans des tourbillons de légères vapeurs, pareilles à des
-gazes d’argent, volent, se roulent et jouent des Cupidons enfants, dont
-l’un agite une torche.</p>
-
-<p>Voilà bien à peu près les principaux linéaments de la composition
-et la place des personnages. Mais quels mots pourraient exprimer
-ce coloris tendre, vaporeux, idéal, si bien choisi pour un rêve de
-jeunesse et de bonheur, noyé de frais azur et de brume lumineuse
-dans les lointains, réchauffé de blondes transparences sur les premiers
-plans, vrai comme la nature et brillant comme une apothéose
-d’Opéra! Rubens et Véronèse reconnaîtraient Watteau pour un des
-<span class="pagenum" id="Page_261">261</span>
-leurs. L’auteur de l’<i>Embarquement pour Cythère</i> est assurément le
-plus coloriste des peintres de l’école française. (Théophile Gautier.)</p>
-
-<p>«Si Watteau, écrivent les Goncourt, a fait une nature plus belle
-que la nature, il le doit au poète dont est doublé le peintre. Regardez
-dans tous ces berceaux, ces bocages, dans toute cette ombre feuillue,
-regardez les trous, les jours, les percées, qui mènent toujours l’œil à
-du ciel, à des perspectives, à des horizons, à du lointain, à de l’infini,
-à de l’espace lumineux et vide qui fait rêver. L’ennoblissement dont
-il revêt son paysage, à lui, c’est la poésie du peintre-poète, poésie
-avec laquelle il <i>surnaturalise</i>, pour ainsi dire, le coin de nature que
-peint son pinceau. Des paysages idéalisés, des paysages atteignant,
-dans leur composition poétique, un certain surnaturel, auquel l’art
-matériel de la peinture ne semble pas pouvoir monter, voilà le caractère
-du paysage de Watteau.»</p>
-
-<p>Watteau composa une réplique légèrement réduite mais d’une
-facture plus poussée de son <i>Embarquement</i>; cette toile orne
-aujourd’hui l’un des salons de l’ambassade française à Berlin, mais
-pour le charme et la fluidité des lointains, la séduction de l’ensemble,
-le tableau du Louvre l’emporte de beaucoup sur celui de Berlin.</p>
-
-<p>Celle toile valut à Watteau son admission à l’Académie de peinture,
-en 1770. Elle figure aujourd’hui dans la Salle du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 1.27.—Largeur: 1.92.—<i>Figures: 0.30.</i></div>
-
-<h2 id="Page_262"><span class="cs7">PATER</span><br />
-LA TOILETTE</h2>
-
-<div class="artroom">SALLE LA CAZE</div>
-
-<div  id="Page_263" class="artpage">
-  <img src="images/im-263.jpg" alt="" title="" width="400" height="511" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-263.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-263.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_265">265</div>
-
-<div class="arttitle"><i>La Toilette</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">L’INTÉRIEUR d’une élégante au <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle. On est au petit
-matin, ou, pour mieux dire, au petit matin des jolies femmes
-pour qui le jour commence alors que le soleil est depuis
-longtemps levé. Rien n’est plus salutaire à la conservation du teint
-qu’un sommeil prolongé, dans la molle tiédeur du lit. Aussi l’agréable
-personne représentée ici, dans son déshabillé charmant, offre un
-visage reposé et des joues délicates dont l’épiderme, pour employer
-le style de l’époque «semble pétri de lis et de roses». Une demi-obscurité
-règne dans la pièce; la lumière trop vive du dehors pourrait
-incommoder la belle paresseuse. Elle est assise devant sa toilette,
-jolie table garnie de dentelles couverte de boîtes de poudre à la
-maréchale, de pâtes d’amande et de mouches. Dans le miroir dressé
-devant elle, elle surveille le détail compliqué de sa coiffure, à laquelle
-s’occupe activement une soubrette. Une matinée très élégante est jetée
-sur ses épaules, laissant apercevoir une gorge fort avenante et les bras
-les plus jolis du monde. En tous temps, l’ajustement d’une élégante a
-été une affaire d’importance: on s’en aperçoit au nombreux personnel
-qui s’y emploie ici. Pendant qu’une femme de chambre seconde la
-coiffeuse, d’autres s’occupent à diverses tâches; l’une, près de la
-cheminée, fait chauffer la chemise de fine toile, une autre approche
-du feu un récipient contenant l’eau pour les ablutions. Une fillette,
-placée là on ne sait pourquoi, suit d’un œil intéressé toutes les phases
-de la toilette. Il en est une, cependant, qui ne semble apporter qu’une
-<span class="pagenum" id="Page_266">266</span>
-attention médiocre à ce qui se passe autour d’elle: cachée derrière le
-miroir et courbée sur sa chaise, son regard mutin paraît faire des
-signes d’intelligence à un personnage qu’on ne voit pas. Comme il
-arrive invariablement dans les tableaux de cette époque, l’artiste n’a
-pas manqué d’y ajouter la note libertine destinée à pimenter l’<ins id="cor_6" title="anecdocte">anecdote</ins>.
-Caché derrière une tenture qu’il soulève à demi, un jeune
-abbé de cour passe une tête curieuse et s’absorbe dans la contemplation
-de la maîtresse du logis.</p>
-
-<p>Tout est charmant dans cette composition, où l’aimable et spirituel
-talent de Pater a prodigué les détails. Comme Watteau et Lancret, il
-excelle dans cet art coquet, libertin et gracieux du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle, dont
-l’idéal était le joli et la fonction d’orner les petites maisons des grands
-seigneurs et les boudoirs des marquises. Quelles jolies têtes de
-femmes, quelles sveltes tournures, quels élégants costumes galamment
-portés! Comme tout cela a bon air et vit aisément dans <ins id="cor_7" title="cet">cette</ins> atmosphère
-de luxe et de plaisir! Comme on sent bien qu’en peignant ces
-élégances d’alcôve et de ruelles, l’artiste exprime exactement le goût,
-la fantaisie et le caprice de son siècle! De même que le siècle précédent,
-solennel et pompeux, avait engendré des peintres comme Poussin
-ou Lebrun, de même la Régence jouisseuse et le règne frivole qui
-suivit suscitèrent d’aimables talents, tels que Lancret, Watteau, Hilair,
-Pater, Boucher, qui surgirent spontanément de cette atmosphère
-galante, comme Vénus de l’écume des flots. Avec le même goût de
-la peinture gracieuse et libertine, ils eurent tous le don précieux de
-la mesure, ce goût inné qui les empêcha de convertir le marivaudage
-en grossièreté. Quelque osé que puisse être le sujet traité, il se
-rachète toujours par une élégance de bonne compagnie, par un tour
-spirituel et malicieux qui frôle sans insister, qui fait sourire et jamais
-rougir.</p>
-
-<p>A ces qualités rares, ils ajoutèrent—et Pater plus que les
-autres—une science du coloris qui les fait reconnaître au premier
-<span class="pagenum" id="Page_267">267</span>
-regard. A aucune époque, la peinture n’a trouvé de teintes aussi
-délicates ni aussi précieuses. En considérant <i>la Toilette</i>, de Pater,
-on est aussitôt conquis et ravi par cette adorable symphonie de tons
-où le bleu et le rose forment les dominantes. Et qu’on ne dise pas
-que c’est là un art facile: la savante disposition des valeurs révèle
-au contraire une maîtrise supérieure. Quelle délicatesse, par exemple,
-dans le rose tendre de la robe que porte la soubrette assise devant
-le feu et comme elle se fond harmonieusement avec le rouge plus
-sombre de la femme inclinée devant elle. Rien de heurté, ni de banal,
-dans ces associations qui, sous le pinceau d’artistes moins habiles,
-deviendraient si facilement vulgaires.</p>
-
-<p>Pater peut être considéré comme l’un des meilleurs de nos
-«petits maîtres» français. Tandis que Watteau plaçait de préférence
-ses personnages dans le plein air de la campagne, avec des <ins id="cor_8" title="lontains">lointains</ins>
-roses et des ciels merveilleux, Pater cherchait plus volontiers ses
-sujets dans les intérieurs luxueux et coquets. Il a été surtout le
-peintre des boudoirs et des chambres à coucher du <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle. Par
-son genre, il rappelle Terburg, le plus aristocratique des Hollandais:
-il possède autant de finesse et d’esprit que lui, mais il l’emporte par
-la délicatesse et l’élégance. Et s’il n’a pas acquis, malgré ses belles
-qualités, la gloire d’un Watteau ou d’un Fragonard, il en faut accuser
-son dessin qui n’est pas toujours irréprochable.</p>
-
-<p><i>La Toilette</i> fut souvent appelée <i>la Toilette de la mariée</i>; on l’a
-également reproduite sous le titre: <i>Le Désir de plaire</i>. Ce minuscule
-tableau peut être considéré comme un des plus charmants bijoux que
-nous ait légués le <span class="cs7">XVIII</span><sup>e</sup> siècle, pourtant si fertile en jolies œuvres.</p>
-
-<p><i>La Toilette</i> fut donnée au Louvre par M. La Caze et figure dans
-la salle qui porte le nom du célèbre collectionneur.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.37.—Largeur: 0.46.—<i>Figures: 0.23.</i></div>
-
-<h2 id="Page_268"><span class="cs7">RAPHAËL</span><br />
-PORTRAIT DE JEUNE HOMME</h2>
-
-<div class="artroom">GRANDE GALERIE</div>
-
-<div  id="Page_269" class="artpage">
-  <img src="images/im-269.jpg" alt="" title="" width="400" height="529" />
-  <div class="z00m"><a href="images/imx-269.jpg">Agrandir</a></div>
-</div>
-
-<div class="handpage">
-  <img src="images/imx-269.jpg" alt="" title="" />
-</div>
-
-<div class="pagenum" id="Page_271">271</div>
-
-<div class="arttitle"><i>Portrait de jeune homme</i></div>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<p class="drcap">SUR un balustre de fenêtre, un jeune garçon est appuyé. Son
-corps porte tout entier son poids sur le coude droit et la jolie
-tête repose sur la main ouverte. De son toquet de velours
-s’échappent de longues boucles blondes qui donnent une sorte de
-mièvrerie féminine à cette figure d’adolescent. Le visage est d’une
-parfaite pureté de lignes; le nez, la bouche, le menton sont d’un dessin
-délicat et charmant. Quant aux yeux, largement ouverts, ils révèlent
-tout à la fois l’heureuse insouciance de l’âge et une réflexion très
-appliquée; bien que paraissant fixés sur un point déterminé, quelque
-chose de vague, de flou y flotte, comme s’ils suivaient attentivement
-un rêve passionnant.</p>
-
-<p>Toute la grâce de Raphaël est transcrite sur cette image et tout
-son art se révèle dans la pose abandonnée et pensive du modèle. Quel
-est ce jeune homme; quel nom porta-t-il dans le monde de la Renaissance;
-joua-t-il plus tard un rôle quelconque dans l’histoire? On ne
-sait pas. Certains commentateurs, séduits par la beauté du modèle
-et se rappelant que celle du peintre lui avait valu le nom de divin
-Raphaël, ont cru pouvoir affirmer que c’était le portrait même du
-maître. La date du tableau détruit cette légende: à cette époque
-Raphaël avait dépassé l’âge de cette toile et n’aurait pu se peindre que
-de mémoire. Or, il y a trop de vie dans cette tête pour admettre que
-le grand artiste aurait peint «de chic» une œuvre si parfaite.</p>
-
-<p>D’autres affirment avec moins d’énergie que ce portrait n’est pas
-<span class="pagenum" id="Page_272">272</span>
-l’œuvre de Raphaël, mais celle d’un certain Francesco Ubertini, surnommé
-Bacchiacca. Comme rien ne démontre ce dire et que d’ailleurs
-la toile en cause est un chef-d’œuvre, comme d’autre part, l’insinuation
-est toute récente, rien n’oblige à l’accepter; tout, au contraire, invite à
-l’attribuer à Raphaël plutôt qu’à un inconnu. Au surplus tout, dans
-cette toile, trahit la main de Raphaël; c’est la même technique que
-l’on retrouve dans son propre portrait du musée des Offices; c’est
-celle de tous ses autres portraits, avec la même grâce, la même onctueuse
-habileté, les mêmes clartés de palette.</p>
-
-<p>Il n’est pas jusqu’au coloris où l’on ne retrouve le faire habituel
-du grand maître d’Urbino. C’est la même tonalité discrète, presque
-neutre qui a fait dire aux romantiques, acharnés à détruire sa gloire,
-que Raphaël était un médiocre coloriste. Certes, il fut moins coloriste
-que les Vénitiens, mais si parfois sa couleur était froide elle avait toujours
-cette distinction parfaite par où se révèlent les grands maîtres.</p>
-
-<p>Raphaël a connu cette disgrâce de voir contester son génie; certaines
-écoles, dans les temps modernes, se sont laissé entraîner à
-cette aberration de honnir Raphaël comme l’inspirateur du culte de
-l’antique. Rien de plus injuste et de plus faux. Le grand artiste ne
-s’inspira jamais de l’antiquité qu’il connaissait à peine. Au surplus,
-toute polémique est aujourd’hui éteinte; Raphaël a reconquis sa
-splendide royauté.</p>
-
-<p>Le <i>Portrait de jeune homme</i> figure au Louvre dans la Grande
-Galerie, à la travée réservée aux œuvres de Raphaël.</p>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div class="artdim">Hauteur: 0.59.—Largeur: 0.44.—<i>Figure grandeur nature.</i></div>
-
-<h2 id="toc">TABLE DES MATIÈRES</h2>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<table summary="Table des matières">
-<tr>
-  <td class="tdr" colspan="2"><span class="cs8">Pages.</span></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Préface</i></td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_5">5</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Vulcain présentant à Vénus les armes d’Énée</i>, par F. Boucher</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_10">13</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Balthazar, comte de Castiglione</i>, par Raphaël</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_16">19</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Hélène Fourment et ses enfants</i>, par Rubens</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_22">25</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Madame Récamier</i>, par Louis David</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_28">31</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Le Concert champêtre</i>, par Giorgione</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_34">37</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Portrait d’Heindrickje Stoffels</i>, par Rembrandt</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_40">43</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Portrait de l’Infante Marguerite</i>, par Vélasquez</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_46">49</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Jésus-Christ marchant au Calvaire</i>, par Simone Memmi</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_52">55</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Source</i>, par Ingres</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_58">61</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Femme hydropique</i>, par Gérard Dow</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_64">67</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Madame de Pompadour</i>, par Quentin La Tour</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_70">73</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Une Jeune Princesse</i>, par Constantin Netzcher</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_76">79</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Mauvaise Compagnie</i>, par Jan Steen</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_82">85</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Érasme</i>, par Hans Holbein</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_88">91</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Le Mariage de sainte Catherine</i>, par Corrège</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_94">97</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Conversation</i>, par Lancret</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_100">103</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Dentellière</i>, par Jan van der Meer (Vermeer)</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_106">109</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Charles I<sup>er</sup> d’Angleterre</i>, par Van Dyck</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_112">115</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Élisabeth d’Autriche, femme de Charles IX</i>, par F. Clouet</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_118">121</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Barque du Dante</i>, par Delacroix</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_124">127</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Le Roi Ferdinand</i>, par le Greco</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_130">133</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Les Pèlerins d’Emmaüs</i>, par Rembrandt</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_136">139</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Sujet pastoral</i>, par F. Boucher</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_142">145</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Les Noces de Cana</i>, par Gérard David</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_148">151</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Mademoiselle de Lambesc et le comte de Brionne</i>, par Nattier</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_154">157</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Jeanne d’Aragon</i>, par Raphaël</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_160">163</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Kermesse</i>, par P.-P. Rubens</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_166">169</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Monsieur et Madame Angerstein</i>, par Sir Thomas Lawrence</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_172">175</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Les Glaneuses</i>, par J.-F. Millet</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_178">181</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Bohémienne</i>, par Franz Hals</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_184">187</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Les Sonneurs</i>, par Decamps</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_190">193</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Anne de Clèves</i>, par Holbein</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_196">199</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>L’Enlèvement de Psyché</i>, par P. Prud’hon</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_202">205</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Le Cardinal de Richelieu</i>, par Ph. de Champaigne</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_208">211</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>L’Automne</i>, par Lancret</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_214">217</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Madame Seriziat</i>, par Louis David</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_220">223</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Vieillard lisant</i>, par Rembrandt</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_226">229</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Paysage</i> (<i>souvenir de Mortefontaine</i>), par Corot</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_232">235</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Belle Ferronnière</i>, par Léonard de Vinci</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_238">241</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Chasse au Faucon en Algérie</i>, par Eugène Fromentin</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_244">247</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Le Sommeil d’Antiope</i>, par le Corrège</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_250">253</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>L’Embarquement pour Cythère</i>, par Watteau</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_256">259</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>La Toilette</i>, par Pater</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_262">265</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl"><i>Portrait de jeune homme</i>, par Raphaël</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_268">271</a></td>
-</tr>
-</table>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<h2 id="index">INDEX ALPHABÉTIQUE</h2>
-
-<hr class="hr16" />
-
-<table summary="Index alphabétique">
-<tr>
-  <td class="tdr" colspan="3"><span class="cs8">Pages.</span></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">PRÉFACE</td>
-  <td class="tdr" colspan="2"><a href="#Page_5">5</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">BOUCHER</td>
-  <td class="tdl">Vulcain présentant à Vénus les armes d’Énée</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_10">13</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Sujet pastoral</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_142">145</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">CHAMPAIGNE (de)</td>
-  <td class="tdl">Le Cardinal de Richelieu</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_208">211</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">CLOUET (François)</td>
-  <td>Élisabeth d’Autriche, femme de Charles IX</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_118">121</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">CORRÈGE (LE)</td>
-  <td class="tdl">Le Mariage de sainte Catherine</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_94">97</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Le Sommeil d’Antiope</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_250">253</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">COROT</td>
-  <td class="tdl">Paysage (souvenir de Mortefontaine)</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_232">235</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">DAVID (Louis)</td>
-  <td class="tdl">Madame Récamier</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_28">31</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Madame Seriziat</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_220">223</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">DECAMPS</td>
-  <td class="tdl">Les Sonneurs</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_190">193</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">DELACROIX</td>
-  <td class="tdl">La Barque du Dante</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_124">127</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">DOW</td>
-  <td class="tdl">La Femme hydropique</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_64">67</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">FROMENTIN</td>
-  <td class="tdl">Chasse au faucon en Algérie</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_244">247</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">GÉRARD DAVID</td>
-  <td class="tdl">Les Noces de Cana</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_148">151</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">GIORGIONE</td>
-  <td class="tdl">Le Concert champêtre</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_34">37</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">GRECO (LE)</td>
-  <td class="tdl">Le Roi Ferdinand</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_130">133</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">HALS</td>
-  <td class="tdl">La Bohémienne</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_184">187</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">HOLBEIN</td>
-  <td class="tdl">Érasme</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_88">91</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Anne de Clèves</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_196">199</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">INGRES</td>
-  <td class="tdl">La Source</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_58">61</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">LANCRET</td>
-  <td class="tdl">Conversation</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_100">103</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">L’Automne</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_214">217</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">LAWRENCE</td>
-  <td class="tdl">Monsieur et Madame Angerstein</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_172">175</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">L. DE VINCI</td>
-  <td class="tdl">La Belle Ferronnière</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_238">241</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">MEMMI</td>
-  <td class="tdl">Jésus-Christ marchant au Calvaire</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_52">55</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">MILLET</td>
-  <td class="tdl">Les Glaneuses</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_178">181</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">NATTIER</td>
-  <td class="tdl">Mademoiselle de Lambesc et le comte de Brionne</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_154">157</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">NETZCHER</td>
-  <td class="tdl">Une Jeune Princesse</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_76">79</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">PATER</td>
-  <td class="tdl">La Toilette</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_262">265</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">PRUD’HON</td>
-  <td class="tdl">L’Enlèvement de Psyché</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_202">205</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">QUENTIN LA TOUR</td>
-  <td class="tdl">Madame de Pompadour</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_70">73</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">RAPHAËL</td>
-  <td class="tdl">Balthazar, comte de Castiglione</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_16">19</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Jeanne d’Aragon</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_160">163</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Portrait de jeune homme</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_268">271</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">REMBRANDT</td>
-  <td class="tdl">Portrait d’Heindrickje Stoffels</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_40">43</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Les Pèlerins d’Emmaüs</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_136">139</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">Vieillard lisant</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_226">229</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">RUBENS</td>
-  <td class="tdl">Hélène Fourment et ses enfants</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_22">25</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdc">——</td>
-  <td class="tdl">La Kermesse</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_166">169</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">STEEN (Jan)</td>
-  <td class="tdl">La Mauvaise Compagnie</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_82">85</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">VAN DER MEER</td>
-  <td class="tdl">La Dentellière</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_106">109</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">VAN DYCK</td>
-  <td class="tdl">Charles I<sup>er</sup> d’Angleterre</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_112">115</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">VÉLASQUEZ</td>
-  <td class="tdl">Portrait de l’Infante Marguerite</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_46">49</a></td>
-</tr>
-<tr>
-  <td class="tdl">WATTEAU</td>
-  <td class="tdl">L’Embarquement pour Cythère</td>
-  <td class="tdr"><a href="#Page_256">259</a></td>
-</tr>
-</table>
-
-<hr class="hr30" />
-
-<div id="note" class="box">
-<p class="sansrf">Au lecteur.</p>
-
-<p>Ce livre électronique reproduit intégralement le texte original,
-et l’orthographe d’origine a été conservée, y compris dans les
-noms propres. Seules quelques erreurs typographiques évidentes
-ont été corrigées. La liste de ces corrections se trouve ci-après.</p>
-
-<p>La ponctuation a également fait l’objet de quelques corrections
-mineures.</p>
-
-<p class="sep2 sansrf">Corrections.</p>
-
-<ul class="lsoff">
-<li><a href="#cor_1">Page  73</a>: «habituellemente» remplacé par «habituellement» (Il était
-habituellement quinteux).</li>
-
-<li><a href="#cor_2">Page 110</a>: «Duk» remplacé par «Dirk» (Dirk van Bleyswijck).</li>
-
-<li><a href="#cor_3">Page 127</a>: «deux» remplacé par «d’eux» (l’un d’eux s’accroche à la
-poupe).</li>
-
-<li><a href="#cor_4">Page 184</a> et suivantes: au lieu de «Franz Hals» il convient de lire
-«Frans Hals».</li>
-
-<li><a href="#cor_5">Page 247</a>: «frénétiqne» remplacé par «frénétique» (La course
-frénétique des chasseurs).</li>
-
-<li><a href="#cor_6">Page 266</a>: «anecdocte» remplacé par «anecdote» (destinée à pimenter
-l’anecdote).</li>
-
-<li><a href="#cor_7">Page 266</a>: «cet» remplacé par «cette» (vit aisément dans cette
-atmosphère).</li>
-
-<li><a href="#cor_8">Page 267</a>: «lontains» remplacé par «lointains» (avec des lointains
-roses).</li>
-</ul>
-</div>
-
-<hr class="full" />
-
-
-
-
-
-
-
-
-<pre>
-
-
-
-
-
-End of Project Gutenberg's Le musée du Louvre, tome 1 (of 2), by Armand Dayot
-
-*** END OF THIS PROJECT GUTENBERG EBOOK LE MUSÉE DU LOUVRE, TOME 1 (OF 2) ***
-
-***** This file should be named 51023-h.htm or 51023-h.zip *****
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-work or any other work associated with Project Gutenberg-tm.
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-of obtaining a copy upon request, of the work in its original "Plain
-Vanilla ASCII" or other form. Any alternate format must include the
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-the second copy is also defective, you may demand a refund in writing
-without further opportunities to fix the problem.
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-LIMITED TO WARRANTIES OF MERCHANTABILITY OR FITNESS FOR ANY PURPOSE.
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-damages. If any disclaimer or limitation set forth in this agreement
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-limitation permitted by the applicable state law. The invalidity or
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-remaining provisions.
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-electronic works, harmless from all liability, costs and expenses,
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-
-
-
-Section 3. Information about the Project Gutenberg Literary Archive Foundation
-
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-501(c)(3) educational corporation organized under the laws of the
-state of Mississippi and granted tax exempt status by the Internal
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-Professor Michael S. Hart was the originator of the Project
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-necessarily keep eBooks in compliance with any particular paper
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-
-Most people start at our Web site which has the main PG search
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-Archive Foundation, how to help produce our new eBooks, and how to
-subscribe to our email newsletter to hear about new eBooks.
-
-
-
-</pre>
-
-  </body>
-</html>
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diff --git a/old/51023-h/images/im-047.jpg b/old/51023-h/images/im-047.jpg
deleted file mode 100644
index 77ef765..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-047.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-053.jpg b/old/51023-h/images/im-053.jpg
deleted file mode 100644
index c071d4c..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-053.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-059.jpg b/old/51023-h/images/im-059.jpg
deleted file mode 100644
index a733037..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-059.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-065.jpg b/old/51023-h/images/im-065.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-065.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-071.jpg b/old/51023-h/images/im-071.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-071.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-077.jpg b/old/51023-h/images/im-077.jpg
deleted file mode 100644
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-083.jpg b/old/51023-h/images/im-083.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-083.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/im-089.jpg b/old/51023-h/images/im-089.jpg
deleted file mode 100644
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deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-095.jpg
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deleted file mode 100644
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deleted file mode 100644
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deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-113.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-119.jpg b/old/51023-h/images/im-119.jpg
deleted file mode 100644
index ae37d98..0000000
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-125.jpg b/old/51023-h/images/im-125.jpg
deleted file mode 100644
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-131.jpg b/old/51023-h/images/im-131.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-131.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-137.jpg b/old/51023-h/images/im-137.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-137.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-143.jpg b/old/51023-h/images/im-143.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-143.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-149.jpg b/old/51023-h/images/im-149.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-149.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-155.jpg b/old/51023-h/images/im-155.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-155.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-161.jpg b/old/51023-h/images/im-161.jpg
deleted file mode 100644
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--- a/old/51023-h/images/im-161.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-167.jpg b/old/51023-h/images/im-167.jpg
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index fd03409..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-167.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-173.jpg b/old/51023-h/images/im-173.jpg
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index 1b0b982..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-173.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-179.jpg b/old/51023-h/images/im-179.jpg
deleted file mode 100644
index e09c506..0000000
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-185.jpg b/old/51023-h/images/im-185.jpg
deleted file mode 100644
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diff --git a/old/51023-h/images/im-191.jpg b/old/51023-h/images/im-191.jpg
deleted file mode 100644
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-197.jpg b/old/51023-h/images/im-197.jpg
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--- a/old/51023-h/images/im-197.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/im-203.jpg b/old/51023-h/images/im-203.jpg
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index 598220f..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-203.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/im-209.jpg b/old/51023-h/images/im-209.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/im-215.jpg b/old/51023-h/images/im-215.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/im-221.jpg b/old/51023-h/images/im-221.jpg
deleted file mode 100644
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-227.jpg b/old/51023-h/images/im-227.jpg
deleted file mode 100644
index 6a2be29..0000000
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diff --git a/old/51023-h/images/im-233.jpg b/old/51023-h/images/im-233.jpg
deleted file mode 100644
index d0ccb82..0000000
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diff --git a/old/51023-h/images/im-239.jpg b/old/51023-h/images/im-239.jpg
deleted file mode 100644
index f22211b..0000000
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-245.jpg b/old/51023-h/images/im-245.jpg
deleted file mode 100644
index c89a132..0000000
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diff --git a/old/51023-h/images/im-251.jpg b/old/51023-h/images/im-251.jpg
deleted file mode 100644
index c35bb28..0000000
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diff --git a/old/51023-h/images/im-257.jpg b/old/51023-h/images/im-257.jpg
deleted file mode 100644
index f0e653d..0000000
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+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-263.jpg b/old/51023-h/images/im-263.jpg
deleted file mode 100644
index a101395..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-263.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/im-269.jpg b/old/51023-h/images/im-269.jpg
deleted file mode 100644
index 2115668..0000000
--- a/old/51023-h/images/im-269.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-011.jpg b/old/51023-h/images/imx-011.jpg
deleted file mode 100644
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diff --git a/old/51023-h/images/imx-017.jpg b/old/51023-h/images/imx-017.jpg
deleted file mode 100644
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diff --git a/old/51023-h/images/imx-023.jpg b/old/51023-h/images/imx-023.jpg
deleted file mode 100644
index bf873f7..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-023.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-029.jpg b/old/51023-h/images/imx-029.jpg
deleted file mode 100644
index fbd5760..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-029.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-035.jpg b/old/51023-h/images/imx-035.jpg
deleted file mode 100644
index a4c491d..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-035.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-041.jpg b/old/51023-h/images/imx-041.jpg
deleted file mode 100644
index 4ef85fd..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-041.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-047.jpg b/old/51023-h/images/imx-047.jpg
deleted file mode 100644
index 558ce15..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-047.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-053.jpg b/old/51023-h/images/imx-053.jpg
deleted file mode 100644
index 1e87218..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-053.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-059.jpg b/old/51023-h/images/imx-059.jpg
deleted file mode 100644
index b2a4965..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-059.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-065.jpg b/old/51023-h/images/imx-065.jpg
deleted file mode 100644
index ba83cf3..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-065.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-071.jpg b/old/51023-h/images/imx-071.jpg
deleted file mode 100644
index 877a5de..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-071.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-077.jpg b/old/51023-h/images/imx-077.jpg
deleted file mode 100644
index 7ffec3d..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-077.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-083.jpg b/old/51023-h/images/imx-083.jpg
deleted file mode 100644
index d989530..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-083.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-089.jpg b/old/51023-h/images/imx-089.jpg
deleted file mode 100644
index 44add8d..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-089.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-095.jpg b/old/51023-h/images/imx-095.jpg
deleted file mode 100644
index 04529f2..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-095.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-101.jpg b/old/51023-h/images/imx-101.jpg
deleted file mode 100644
index 11cac36..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-101.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-107.jpg b/old/51023-h/images/imx-107.jpg
deleted file mode 100644
index e2cb54a..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-107.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-113.jpg b/old/51023-h/images/imx-113.jpg
deleted file mode 100644
index d2ce6cf..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-113.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-119.jpg b/old/51023-h/images/imx-119.jpg
deleted file mode 100644
index b6724aa..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-119.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-125.jpg b/old/51023-h/images/imx-125.jpg
deleted file mode 100644
index ef5604e..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-125.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-131.jpg b/old/51023-h/images/imx-131.jpg
deleted file mode 100644
index 618cc8c..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-131.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-137.jpg b/old/51023-h/images/imx-137.jpg
deleted file mode 100644
index d9ff693..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-137.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-143.jpg b/old/51023-h/images/imx-143.jpg
deleted file mode 100644
index 693fdcf..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-143.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-149.jpg b/old/51023-h/images/imx-149.jpg
deleted file mode 100644
index e7fbac7..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-149.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-155.jpg b/old/51023-h/images/imx-155.jpg
deleted file mode 100644
index 609c3e1..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-155.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-161.jpg b/old/51023-h/images/imx-161.jpg
deleted file mode 100644
index 902361a..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-161.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-167.jpg b/old/51023-h/images/imx-167.jpg
deleted file mode 100644
index 87e01fc..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-167.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-173.jpg b/old/51023-h/images/imx-173.jpg
deleted file mode 100644
index 04ebcb7..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-173.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-179.jpg b/old/51023-h/images/imx-179.jpg
deleted file mode 100644
index 83a5203..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-179.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-185.jpg b/old/51023-h/images/imx-185.jpg
deleted file mode 100644
index c857a7b..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-185.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-191.jpg b/old/51023-h/images/imx-191.jpg
deleted file mode 100644
index 25cb12f..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-191.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-197.jpg b/old/51023-h/images/imx-197.jpg
deleted file mode 100644
index 145e56c..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-197.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-203.jpg b/old/51023-h/images/imx-203.jpg
deleted file mode 100644
index 8bc9eb8..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-203.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-209.jpg b/old/51023-h/images/imx-209.jpg
deleted file mode 100644
index d255505..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-209.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-215.jpg b/old/51023-h/images/imx-215.jpg
deleted file mode 100644
index 1847553..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-215.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-221.jpg b/old/51023-h/images/imx-221.jpg
deleted file mode 100644
index 3225162..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-221.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-227.jpg b/old/51023-h/images/imx-227.jpg
deleted file mode 100644
index 79fb98b..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-227.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-233.jpg b/old/51023-h/images/imx-233.jpg
deleted file mode 100644
index 8a64da8..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-233.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-239.jpg b/old/51023-h/images/imx-239.jpg
deleted file mode 100644
index 7e486f7..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-239.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-245.jpg b/old/51023-h/images/imx-245.jpg
deleted file mode 100644
index dadbf74..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-245.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-251.jpg b/old/51023-h/images/imx-251.jpg
deleted file mode 100644
index 9126221..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-251.jpg
+++ /dev/null
diff --git a/old/51023-h/images/imx-257.jpg b/old/51023-h/images/imx-257.jpg
deleted file mode 100644
index 2f0ef49..0000000
--- a/old/51023-h/images/imx-257.jpg
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diff --git a/old/51023-h/images/imx-263.jpg b/old/51023-h/images/imx-263.jpg
deleted file mode 100644
index 78146e4..0000000
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diff --git a/old/51023-h/images/imx-269.jpg b/old/51023-h/images/imx-269.jpg
deleted file mode 100644
index ba5b1c2..0000000
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